El último bosque es un libro de fotografía documental de David Coronado, es la reivindicación de un agroecosistema único en el mundo que se está extinguiendo a causa del calentamiento global, la contaminación y las enfermedades. Con este fotolibro, el autor quiere dar a conocer y revalorizar una forma de vida y un espacio del sur de Andalucía, en el que unos pequeños pueblos sobreviven gracias a un bosque que debería protegerse y cuidarse.

David Coronado retrata a través de sus imágenes la situación de emergencia ambiental que sufre el Parque Natural Los Alcornocales. Esta obra documental gráfica ayuda a conocer los estragos que causa el cambio climático, resaltando la necesidad de una mayor implicación por parte de las administraciones públicas para paliar el problema.

Para la creación de este fantástico fotolibro, David Coronado ha contado con el antropólogo Agustín Coca Pérez, autor del prólogo que acompañan a las imágenes de Coronado.

Además del Ayuntamiento de Los Barrios, este libro no hubiera sido lo mismo sin la colaboración de Andrés Rebolledo, Juan M. Gutiérrez y los corcheros y arrieros andaluces que aparecen en el libro.

El último bosque denuncia el estado de Los Alcornocales

David Coronado quedó prendado del paraje de Los Alcornocales en una excursión en 2016. Tanto le fascinó que lo visitó en numerosas ocasiones para realizar fotos. Las primeras imágenes que realizó eran coloristas, la belleza salvaje del lugar no dejaba espacio a nada más.

Con el tiempo, Coronado se interesó más por el estado del bosque y descubrió que estaba amenazado por la sequía, los hongos y plagas.

En declaraciones al periódico Europa Sur, David Coronado afirma: «Las primeras imágenes que tomé del monte de alcornoques eran fotos turísticas, casi folclóricas. Pero la realidad es que el alcornocal es un ecosistema que va a morir en 20 años si no se pone remedio».

Esta evolución en su visión del bosque se plasma también en las más de 90 imágenes que forman El último bosque. Las imágenes coloristas y brumosas del inicio dan paso a fotos en blanco y negro que ceden el protagonismo a las texturas de los alcornoques y al trabajo de los corcheros.

Para el autor, el libro es un homenaje a la gente del campo, a los arrieros y corcheros que conocen y respetan los árboles y cuyo modo de vida está en peligro.

David Coronado, un autor comprometido

David Coronado es escritor y fotógrafo y Presidente de la asociación de memoria histórica Associació Stanbrook. En 2008 publicó su primera novela  Sexo, mentiras y otros cuentos, una recopilación de relatos.

Con La Calderona, novela histórica que publica en 2016, Coronado se zambulle en el Madrid del Siglo de Oro. Ese mismo año también se publica el ensayo Operación Stanbrook, del que fue coautor junto a Laura Gassó, Empar Juan, Pilar Bonet y Rafa Arnal.

David Coronado también ha participado en proyectos audiovisuales como Gol en el Cabanyal, un documental sobre los vecinos del barrio del Cabanyal de Valencia o La historia de las zapatillas Mercury, ganador del premio del público del Festival audiovisual de Vitoria (2001) y al guion en el Festival de cortometrajes de Quart de Poblet (1998).

En 2022, lanza su fotolibro El último bosque, para el que ha contado con La Imprenta CG en su impresión. De su experiencia trabajando con nosotros, Coronado destaca cómo el equipo de La Imprenta CG ha entendido el proyecto y le ha guiado para hacerlo de la mejor manera. En sus propias palabras: «han tratado la impresión con cariño y el resultado se nota. El libro ha quedado mejor que como esperaba».

Nosotros no podemos estar más contentos con el resultado, un precioso y necesario fotolibro para defender y dar a conocer la situación de Los Alcornocales.

David Coronado, en Los Alcornocales.

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Os presentamos uno de nuestros trabajos de impresión el libro El amigo de Kafka, el tercer título de una pequeña editorial, El ladrón de calcetines, ideada por Nacho Casanova.

Este  proyecto editorial está orientado a un público adulto que aprecie las ilustraciones en la misma medida que las palabras. Con un diseño muy cuidado, el formato de los libros de El ladrón de calcetines es siempre el mismo (cuadrado, de 15,5 cm.),  encuadernados en tapa dura forrada en tela.

Todos llevan un golpe seco en portada con el título y la autoría, y una imagen icónica grabada en la contra, lo que les da un toque muy especial. Además, todos contienen un regalo único y exclusivo. Y todos van numerados a mano, de una limitadísima tirada de 200 unidades.

Una pequeña colección que crece cada 6 meses (de momento) y que es perfecta para regalar a los amantes de la mejor literatura e ilustración.

El amigo de Kafka contiene 44 relatos de Alfons Aladreta y una justificación, ilustrados por Carlos Ortin. Además, el libro cuenta con un prólogo escrito por la ilustradora Cristina Durán.

La colección de El ladrón de calcetines  por ahora cuenta con tres títulos: :  Pequeños Naufragios, de Nacho Casanova, Sinvivir, de Nacho Casanova y Antonio Soto y El amigo de Kafka, de Carlos Ortin y Alfons Aladreta.

Para la editorial, los prologuistas son muy importantes, cuentan como autores de pleno derecho, así que se suman a la lista Ceferino Galán (Pequeños Naufragios), Carlos Ortin (Sinvivir) y Cristina Durán (El amigo de Kafka).

El ladrón de calcetines: una lista de autores pequeña y exquisita

El ladrón de calcetines es un proyecto unipersonal de Nacho Casanova, que ejerce las funciones «de Oficina de correos para cartas de amor sin destinatario. De sala de exposición abierta sin visitantes. De piscina con el agua a temperatura graduada, sin nadadores. De gafas de sol sin nariz, con perdón de Gógol. Es, como podéis entrever, un aglutinador de palabras y colores que desbordan amor por los cantos, tristemente huérfanos, hasta que aparece nuestro lector y le da sentido a todo», en palabras de su creador.

Los autores que ha colaborado con El ladrón de calcetines forman una lista corta y exclusiva. Los libros editados por ellos son proyectos hechos con mucha dedicación y cuidando hasta el último detalle.

Carlos Ortin cuenta con un currículum tan extenso que es imposible de resumir. Premio Nacional de Ilustración en 1999, es un magnífico ilustrador, coordinador de proyectos increíbles (Los hoteles de la imaginación, The Valencianer) y expresidente de FADIP.

Alfons Aladreta es uno de esos personajes misteriosos de la cultura valenciana desde los 90. Podemos encontrar sus textos dispersos por aquí y por allá, pero no es fácil ponerle cara.

Sabemos que firma sus trabajos alimenticios (es maquetador de libros) con seudónimos diferentes para cada cliente. Sabemos que no tienes redes sociales. Sabemos que recientemente quiso destruir sus manuscritos pero que Ortin los rescató en una ágil y traicionera maniobra. Sabemos que no sabe que el Ladrón de calcetines ha hecho este libro.

Antonio Soto es artista, galerista, restaurador, profesor y un escritor espeluznante, por el uso que hace del lenguaje y la cantidad de registros idiomáticos en los que se encuentra cómodo.

Nacho Casanova es un ilustrador erótico y minimalista, diseñador editorial, redactor, profesor y, recientemente, editor. Con su proyecto de El ladrón de calcetines pretende que abrir uno de sus libros sea como encontrar la pareja perdida de un calcetín del que ya te deshiciste: un placer absurdo y bello, pero tremendamente satisfactorio.

Si queréis haceros con un ejemplar de El amigo de Kafka u otro de los títulos El ladrón de calcetines, podéis hacerlo en su propia web o en las siguientes tiendas de Valencia: La Chaise Retro&med, Tresors, Estudio 64 y Somnis de Paper.

Más información en: www.elladrondecalcetines.com

https://www.instagram.com/elladrondecalcetines

https://www.instagram.com/poeticasanova/

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Con fotos de Enrique Escandell, M.P. y el archivo de los Royals, el libro es un documento que recoge parte de la historia del grafiti en España a finales de la primera década del siglo XXI. Una publicación de lujo que hemos tenido el placer de imprimir en La Imprenta CG,para nuestro cliente Seri o no seri.

Revisiting Tsunami Royals, un año haciendo grafitis registrado en un fotolibro

El libro Revisiting Tsunami Royals es un fotolibro basado en el vídeo Tsunami Royals, que fue lanzado en el 2010. El objetivo del libro es revisitar todo el proceso de creación del vídeo o, dicho de otra manera, adaptar dicho vídeo a formato papel.

Una publicación que impresionará a todo aquel apasionado del mundo del grafiti, la fotografía, la edición de vídeo y a cualquiera que le apetezca disfrutar un fotolibro diferente.

Aunque el fotolibro es un proyecto personal de Lucas Sanchis Monsalve, su impulsor lo considera un libro coral: Desde las piezas y paneles que en él se muestran, realizadas por el grupo Royals a lo largo del 2008 y 2009, hasta las fotos de Enrique Escandell y M.P., fotógrafos que documentaron durante años los actos del grupo, pasando por el material videográfico, grabado y editado por Lucas Sanchis Monsalve, adaptado a imágenes estáticas.

Todo ello hace de Revisiting Tsunami Royals una publicación que, a base de imágenes, transmite la esencia del grafiti, tal y como los participantes lo viven.

Revisiting Tsunami Royals está diseñado para narrar, a través de potentes imágenes, la experiencia que supuso para el técnico audiovisual acompañar a los integrantes de la crew allá donde iban. Aunque la mayoría de grabaciones se efectuaron en València, también fueron visitadas ciudades como Bucarest o Milán.

A través de los más de 130 fotogramas y fotografías (muchos de ellos inéditos), el lector se sumerge en parte de la historia del grafiti español; un año acompañando a un grupo de grafiteros hecho libro.

Si estáis interesados en comprar un ejemplar, podéis hacerlo aquí.

Ficha técnica del fotolibro:

Tamaño: 24cm x 17cm (Formato horizontal).

Tapa dura con encuadernación cosida.

204 páginas a todo color.

Maquetación: lusanmon.

Fotos: Enrique Escandell, M.P. y Archivo Royals.

Foto de lisanmon, realizada por Enrique Escandell.

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Hoy tenemos el gusto de presentaros Mundo lápiz, un precioso libro encuadernado en tapa dura que corresponde al trabajo personal de la fotógrafa turolense Ángeles Pérez. Se trata de un proyecto que ha ido cociéndose a fuego lento durante años y que fusiona las grandes pasiones de esta inquieta creadora: la fotografía, los viajes y los lapiceros que lleva coleccionando desde hace varios años. La maquetación y la dirección de arte del libro han corrido a cargo del estudio coolte.net.

Sobre Mundo Lápiz

El libro se compone de más de 200 fotografías que reflejan el entusiasmo de la autora por la fotografía, los viajes y los lápices. Un extenso recorrido por gran parte de la colección personal de lapiceros recopilados por todo el mundo durante más de veinte años. Como dice Ángeles en el prólogo de su libro: «los lapiceros son pequeños y baratos, fáciles de llevar en la mochila, y eso le ha permitido poder reunir decenas de ellos.»

La delicadeza y el cuidado con el que se documenta esta colección muestran el proceso creativo de la artista.

El diseño editorial se ha realizado en una estrecha colaboración del estudio coolte.net y la propia creadora. El concepto, la idea y el diseño han sido desarrollados durante algo más de dos meses y ponen de manifiesto la relación entre diseñador, cliente y nuestros servicios de impresión, materializado en una objeto singular y mimado hasta los más mínimos detalles y que pone en evidencia la importancia de todas las partes implicadas para lograr un libro atractivo y que marca la diferencia.

Tanto en la portada como en el interior de la publicación, las anotaciones manuscritas están realizadas por Ángeles Pérez de su puño y letra, con uno de sus lápices. Escaneadas posteriormente, maquetadas manteniendo la irregularidad del trazo e impresas a todo color y con una calidad que en ocasiones los trazos parecen originales.

Mundo Lápiz ha contado con la colaboración de Pedro Moreno en la redacción de los textos.

Sobre Ángeles Pérez

Ángeles Pérez es una artista que reside en Teruel. Desde hace más de dos décadas, utiliza la fotografía como medio de expresión. Ha participado en varios proyectos expositivos colectivos e individuales y actualmente podemos encontrar una interesante selección de obras de su trayectoria en la exposición “Hacia la abstracción por el paisaje”, en el Museo provincial de Teruel.

Sobre el diseño editorial de Coolte.net

coolte.net es un estudio de diseño gráfico y comunicación audiovisual formado por Raúl Antón, María Cervera y Pedro Zarzoso. Tiene su base en Teruel y lleva más de diez años desarrollando proyectos creativos. En el estudio desarrollan encargos de identidad gráfica, diseño editorial, fotografía y web, entre otros.

Si queréis conocer mejor sus trabajos podéis seguir su Instagram:  @angelesperezf1.4 ///  @coolte.net_studio

O visitar sus webs: www.angelesperez.es y coolte.net.

Sobre la impresión

En La Imprenta CG hemos tratado de cuidar hasta el máximo detalle el proceso de fabricación del libro. Lo hemos encuadernado en tapa dura forrada en tela gris con los títulos estampados en serigrafía.

El interior se ha impreso a todo color sobre papel estucado semimate que realza la calidad y los detalles de las fotografías. Asimismo, hemos incluido también un díptico en offset ahuesado para dar la relación de los pies de foto que aparecen en el libro, y enriquecer su carácter objetual.

La autora del libro, Ángeles Pérez

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Chusky/Yksuhc, 23 años al pie del cañón

A lo largo de los últimos 23 años, Chusky/Yksuhc  ha recorrido las calles de diversas ciudades realizando grafitis de forma compulsiva. Este libro es la documentación fotográfica de esa frenética actividad artística.

Además, las imágenes muestran la captura de los aspectos contextuales y gráficos de la práctica, donde diferentes facetas de su actividad convergen para ser compartidas en una recopilación que permite visualizar varias etapas de una basta producción.

En Chusky/Yksuhc los aficionados al arte urbano pueden encontrar una amplia selección de imágenes, que muestran cómo ha desarrollado su obra el grafitero: desde la escritura más básica, las referencias y el aprendizaje de los patrones; hasta llegar a etapas más maduras, donde las piezas adquieren acabados pictóricos que se alejan en buena medida de lo convencional y las letras comienzan a convivir con un universo particular poblado de seres extraños y criaturas híbridas.

En estas dos décadas, Chusky/Yksuhc ha dejado su obra en azoteas, vagones de tren, vías férreas o túneles de metro de diferentes ciudades como Madrid, Atenas, Milán, Santiago de Chile, Cuzco o Nueva York; entre otras.

El libro recoge no solo las piezas finalizadas, sino también parte del proceso artístico, lo bocetos previos, los viajes y la atmosfera de los diferentes lugares y ciudades.

Junto a las fotografías se han intercalado pequeños relatos creados por Rhed, Buni, Higos, Hosio, Fach , Reks, Yum, Kami, EBR, Rebel 86, Zoow, Doug. R; entre otros. En ellos, se desgranan diferentes anécdotas y vivencias vinculadas con Chusky o con alguna etapa de su recorrido.

Además, el libro cuenta con dos generosos prólogos escritos por Jaume Gómez y Fernando Figueroa; junto a un breve prefacio del autor YKSUHC Juan.

El libro está diseñado y maquetado por Miguel Monzón y Camille Bourdon, las traducciones están a cargo de Doug. R y tanto Jaime Alekos como Doug. R han contribuido de forma destacada en el apartado fotográfico.

El libro está impreso con tecnología offset en nuestros talleres, cuenta con 436 páginas y un tamaño de 210 x 297 mm. Las tapas duras están recubiertas con un estucado mate antirayas y antihuellas y la encuadernación es cosida. El papel interior es de 120 gr.

De nuestro trabajo, el autor destaca la atención profesional, especialmente en asuntos técnicos de maquetación y corrección de errores en la preparación del documento antes de la impresión final.

Para nosotros, imprimir el libro de Chusky/Yksuhc ha sido un proyecto muy gratificante. ¡Muchas gracias por confiar en nosotros!

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De puño y letra, poemas de Silvestre Segarra

Silvestre Segarra Llidó es un reconocido empresario valenciano, nacido en Valencia en 1946, y que continúa en activo; al frente de su grupo empresarial. Además de su larga y exitosa carrera profesional, Segarra ha cultivado una afición muy particular: la literatura.

En diciembre de 2021, publicó De puño y letra, una selección de sus mejores poemas que editó en una tirada limitada de 250 ejemplares para regalar a sus amigos.

Encuadernado en tapa dura forrada en tela, el libro es una auténtica preciosidad y la portada destaca gracias a la ilustración de la diseñadora francesa Peggy Desmons, la tela negra del forro y la impresión en tinta blanca y amarilla.

Con más de 180 páginas y un formato de 230×160 mm. el resultado final es un libro con una estética muy cuidada y un contenido sorprendente.

Silvestre Segarra, un empresario con alma de poeta

Silvestre Segarra comenzó su carrera empresarial al acabar sus estudios, con la apertura de tiendas de calzado por toda la Comunidad Valenciana.

Más tarde, continuó su expansión nacional y en muy pocos años, abrió más de cien tiendas en toda España, con un sistema innovador de autoservicio y precios bajos. En poco tiempo, la empresa se situó entre las primeras del país en volumen de ventas de calzado.

En 1981, junto a su esposa Emilia e hijos, fijó su residencia en Elche (Alicante), que en aquellos años era el centro neurálgico de la fabricación de zapatos en España, Europa y Estados Unidos.

En los años siguientes, las tiendas de calzado se fueron transformando en establecimientos de gran tamaño, dedicados a la venta de textil, calzado y complementos de línea deportiva; bajo la marca Sprinter.

La empresa ha ido agrandando su tamaño, a través de fusiones y aperturas en otros países y de esas operaciones nació un nuevo grupo empresarial, I.S.R.G, con sede en Alicante y con el grupo inglés JD y Sportzone, en Portugal, como socios.

En La Imprenta CG nos encanta participar en este tipo de proyectos personales, que dan rienda suelta a la creatividad y convierten en realidad el sueño de publicar un libro.

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Errores al imprimir más comunes

No comprobar las medidas

En nuestra imprenta online tienes multitud de medidas para elegir la que más se adapta a tu proyecto.

A la hora de realizar la maquetación de tu publicación, ten en cuenta esas medidas para que no tengas que adaptarlas más tarde y realizar el doble de trabajo.

Problemas con márgenes y sangrados

Si no quieres que algo se corte, ponle un buen margen. Y si quieres que algo no tenga un espacio en blanco alrededor, sino que continúe hasta el final de la página, dale sangre.

Aquí tienes más información para no perderte en el bosque de los espacios en la maquetación:

Márgenes de libros. La distribución de los blancos en un libro impreso. 

Los sangrados en los trabajos de imprenta.

Sin faltas, por favor

Nada da peor imagen que un texto -ya sea comercial o literario- con faltas de ortografía. Revisa, revisa y revisa el texto para que no se te pase ningún error gramitical.

No te fíes del corrector del Word y, si tienes alguna duda, consulta en páginas como Fundeu  o el diccionario online de la RAE.

Textos muy pequeños o ilegibles

Un hecho aceptado universalmente es que imprimir un texto por debajo de 6 puntos es complicado. Convertirá tu publicación en un bonito montón de papel ilegible.

Lo mismo ocurre con las tipografías elegidas. A no ser que busques precisamente ese efecto estético, lo mejor es recurrir a tipografías que permitan la lectura de un modo fácil y que no canse la vista del lector.

El interlineado (espacio entre líneas) también es importante a la hora de maquetar una publicación, tenlo en cuenta y elige el tamaño justo para la lectura sea más cómoda.

Aquí tienes una guía que te ayudará a elegir la letra de tu proyecto: Elegir tipo de letra, cuerpo e interlineado para un libro.

No incrustar las fuentes

¿Incrus… qué? Pasas horas eligiendo la mejor fuente en Dafont, días decidiéndote por la mejor combinación de tipos y cuando lo envías a imprenta… ¡Horror, fuente no encontrada!

Cuando se utilizan fuentes, puede ocurrir que el ordenador de la imprenta de tu elección no tenga esa fuente concreta y el programa de diseño la sustituirá por otra por defecto, cambiando la apariencia de tu proyecto.

Por eso es importante que se incrusten las fuentes o que se conviertan en contornos o trazados.

RGB… ¡No, gracias!

Cada vez que mandas a imprenta un archivo en modo RGB, un impresor se corta con papel y muere un unicornio.

El modo RGB está pensado para las pantallas; para enviar a imprenta, siempre, siempre hazlo en CMYK.

En esta guía te explicamos todo sobre el color en impresión: Las transparencias, los colores directos y RGB.

Píxeles, para qué os quiero: cuidado con la resolución.

Que una imagen se vea bien en pantalla no significa que se imprima bien. Si no quieres que tu publicación tenga fotos borrosas o pixeladas, utiliza siempre imágenes con 300dpi de resolución.

Sólo si se trata de impresiones muy grandes como murales, lonas o carteles gigantes puedes bajar la resolución a 150 ó 120dpi.

Con este tutorial, evitarás los errores a la hora de elegir la resolución de las imágenes a la hora de imprimir: Cómo definir la resolución de una imagen.

No confiar en profesionales

Si todo esto te da dolor de cabeza y no quieres ni oír hablar de sangres y fuentes, lo mejor es que confíes en profesionales.

En La Imprenta CG ofrecemos un completo servicio de edición a nuestros clientes, para que no te tengas que preocupar de nada y que el resultado final sea perfecto, tanto en fondo como en forma.

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La naturaleza y el hombre en las obras de Cristina Alabau

Nacida en Valencia en 1963, la artista Cristina Alabau entremezcla en su trabajo lo natural y lo abstracto, todo bañado por una intensa luz mediterránea.

Las obras de Alabau son escenarios de representación del encuentro del hombre con la naturaleza: hombre, naturaleza y tiempo se encuentran en el espacio representados por formas abstractas.

El lenguaje pictórico de Cristina Alabau está marcado por la abstracción poética que ahonda en las emociones. Las técnicas que emplea para plasmar sus ideas en lo material son variadas: pintura, acuarela, dibujo, collage, escultura…

La artista valenciana ha experimentado a lo largo de su carrera con distintos formatos que le permitan expresar esa relación entre la humanidad, la naturaleza y el tiempo.

Una ardua tarea de documentación

El catálogo de Alabau es una selección de obras del trabajo de la artista, desde hace 35 años hasta la actualidad. Es un completo repaso por las exposiciones individuales, colectivas y ferias de arte a nivel nacional e internacional en las que ha participado.

Al mismo tiempo, es un recorrido por la evolución de sus obras durante todo este tiempo. Para comprender mejor esa evolución, se han reunido los textos de los críticos de arte que han escrito sobre su obra en sus diferentes etapas.

Para la realización del catálogo, Cristina Alabau ha realizado una labor de exhaustiva búsqueda de todo el material que tenía guardado en diferentes formatos: negativos, diapositivas y papel, escaneándolo y ordenándolo cronológicamente. Para ello, ha contado con la colaboración de Juan Araque, diseñador y amigo de la artista.

La artista, revisando el catálogo impreso.

35 años de trayectoria artística

Durante su larga trayectoria artística, la artista valenciana ha expuesto su trabajo tanto en muestras colectivas como individuales en la Galería Punto de Valencia, la galería Pilar Mulet de Madrid, Lluch Fluxa en Palma de Mallorca, la galería Italia en Alicante o la galería Alba Cabrera de Valencia; entre otras.

En galerías internacionales, su obra ha estado presente en Redies en Dusseldorf, Adriana Schmidt en Stuttgart y en Colonia, la galería Michael Schultz en Berlín y la galería Ando en Japón.

Además de contar con obra en colecciones particulares y museos, Cristina Alabau ha participado en ferias internacionales como Basilea (1988), Arco (1987, 1992, 1993, 1994, 1995, 1996, 1997, 1998, 1999, 2000, 2001, 2002, 2003, 2004, 2005), Art Cologne (1986, 1992, 1993, 1994, 1995, 1996, 1997, 1998, 1999, 2001, 2002, 2003, 2004), Fiac (1992, 1993, 1994, 1995, 1996, 2000), Miami Art (1993), Chicagoart (1995, 1996, 1997, 2000, 2001), Art Madrid (2017, 2018, 2019, 2021) y JustlxLisboa (2018, 2019).

En La Imprenta CG estamos encantados de haber participado en este proyecto, imprimiendo con todo el mimo posible un catálogo tan especial como el de Cristina Alabau.

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¿Qué es la encuadernación cosida de libros?

La encuadernación cosida se basa en un sistema de fabricación de cuadernillos o pliegos que van cosidos entre sí con hilo vegetal formando un bloque compacto.

El cosido de los libros se realiza en 3 pasos:

1. Se doblan las hojas por la mitad, creando Dípticos.
2. Se insertan los dípticos uno dentro de otro para formar un cuadernillo.
3. Se cosen todos los cuadernillos conjuntamente para componer la tripa o mazo del libro.

Cómo se cosen los pliegos de los libros

Ya hemos visto los pasos necesarios para coser la tripa de un libro. La técnica no ha cambiado durante siglos, pero sí que han evolucionado las herramientas utilizadas. Hoy en día tenemos máquinas totalmente automatizadas que realizan el cosido de los libros.

En el siguiente video puedes ver una de estas máquinas trabajando en el cosido de un libro.

¿Cómo se distingue un libro cosido de un libro encolado? 

Si vemos el borde del libro superior o inferior, es fácil comprobar si las hojas de papel van pegadas directamente al lomo (encuadernación encolada, también llamada rústica fresada o encuadernación americana) o si van organizadas en cuadernillos y, al abrir por el centro de cada cuadernillo, podremos observar el hilo (encuadernación cosida).

Diferencias entre los libros cosidos y encolados

En los libros encolados o fresados las hojas de papel se pegan directamente al lomo del libro. Con el paso del tiempo, los productos empleados se oxidan, se resecan y se vuelven quebradizos, perdiendo su capacidad adhesiva, por lo que es más que probable que se desprendan hojas o se rompa el lomo del libro por la mitad.

Los libros cosidos también llevan cola adhesiva pero, aunque ésta envejezca, siempre permanecerá el hilo que mantiene las hojas unidas. Así pues, el método de encuadernación cosido presenta una mayor durabilidad y resistencia al paso del tiempo.

Otra característica que los distingue es que los libros cosidos se abren mucho mejor. Sin ejercer apenas presión, un libro cosido se puede poner encima de una mesa completamente abierto y plano. En cambio, los libros encolados tienden a cerrarse (es lo que llamamos efecto cepo) y no presenta ese carácter flexible, de poca resistencia, que resulta tan cómodo en las obras de consulta.

Ventajas de los libros cosidos

Así pues, resumiendo, los libros cosidos con hilo tienen varias ventajas que los convierten en una mejor opción frente a la encuadernación encolada.

1. Mayor durabilidad: El libro cosido dura más tiempo que el libro encolado, pues, aunque la cola se reseque, el hilo continúa manteniendo las hojas unidas. Todos tenemos por casa libros cosidos de nuestros padres o abuelos que siguen siendo perfectamente funcionales.
2. Abertura óptima: Los libros cosidos se abren mejor que los libros encolados. Un libro cosido se puede colocar plano sobre la mesa o en un atril. Si es pequeño quizás haya que forzar un poco su abertura, pero nunca se romperá porque el hilo sigue manteniendo las hojas unidas.

La principal ventaja de los libros encolados frente a los libros cosidos, es que en su fabricación hay menos manipulado por lo que resultan más económicos. Se trata de una diferencia a tener en cuenta, pues en muchos libros que son de lectura (poemarios, novelas, cuentos y también libros de no ficción…), es decir, cuando no se trata de libros de consulta o catálogos ilustrados con imágenes a doble página, tal vez no sea necesario que el libro se mantenga abierto completamente, por lo que no es necesario hacerlos cosidos. Además, las colas que utilizamos actualmente en la fabricación de los libros tienen una durabilidad mucho mayor que en los libros antiguos.

Los consejos de la Imprenta CG

En La Imprenta CG hacemos libros cosidos y también encolados con PUR o EVA. 

A continuación te recomendamos los usos más habituales de cada tecnología. Todas tienen sus ventajas. Consúltanos y te recomendaremos la mejor opción para encuadernar tu libro.

• Encuadernación Encolada cola PUR: Adecuada para tiradas cortas y papeles estucados. Económica y resistente.
• Encuadernación Encolada con cola EVA: Adecuada para tiradas largas de novelas, revistas y libros de lectura en general. Para papeles no estucados. Muy económica.
• Encuadernación Cosida con hilo: Para libros de calidad, duraderos, o cualquier publicación que necesitamos que abran plano sobre la mesa (por ejemplo libros de consulta, recetarios, manuales, catálogos y libros ilustrados con imágenes a doble página).

¿Cuánto cuesta imprimir un libro cosido?

Imprimir un libro con encuadernación cosida es un poco más caro que hacerlo con encuadernación encolada. Si tienes dudas ponte en contacto con nuestro departamento de atención al cliente y te las resolverán en el acto.

Las cubiertas de los libros cosidos

Una vez confeccionada la tripa del libro, el siguiente paso es ponerle las tapas o cubiertas. Existen dos tipos de tapas que se pueden aplicar al libro cosido: la tapa blanda y la tapa dura.

Libros cosidos con tapa blanda

La forma más habitual y económica de encuadernar un libro cosido es con una cubierta de papel grueso o cartulina. Para ello aplicamos la cola al borde del libro y lo pegamos a la tapa. Este proceso se conoce como cubrir el libro. A continuación lo cortamos por los bordes superior, inferior y lateral, para que el acabado de los bordes sea perfecto, con todas las páginas enrasadas.

Libros cosidos con tapa dura

La tapa dura se utiliza para libros de alta calidad, o cuando necesitamos un libro muy resistente y duradero. Consiste en una tapa de cartón rígido de 3 mm de grosor que se forra con papel impreso, tela, piel, etc.

Para unir la tripa del libro a la tapa se le añade un díptico de papel (de color liso o impreso con imágenes, tramas, etc) al principio y al final llamado guarda, una tira de tela en el borde del lomo llamada cabezada, y un refuerzo de papel o gasa que mantiene la estructura del libro y le proporciona la consistencia necesaria.

Ejemplos de libros cosidos

A continuación te mostramos algunos ejemplos de libros cosidos. Son una breve muestra de las posibilidades de este tipo de encuadernación, pinchando en la imagen puedes ampliar información sobre el libro.

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Se trata del libro Huellas y sendas. Fauna en las rutas de senderismo de Alcoy, del fotógrafo Germán Linares, un fotolibro que nos lleva de paseo por algunos de los senderos más bellos y sorprendentes con que contamos en la Comunitat Valenciana. Al observar sus páginas, uno se cree que está en un documental sobre un lugar lejano e inaccesible, pero cuando se comprueban las comarcas y los caminos recorridos, nos damos cuenta de que lo tenemos ahí cerquita, justo a la vuelta de la esquina, y que se trata de un entorno que, si conociéramos mejor, lo cuidaríamos y nos preocuparíamos más por protegerlo como se merece.

Huellas y sendas, fauna en las rutas de senderismo de Alcoy. Un libro impreso en La Imprenta CG

El amor por la naturaleza y la diversidad animal, por Germán Linares

Aquí os dejamos esta explicación del propio Germán Linares nos ha escrito y que define muy bien el proyecto.

Huellas y Sendas nace para descubrir quien convive con nosotros. Los caminos por los que realizamos excursiones están llenos de vida, y darles el reconocimiento que se merecen a esos compañeros de mochila que muchas veces pasan desapercibidos es muy importante para apreciarlos, cuidarlos y respetarlos.

La fauna que aparece en el libro es la que podremos encontrarnos en los alrededores de Alcoy (Alicante). Infinidad de aves, grandes herbívoros como son los ciervos, los muflones y arruís, mamíferos como los zorros, jabalís, tejones, ardillas…  y las grandes rapaces como el águila real, los busardos ratoneros, los cernícalos…. o los majestuosos buitres leonados, entre otros.

Los detalles del interior del libro muestran unas soberbias fotografías de animales salvajes en su entorno natural

Un proyecto autoproducido con el apoyo de Verkami

El proyecto ha sido realizado íntegramente por mí, tanto las fotografías como la maquetación, aunque en algunas cuestiones puntuales he recibido la ayuda de Elena Juan y por Fran Parreño. Me dedico profesionalmente a la fotografía de bodas, pero lo que de verdad me apasiona es la montaña y la naturaleza. Por eso he puesto todo mi empeño en este proyecto que he disfrutado muchísimo, de cada salida al monte y de cada día que volvía a casa sin fotografías, pues para mí el mero hecho de ir a la montaña es un placer.

Desde damos la enhorabuena por esas fotografías que nos han hecho descubrir unos parajes realmente extraordinarios.

Para conocer mejor el trabajo profesional de Germán Linares como fotógrafo de bodas, podéis visitar su página web: www.germanlinares.es o seguirle en instagram:

Cómo conseguir el libro

El libro también tiene su propia página web: www.huellasysendas.com, donde se puede comprar.

También se puede adquirir en la Librería Llorens.  Y en la Librería Cosmos.

Por último, os aconsejamos que veais el instagram Huellas y Sendas, donde podréis descubrir más fotografías de este proyecto: https://www.instagram.com/huellas_y_sendas/

Germán Linares recibe el pedido de La Imprenta CG

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Madrid 24/7 ha sido impreso en los talleres de La Imprenta CG.

El secreto mundo de los grafiteros del metro de Madrid

Madrid24/7 es un libro que acerca esta extraña subcultura que es el grafiti a gamberros y profanos en la materia. Muestra este misterioso mundo subterráneo con un enfoque menos relamido y más dinámico que nos acerca a estos grupos de vándalos y a las formas en que se abren paso a través de las numerosas medidas de seguridad del metro madrileño para acceder a sus instalaciones y poder desarrollar sus creaciones de forma clandestina.

Una guerra que lleva más de 30 años librándose y que se desarrolla en su mayoría de forma silenciosa, solo para de vez en cuando ser expuesta por los medios de comunicación, que tildan el grafiti de tratarse de un mero despropósito causado por unos desalmados con problemas sociales. Sin embargo, ¿qué sabe la gente corriente y moliente de las actividades que realizan estos jóvenes y no tan jóvenes para lograr sus estrambóticos objetivos?

Vista de un andén del metro de Madrid desde la propia vía.

Un libro con imágenes inéditas

Éste es un libro que no pretende engrandecer las obras de estos decoradores del subsuelo, simplemente busca acercar y explicar estas extrañas performances ilegales al público general.  Está dividido en cuatro capítulos que abordan las diferentes facetas del grafiti en los vagones metropolitanos, contando con más de 160 fotografías y frames de vídeo totalmente inéditas hasta la fecha, así como textos explicativos en castellano e inglés. Se trata de un libro raro y único, un producto básico para los amantes de la fotografía, que ha sido desarrollado por los mayores eruditos en este campo de toda la capital española.

Tanto si es usted un apasionado de estas aventuras como si las odia, solo hace falta que sea una persona mínimamente curiosa para quedar fascinado por todas las tropelías que reúne este libro de edición limitada, el cual es una autentica rareza indispensable en su biblioteca. Acompáñenos a descender a los más profundos niveles bajo esta gran urbe babilónica llamada Madrid, para observar las extravagancias de unos personajes que tienen esta particular forma de divertirse.

Grafiteros madrileños accediendo a las instalaciones del metro de Madrid.

Grafiteros en plena acción, entre los vagones del metro de Madrid.

Ficha técnica de Madrid 24/7:

• Edición limitada a 130 copias
• Medidas: 21 x 29,7 cm (DINA4 apaisado)
• Encuadernado en tapas duras
• 180 páginas
• Edición: 2021
• Impreso en La Imprenta CG

Puedes comprar el libro 24/7 aquí.

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Les nostres companyes de Caliu Editorial acaben de publicar la segona edició de La lluerna morada, un conte escrit per Ricard Gozàlvez (Tàpera) i i il·lustrat per Carles Ubeefe que té com a transfons la inclusió social, el respecte a la diversitat i la diferència, i l’estima per les persones.

En La Imprenta CG ens sentim molt contents també de poder contribuir a fer contes amb contingut que fomenta valors tan respectuosos.

Una història de lluernes, diferència i respecte

La lluerna morada centra la seua història en la figura d’una lluerna que, quan cau la nit, s’ilumina d’un color diferent a la resta de lluernes, la qual cosa provoca el rebuig de la comunitat de les lluernes d’eixe bosc, ben pagades de tindre totes un flamant color groc. Per a elles, la lluerna morada era lenta, rara i els feia perdre el temps, per això havien deixat de passar-li la pilota mentres jugaven i no li feien cas en les converses.

La lluna presenciava totes les nits aquella penosa situació fins que un bon dia va decidir fer-los reflexionar sobre aquell comportament, i donar-los a entendre quant limitat és tindre un sol punt de vista sobre les coses i les convida a provar de canviar de plantejaments i ampliar la gamma de jocs que solien jugar habitualment.

«Cada nit, la lluna observava la soledat i tristesa de la lluerna morada.»

A més a més, explica la lluna, encara que les lluernes grogues puguen semblar totes iguals, no ho són. Si parem atenció, cadascuna d’elles presenta característiques singularitzades i diferents que les fan especials i úniques, i justament aixó constitueix la gràcia de la vida.

Un llibre de valors realitzat amb Verkami

La lluerna morada és un llibre senzill que se llig molt a gust en companyia dels menuts i ajuda a comprendre millor la importància d’educar a les persones de forma oberta i comprensiva. Descobrir, comprendre i acceptar les singularitats dels demés ens ajuda a conviure millor i a tindre un coneixement més ric i complet de nosaltres mateix.

El llibre ha sigut imprés i enquadernat als talleres de La Imprenta CG. Per a la seua materialització, ha comptat amb una campanya de micromecenatge Verkami.

El llibre ha sigut realitzat gràcies a una campanya de micromecenatge amb Verkami

Un llibre de 21 x 21 cm enquadernat en tapa dura. Imprés als tallers de La Imprenta CG

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Uno de nuestros primeros proyectos es este precioso libro, la autobiografía de Paco Guillén, en el que narra su vida personal y profesional y comparte con los lectores sus experiencias y reflexiones. Para nosotros ha sido un placer formar parte de este proyecto, en el que hemos volcado nuestros esfuerzos y nuestro cariño.

Mi vida a grandes rasgos ha sido editada en tapa dura con sobrecubiertas y encuadernación cosida

Contar una vida, compartir la memoria

Para Paco Guillén, escribir estas memorias es algo así como salir del “armario social”. Compartir públicamente las vivencias y pensamientos por los que ha pasado durante sus 76 años es un acto de valentía y de generosidad poco habitual. Acostumbrados a la exposición trivial y estética de las redes sociales, unas memorias pensadas y profundas son un legado para los más jóvenes.

A través de las páginas del libro, descubriremos las grandes etapas de la vida de Paco Guillén, sus peripecias personales y profesionales, con multitud de anécdotas curiosas y algunas muy divertidas.

Mención especial merece la presencia de María Dolores, esposa del autor, cómplice y compañera y a quien va dedicado este libro

El autor, Paco Guillén

Memoria viva de la historia de España

Paco Guillén no solo relata su vida personal, sino que se adentra en algunos acontecimientos de la historia reciente de nuestro país y ofrece su punto de vista sobre aspectos que afectan a nuestras vidas y al futuro del planeta.

Una visión lúcida y particular, la extraordinaria vida de un hombre corriente, con sus momentos de alegría y tristeza, sus días buenos y sus días malos, pero siempre con la idea de que el éxito en la vida no se mide por los logros ni las medallas, sino por los obstáculos que se consiguen superar.

Este libro pretende animar a los lectores a seguir la senda de sus propias vidas de forma consciente y decidida y a construir una vida que merezca la pena ser contada.

Detalle del interior del libro, con fotos familiares

De los 22 a los 25 años, Paco Guillén perteneció a la brigada de paracaidistas

Servicios editoriales de La Imprenta CG

Durante más de dos décadas, La Imprenta CG se ha especializado en la impresión y publicación de libros. Contamos con un experimentado equipo que abarca todos los procesos de edición de libros en papel: corrección ortotipográfica, corrección de estilo, diseño, maquetación, gestión legal, impresión y distribución.

En La Imprenta CG te acompañaremos en cada uno de los pasos, atendiendo tus necesidades y aconsejándote en todos los detalles, para que el resultado sea perfecto.

Si deseas más información haz clic AQUÍ

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Hoy os presentamos una delicia de cuento que hemos tenido el placer de imprimir en nuestros talleres y que tiene un mensaje de concienciación sobre el reciclaje y la reutilización de los objetos.

Se trata del cuento ¿Para qué sirve un paraguas? de Justo Rodríguez (RR), editado por La Orquídea de Darwin (Cuentos para la educación ambiental) y que ha contado con el asesoramiento de Albano López.

Un paraguas es mucho más que un paraguas

A través de sus páginas, el personaje Rodolfo, un señor de cierta edad y aspecto distraído, se dispone a dar su habitual paseo vespertino provisto de un paraguas ante la amenaza de lluvia. Al salir a la calle, se da cuenta de que el paraguas está roto y decide tirarlo y reemplazarlo por uno nuevo. La escena es contemplada por Marina, una joven y curiosa niña quien, al observar el paraguas en la papelera, piensa: «¡Qué suerte, esto es justo lo que necesitaba…!» y decide reciclar aquel objeto y proporcionarle una segunda vida en el huerto de su colegio.

El señor Rodolfo se dispone a dar un paseo con su paraguas.

Una ráfaga de viento se lleva el paraguas y lo transporta a manos de diferentes personajes quienes van reutilizando sus diferentes partes (varillas, tela, mango…) y convirtiéndolas en elementos de utilidades muy diversas, dejando constancia de la gran variedad de segundas y terceras vidas que pueden llegar a tener los objetos…

Marina recupera el paraguas roto del señor Rodolfo y lo instala en el huerto de su colegio, para proteger el espantapájaros.

En la naturaleza nada se desecha

El mensaje final del cuento lo deja todo bien claro: en la naturaleza nada se desecha, todo puede servir para algo y es nuestro deber no seguir el dictado consumista del usar y tirar de forma indiscriminada. Debemos pensar mejor nuestras acciones y tratar de reutilizar los objetos aunque hayan dejado de cumplir con su función original. De ese modo, protegeremos mejor el medioambiente y nos cuidaremos más a nosotros mismos.

El libro tiene un formato de 21 x 21cm y cuenta con una encuadernación cosida en tapa dura. Ha sido impreso en los talleres de La Imprenta CG con papeles reciclados al 100%.

¿Para qué sirve un paraguas? puede obtenerse AQUÍ.

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Un viaje por 200 discos clave del S.XXI: más allá de las típicas listas

En “Un viaje por 200 discos clave del S.XXI. Un laberinto de recomendaciones musicales del que no querrás salir”, Sebas E. Alonso recorre algunos de los trabajos musicales más influyentes de lo que llevamos de siglo.

Como cualquier selección, enfadará a muchos y contentará a otros; pero Sebas está acostumbrado a lidiar con las fuertes opiniones que pueblan la industria musical desde que en 2006 creara, junto a un grupo de colegas periodistas, la web Jenesaispop.

Jenesaispop: un soplo de aire fresco en el camerino de la música

Sebas E. Alonso es licenciado en Periodismo por la Universidad Complutense de Madrid y toda su carrera ha girado en torno a la música pop, desde sus inicios como becario en los portales de Ya.com (cuando en Internet aún cazábamos mamuts).

Colaboraciones puntuales en medios como MTV, H Magazine, Shangay, Tendencias y una breve experiencia como director de Chueca.com le llevaron a fundar junto a un grupo de colegas periodistas la web Jenesaispop.com, que terminaría convirtiéndose durante años en la web musical independiente más leída de España; alcanzando los 700.000 usuarios únicos al mes.

Una pandemia que ha obligado a parar y reflexionar

En estos días en los que la industria musical se encuentra azotada por la pandemia, con el frenazo en seco de la actividad musical, Sebas se ha lanzado a escribir su primer libro, que por un lado sirve como breve historia del pop del siglo XXI (de 2000 a 2019) y por otro, también de la web que le vio crecer como periodista.

Jenesaispop, con su espíritu feminista y LGTB+, surgió en respuesta a los prejuicios hacia ciertos géneros musicales -entonces el electropop, ahora el reggaetón- por parte de las publicaciones y una parte del público.

Hartos de que los semanarios y mensuales anglosajones dedicaran sus portadas casi siempre a artistas masculinos (¿De verdad tiene sentido que el NMW dedicara 56 cubiertas a Oasis y 4 a PJ Harvey?), reaccionaron con la creación de Jenesaispop: para reivindicar lo que no sonaba en la radio -en una época en la que si no sonabas, no existías- y lo que “no molaba” en ciertos ambientes, que menospreciaban el pop por considerarlo “demasiado blandito”.

Buena música, sin importar de dónde venga

El proyecto de Jenesaispop encontró su sitio rápidamente, sin apoyo de ningún grupo editorial ni campaña de marketing; de manera orgánica y satisfaciendo una demanda que existía y no encontraba su medio.

La de gente que simplemente quería descubrir buena música sin apellidos: “Y esa es la vocación de este libro que no recoge exactamente los mejores discos del siglo XXI, pues como título me parecía demasiado ambicioso”, afirma Sebas.

“Este libro pretende ser un viaje más llano, aunque intrincado, a través de los discos que, por una razón o por otra, han marcado el curso del pop del siglo XXI, de momento.

Algunos son obras maestras incuestionables que han influido y son citados constantemente por decenas de artistas; otros son mucho más modestos, pero fueron capaces de engatusarnos sin el don de la originalidad”, continúa el autor.

Sin duda, un libro imprescindible para conocer qué discos han influido en la música del siglo XXI, sin etiquetas ni prejuicios.

Ficha técnica:

Editado por: Sebastián E. Alonso Casado.

Ayudante en el concepto final: Javier Echeverría “IKO”.

Diseño gráfico: Marcos Moreno Pons.

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Un llibre divertit i inclusiu que agradarà a menuts i grans

El llibre forma part de la col·lecció Xicalla (destinat a un públic infantil, encara que no tant, després vos direm per què) i és obra de Ricard Gozálvez (Tàpera) i Carles Ubeefe (il·lustrador). Al llarg de less seues de 72 pàgines profussament il·lustrades els autors ens ajuden a descobrir, comarca a comarca, totes les meravelles que hi podem trobar, meravelles que ens singularitzen i ens uneixen a totes i tots. El llibre està concebut amb una mirada didàctica, inclusiva i popular, i conté una part interactiva amb fitxes per a que els lectors puguen completar amb informació i/o elements que no hagen vist a les seues pàgines. Es ideal per a llegir en família i, encara que les il·lustracions  i la col·lecció Xicalla ens puguen fer pensar que està destinat a un públic infantil, es tracta d’un llibre intergeneracional on les persones adultes amb un mínim de curiositat i amor pel seu país el trobaran molt, molt interessant. Ja vos ho hem dit :).

Exemples de dos comarques: els pastissets de moniato, la cassola amb penques (mmm… què bo!), la cova de les Dones i el palau dels Comptes de Cervelló són delícies gastronòmiques i llocs patrimonials que podem trobar a La Canal de Navarrés. Les torres musulmanes d’Albal, Torrent i Espioca o les muixerangues, el cant de la Carxofa, la Ruta del Bacalao, són singularitats monumentals i fenómens musico-culturals de l’Horta Sud.

Les comarques com a la millor manera de conéixer’ns i estimar-nos

Les divisions dels estats i les províncies que delimiten bona part dels territoris al món han obeït a decisions geopolítiques que sovint han tingut quelcom d’artificial i imposat. En canvi, quan pensem els territoris per la proximitat de les seues comarques i els aspectes culturals, gastronòmics, l’entorn paisatgístic i natural, els animals que habiten el nostre entorn, resulta molt més fàcil entendre’ns a nosaltres mateixa i aprendre a conviure.

El llibre ha sigut concebut de forma col·lectiva i participativa i ha estat possible gràcies al micromecenatge que ha sigut organitzat a través de la plataforma Verkami.

Unes 400 persones han opinat sobre quins elements són els més il·lustratius de la seua comarca. Per això, aquest atles representa una invitació a repensar la identitat dels valencians i valencianes de forma lúdica, divertida i intergeneracional.

Comarques d’interior, de muntanya, de costa, de ribera, de secà, de ramaderia, d’indústria, de cítrics…; gavines, musols, arpelles, vileros, perdius de mar, genetes, ofegabous, eriçons, fardatxos, trencalosos, pit-roigs… la riquesa del territori valencià és tan rica, variada, diversa i contrastada que sorprendrà totes aquelles persones que se paren a mirar atentament les pàgines d’aquest llibre.

En definitiva, un llibre participatiu, elaborat a foc lent i amb molt d’afecte per a fer-nos estimar el nostre país.

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El libro Tokyo Silence  fue impreso en los talleres de La Imprenta CG y ganó el primer premio a la calidad de impresión en la categoría de catálogos offset de los premios ASOAGVAL 2019.

David Monceau, street photographer, autor del libro Tokyo Silence

Entrevista a David Monceau

Utiliza 4 palabras para definir tu trabajo fotográfico.

Calle, sentimiento, crudo, introspección.

¿Qué es lo que te lleva a querer fotografiar algo o a alguien?

Captar un sentimiento, una emoción, algo que dura tan solo unos segundos y que desaparecerá para siempre.

¿Qué hizo que te dedicaras a la fotografía?

Esta es la historia: empecé a tomar fotografías en los años 2000 durante mis viajes a Nueva York y Pekín. No era nada demasiado serio en aquel momento. Intentaba encontrar mi propio camino.

Yo soy ingeniero profesional de sonido en París. Llevo trabajando en post producción más de 20 años y también hago música de manera bastante activa. Entre finales de los 90 y 2010, podía pasarme día y noche componiendo con altavoces o auriculares a todo trapo. Pero el año 2010 marcó un gran cambio en mi vida. Una mañana me desperté con un fuerte pitido en los oídos. Aunque ya había tenido leves e intermitentes, no me lo tomaba en serio. Pero aquella vez me puse muy nervioso y desesperado, creyendo que me iba a volver loco. Al cabo de un año o dos, me recuperé y la situación volvió a la normalidad. A partir de aquella experiencia me di cuenta de que las cosas no iban a ser iguales y que debía llevar cuidado. No quería volver a hacer música igual que antes y perdí la motivación. Incluso llegué a odiar la música durante una temporada. Me vi con que ya no tenía nada que expresar artísticamente. Fueron para mí años muy oscuros.

En 2013 decidí irme solo a Tokio. Era la segunda vez que iba y no sabía muy bien qué andaba buscando. Debía reflexionar y reencontrarme. Quería perderme por las calles y tomar fotografías. Fue entonces cuando experimenté una especie de renacer. Me di cuenta de que, en aquel ambiente tan ruidoso, cada fotografía que tomaba era un rayo de silencio. Intentaba capturar esos pequeños momentos de tristeza, de dudas y ansiedad que la gente puede tener. Sin duda estaba enfrentándome a mis propios demonios.

¿Por qué Tokyo?

Es una ciudad que se adapta muy bien a mis emociones. Hay algo noble en la mentalidad japonesa que nosotros no tenemos. Creo que al estar sujetos a tantas catástrofes potenciales, han integrado con el tiempo la idea de que todo es efímero. Tal vez sea esa una de las lecciones que he extraído de aquella situación del tinnitus, todo lo que vemos es temporal. Poco a poco el tomar fotografías me ayudó  a reconstruir el puzzle de mi vida tras el desastre. Esa fue mi terapia. Así que diría que el tinnitus, el sonido taladrante, me llevó a la fotografía, un mundo de silencio. Algo que desconocía se convirtió en una especie de obsesión. Y todo empezó a cobrar sentido.

Los habitantes de Tokyo, entre el ajetreo urbano y la soledad

Las fotografías de David Monceau son profundamente cinematográficas

¿Qué cualidades consideras fundamentales en el trabajo de fotógrafo?

Supongo que las mismas que hacen que alguien sea interesante. Odio la indiferencia. O le pones coraje a lo que haces o estás fuera. Si no tienes nada que decir, no salgas a hacer fotos porque no saldrá nada bueno. Yo hago fotografías para mí mismo porque me hacen sentir mejor y me gusta ver mis propias emociones reflejadas en ellas. Es un enfoque bastante egoísta. No pretendo complacer a nadie. No me gustan los oportunistas que siguen las modas. Desde mi punto de vista, esa es la única forma de mantenerte fiel a tu arte. La integridad es lo más importante porque, al fin y al cabo, los fotógrafos siempre se fotografían a sí mismos.

En una época de “sobreinformación” de imágenes, ¿qué es lo que hace que una foto sea especial?

Vivimos en el mundo de Instagram. Ésta puede ser una gran herramienta, pero quienes están tomando fotografías solo para Instagram lo están haciendo mal. Tienes que verlo sobre papel en algún punto. Si tu fotografía no merece estar sobre papel es porque no es buena.

Mi forma de entender la figura del fotógrafo es muy cinematográfica. La historia que hay detrás es lo que hace especial a una fotografía. Si tienes un sujeto sin contenido, puede que tu historia se quede corta de miras. Si tienes un buen contenido pero tu sujeto no es tan interesante, no tienes una historia interesante que contar. Pero si tienes las dos cosas, la acción pasa a ser importante.

Después, el encuadre y el ángulo son también aspectos muy importantes para mí, son la clave de la dramatización de la acción. En función del ángulo de la fotografía, puedes contar dos historias completamente distintas. Aunque también ocurre que a veces rompes todas esas normas, te preparas y tomas una fotografía fantástica. Porque la has llenado de tu personalidad. Creo que lo que hace a un buen fotógrafo es también su habilidad para crear grandes accidentes.

¿Crees que una buena foto está al alcance de cualquiera? 

No creo que al alcance de cualquier persona, pero de mucha gente sí. Especialmente hoy en día, pues todo el mundo está más educado a la hora de fotografiar y tiene una cámara al alcance de su mano. Me resulta muy inspirador ver una fotografía tomada por alguien que no es para nada un fotógrafo. La constancia y la personalidad son cosas muy distintas, y es esto lo que marca la diferencia entre alguien que toma dos o tres fotografías buenas o alguien con una gran obra. Hoy en día mucha gente se hace llamar fotógrafo, pero muy pocos lo son realmente.

Portada del libro Tokyo Silence, impreso en La Imprenta CG

Detalle del libro. Tokyo Silence ganó el primer premio a la calidad de impresión offset en 2019 (ASOAGVAL)

El interior del libro combina el blanco y negro y el color

Menciona a tres o cuatro referentes en el mundo de la fotografía que hayan influido en tu trabajo

Sé que es un poco cliché siendo un Street Photographer, pero Vivian Mayer es una gran inspiración. Su historia, su vida, hacer tantas fotos sin ni siquiera poder ver gran parte de ellas. Es una locura, una prueba fehaciente de su devoción por el arte. Tomaba fotografías porque tenía que hacerlo. Lo llevaba adentro.

Bruce Gilden también es uno de mis favoritos. Especialmente su trabajo en el Nueva York de los 70 y lo que hizo en Tokyo. Además, me gusta el personaje. No trata de ser simpático o agradar a nadie. La gente puede pensar que sus formas intrusivas son cuestionables, pero a él no le preocupa lo más mínimo. Fue el primero a quien oí decir: “No tengo que disculparme por mi arte”. Me ayudó mucho a ganar confianza en mi trabajo.

Tambien me gusta Mark Cohen. La idea de que tomase la mayoría de fotografías en su ciudad de origen, captando imágenes a veces sólo de una pierna o una mano, me gusta. También me gusta el trabajo Robert Frank. En especial su obra “The Americans”. Es crudo. Pasó un año y medio tomando más de 20.000 fotografías para terminar tan solo con 83 en su libro. Me encantan esas locuras. De esa forma obsesiva hice mi libro “Tokyo Silence”.

David Monceau en los talleres de La Imprenta CG revisando las pruebas de Tokyo Silence

¿Qué intereses conforman tu universo creativo más allá de la fotografía? (Literatura, cultura, cinematografía, música, política, ciencia, etc.)

Como he comentado, pienso las fotos como escenas de una película. El cine es muy importante para mí. Crecí viendo películas de Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Tim Burton, y luego Quentin Tarantino, los hermanos Cohen, David Fincher. Me gusta la estética de Wong Kar Wai… Creo de verdad que la película “Lost in Translation”, de Sofia Coppola tiene algo que ver con que fuese por primera vez a Tokyo y con lo que yo busqué allí más tarde.

Cuando tomo fotografías, me gusta escuchar música muy variada. Desde Hip Hop de los 90 hasta Leonard Cohen o Kayokioku de los 70 como Kaji Maiko or Yamasaki Hako.

¿Qué evento o personaje histórico te hubiese gustado fotografiar?

Hay una foto que vi hace unos años, que me sorprendió y de verdad pensé: ¡Joder, ojalá la hubiera tomado yo! Es una imagen que fue tomada justo después del ataque del Charlie Hebdo en París, en enero de 2015. Aparece una manifestación tranquila durante un domingo en París y, al final del día, gente trepando en la estatua Place de la Nation. El nombre de la foto es “Nation”, de Martin Argyroglo. Todo en esa foto es perfecto, es como un cuadro de Delacroix.

¿Cuál fue tu primera cámara?

Tuve una pequeña Kodak de niño, pero comencé a tomar fotos en serio con una Canon 5D. Pesaba muchísimo y era muy molesta. Cambié a una Fujifilm en 2013 con la Xpro1. Me gusta pensar que esta fue mi primera cámara porque es la que tenía cuando encontré mi camino. Desde entonces he usado camaras Fuji.

¿Qué consejo te darías a ti mismo cuando empezaste a fotografiar?

No dudes. Es mejor una fotografía fallida que una no tomada.

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Imágenes y textos para retratar La Habana nuestra de cada día

El libro La Habana nuestra de cada día cuenta con textos del novelista y periodista Leonardo Padura, que recibió el Premio Nacional de Literatura en Cuba en el año 2012. Junto a las reflexiones de Padura, brillan las imágenes capturadas por el escritor y fotógrafo Carlos T. Cairo. De acuerdo con las notas del editor, “escritor y fotógrafo estrujan sus recuerdos y rememoran la ciudad de una forma muy parecida”. Gracias a esa doble visión nos acercamos a la vida cotidiana en La Habana, a su pulso como ciudad y a la idiosincrasia de sus habitantes; lejos de tópicos y postales turísticas.

La selección de los textos es obra de la guionista y filóloga Lucía López, que seleccionó reportajes, crónicas y ensayos publicados por Padura, ubicándolos en tres secciones temáticas tituladas: «La ciudad y el escritor», «La Habana, amor y dolor» y «Cacería de fantasmas».

El escritor Leonardo Padura.

El fotógrafo Carlos Torres Cairo.

Presentación en La Habana

La Habana nuestra de cada día se presenta hoy en la Biblioteca Nacional José Martí. El libro de Aurelia Ediciones será presentado por el historiador Eduardo Torres-Cueva. De este modo, la publicación se suma a las celebraciones por el 500 aniversario de la fundación de la villa de San Cristóbal de La Habana.

Además, como parte de la presentación del libro se inaugurará también la exposición “Renuencia”,  en el estudio-taller Cairo.

Una editorial de largo recorrido

Aurelia Ediciones, fundada en el año 1996, es una editorial especializada en la literatura cubana. Su nombre está inspirado en la célebre vía Aurelia de Roma, a causa del estrecho nexo que une a la cultura hispánica, y occidental en general, con la cultura clásica romana. Actualmente cuenta con dos colecciones principales: la Colección Guerriller, surgida desde el año 1997, en la que se publican volúmenes de fotografía en torno a figuras históricas vinculadas a procesos sociales y culturales; y la Colección Iroko, que nace en el 2012 con el objetivo de investigar sobre la influencia de la cultura africana en América Latina, especialmente en Cuba. A partir del año 2016 Aurelia ha abierto también una línea de publicación dedicada al género narrativo, y otra a la historia de la arquitectura cubana.

En La Imprenta CG estamos encantados de colaborar con ellos desde hace años en su labor de difusión de la cultura cubana, imprimiendo en nuestros talleres varios de sus proyectos.

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Un fotolibro solidario con retratos femeninos

Con este proyecto, la fotógrafa María López Linares pretendía ilustrar su visión de la feminidad, dar voz y reivindicar el papel de las mujeres, mostrando imágenes que consiguieran transmitir naturalidad, honestidad, seguridad y fortaleza.

Tras siete meses de trabajo y gracias a la participación de 25 jóvenes, María López Linares ha conseguido su objetivo. Plasmar la sencillez y energía de una mirada, de un gesto; de una mujer.

Todas las fotografías son en blanco y negro, con juegos de luz y sombras que enriquecen los retratos femeninos, intentando captar el momento más especial.

Un proyecto precioso que emana cercanía y fuerza, destinado, como la autora afirma, “a las mujeres que no han tenido tanta suerte como nosotras”. De hecho, los beneficios obtenidos con la venta del libro se destinarán por completo a la Ilicitana contra la Violencia de Género

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María López Linares: fotografía, arte e historia

María López Linares es una apasionada de la historia, sus personajes, costumbres, modas… Ese interés creció hasta hacerse cargo del negocio familiar de antigüedades y reproducción de joyas históricas.

En 2013, esa pasión por el arte y la historia la llevaron a iniciar su formación como fotógrafa, utilizando la cámara como un medio más para seguir acercándose a los grandes maestros de la antigüedad. Algo que se puede palpar en la delicadeza de sus claroscuros y la manera que trabajar la luz.

Ficha técnica del fotolibro:

Medidas: 21,7 x 30,4 cm.

244 páginas con fotografías en blanco y negro.

Encuadernación cartoné.

Impreso en los talleres de La Imprenta CG.

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Imágenes de un paraje natural único.

En Parc Natural de la Serra Gelada. Les llums del abisme se recogen quince años de imágenes de este impresionante paisaje marítimo-terrestre de la costa Alicantina, declarado Parque Natural en 2005.

Jaume Fuster es profesor de fotografía y ambientólogo y considera la Serra Gelada, o montaña de l’Albir como también se conoce, como uno de esos lugares míticos que inspiran a artistas de todo tipo.

A través de la exposición y el libro que la acompaña, Fuster pretende transmitir la fascinación, belleza y complejidad de la Serra Gelada, una montaña de seis kilómetros de largo que se extiende a través de Benidorm y l’Alfàs del Pi; interrumpiéndose abruptamente sobre el mar en un acantilado de más de cuatrocientos metros de altura.

En la Serra Gelada se concentran singularidades geológicas, botánicas, zoológicas y arqueológicas únicas, dignas de ser conocidas y divulgadas.

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Una exposición itinerante, ahora en el Botànic

La exposición está organizada por el Jardí Botànic de Valencia, en colaboración con el Ayuntamiento de Benidorm, la Diputación de Alicante, el Ayuntamiento de L’Alfàs del Pi, la Fundación Frax y la Acadèmia Valenciana de la Llengua.

La muestra ya ha podido verse en Benidorm y en l’Alfàs del Pi. Hasta el próximo 6 de enero de 2019 se podrá visitar gratuitamente en la Sala Hort de Tramoieres en el Botànic de València.

El libro de la exposición de la Serra Gelada

El libro de la exposición, que hemos impreso en La Imprenta CG, además de las fotografías de Fuster incluye textos expertos como: Francesc Xavier Llorca, Vicenç Maria Rosselló (geografía y toponimia), Carolina Frías (arqueología) y Joan Piera (botánica).
En el catálogo también se desarrolla el papel de la Serra Gelada como enclave estratégico para la pesca y la vigilancia marítima, así como refugio y trinchera; siendo protagonista de historias de corsarios y contrabandistas.

Ficha técnica del catálogo

Medidas: 34,5 x 15,6 cm.
128 páginas impresas en estucado mate.
Encuadernación con tapas duras.
Diseño gráfico: Juliana Javaloy y Jaume Fuster.
Edición: Jardí Botànic de la Universitat de València.
Impreso en los talleres de La Imprenta CG.

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