La grieta reina, una historia sobre la falta de afecto

Editada por Urbiko Ediciones, La grieta reina es la nueva obra de Arantza Álava. Es una novela sobre la falta de afectos, que sumerge al lector en una historia poderosa.

Arantza Álava es autora del poemario Esencia urbana (2020) y de los libros de relatos Peces de terraza (2021) y Viento sin norte (2023), género en el que fue ganadora del Concurso Ciudad de Orduña 2020.

La grieta reina confirma su madurez narrativa y consolida una voz literaria personal, atenta a las fisuras de lo íntimo y a la complejidad de los vínculos afectivos.

Después de sus magníficos volúmenes de relatos, que llegaron a toda España a través de las distribuidoras más importantes del país y tuvieron muy buena acogida, La grieta reina supone un salto de calidad para una autora que no deja indiferente, que es capaz de entrar en el alma del lector, haciéndole sentir protagonista de sus historias.

¿De qué trata la novela La grieta reina?

La grieta reina es la historia de un descubrimiento en la infancia, una grieta que revelará a Yoli secretos inconfesables. Una búsqueda —de razones, de aceptación, de amor— en la que el mar aparece como una imagen recurrente, entre lo dicho y lo que permanece en silencio, como un final que se insinúa más que se anuncia.

Demostrando un profundo conocimiento de la psicología humana, Arantza Álava ha construido una novela conmovedora y poderosa. A través de una prosa ágil, descarnada y sin artificios, la autora nos ofrece un viaje vital del que no regresaremos ilesos.

La cubierta del libro es obra de Beatriz Deza Trujillo, fotógrafa fuenlabreña que vuelve a colaborar con Arantza después de Viento sin norte, su anterior trabajo.

Al igual que todas las obras de la autora, La grieta reina ha sido impresa en los talleres de La imprenta CG.

La grieta reina y el resto de bibliografía de Arantza Álava están disponibles en todas las librerías de España, físicas y virtuales. Si quieres un ejemplar dedicado o simplemente dejarle tus impresiones sobre el libro, puedes ponerte en contacto con la autora a través de Instagram.

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Exposición “El Prado multiplicado: la fotografía como memoria compartida”

Hasta el 5 de abril se podrá visitar en el Museo del Prado la exposición “El Prado multiplicado: la fotografía como memoria compartida” en la que, a través de más de 40 obras se puede recorrer visualmente la pinacoteca tal y como era hace siglos.

Sorprende la disposición apelotonada de las obras, el mobiliario, la calefacción y lo vacías que se ven las salas, incluso las que hoy en día baten récords de visitas.

Comisariada por Beatriz Sánchez Torija, la exposición cede el protagonismo total a la fotografía, destacando la importancia de este arte, tanto en los museos como en la sociedad.

Los fondos fotográficos del museo abarcan más de 10.000 obras, fundamentalmente imágenes de piezas de la colección. De forma aproximada, la documentación organizada de las piezas comenzó alrededor de 1860.

Se trata de copias realizadas a la albúmina, al carbón o a la gelatina, así como reproducciones fotomecánicas en formatos como tarjetas estereoscópicas o postales, con las que se puede observar la evolución de los procesos fotográficos. Como las técnicas e instrumentos de la época tenían muchas limitaciones, en ocasiones era necesario trasladar las obras para poder ser captadas con luz natural.

Con esas primigenias fotografías, comenzaron a circular imágenes del Prado entre los visitantes y coleccionistas. Fue a principios del siglo XX cuando se generalizó el uso de las tarjetas postales con imágenes, y ese auge permitió que las obras del museo viajaran por todo el mundo, aunque fuera en versión reducida.

Entre los pioneros de la fotografía en el Prado destacan profesionales y empresas como Juan Laurent, José Lacoste, Braun, Moreno, Anderson o Hanfstaengl. Todos ellos fueron fundamentales para la difusión de la imagen del museo y las obras que contiene, generando interés y expectación entre el público.

Una exposición en pequeño formato

La exposición “El Prado multiplicado: la fotografía como memoria compartida” tiene como objetivo resaltar el papel de esas fotografías como herramienta de difusión de los fondos del museo, al tiempo que reivindica su propio valor como obras de arte.

La muestra forma parte de Almacén abierto, un programa de pequeñas exposiciones celebradas en la sala 60, centrado en el siglo XIX, con piezas que no suelen estar expuestas y que indagan en diferentes perspectivas artísticas y técnicas.

Una ocasión perfecta para adentrarnos en los entresijos del Museo del Prado.

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Daniella Martí ilustra enero en nuestro calendario solidario

Daniella Martí estudió Artes Visuales en la Pontificia Universidad Javeriana de Cali y desarrolla su carrera profesional como ilustradora y viñetista. Además, es autora de varias publicaciones, como Así es la vida o al menos así la veo yo (Bruguera, Penguin Random House, 2019), Quiero pensar que no es demasiado tarde (Bruguera, Penguin Random House, 2021), El Presente (Bridge Books, 2022) o Conversaciones conmigo misma (TBR editorial, 2023).

Su trabajo se desenvuelve en el ámbito de la ilustración de prensa y publicitaria, con un marcado enfoque crítico.

Ha colaborado con distintas instituciones y empresas como Danone, Casa de América, Penguin Random House, Amnistía internacional, Acción contra el hambre y El País, entre otros.

Desde 2022 publica semanalmente en el suplemento Ideas en El País.

Entrevista a Daniella Martí

¿Cómo se despertó en ti la necesidad o el deseo de dibujar? ¿Cuál es tu primer recuerdo con un lápiz en la mano?

Dibujé en la infancia como todos los niños, y no paré de dibujar porque era algo que me gustaba mucho hacer. Entonces no recuerdo el momento en el que sentí la necesidad de dibujar o de haber cogido conscientemente un lápiz. Siento que es algo que siempre ha sido parte de mí.

¿Tienes algún rito especial, alguna manía, cuando te enfrentas a un proyecto creativo?

La verdad es que siento que no hago nada especial cuando tengo que trabajar, pero lo que suelo hacer es escribir ideas en el bloc de notas del móvil o en una libreta, y voy creando bocetos que luego dejo en “reposo” de un día para otro o varios días, y luego vuelvo a mirarlos o a leer esas ideas.

Me da perspectiva, me ayuda a enfocar mejor el proyecto, en lugar de sentarme una mañana dibujando sin parar. Entonces, trabajo en un mismo proyecto durante varios días, sin importar el tamaño del proyecto.

¿Cómo definirías tu estilo?

Constantemente estoy cuestionando mi forma de dibujar, porque siento que siempre está evolucionando. Lo que me ha caracterizado en mi carrera es el uso de un dibujo visualmente minimalista en la línea, en los detalles, la ausencia de fondos y color.

Me interesa mucho la ilustración editorial de prensa, y me resulta estimulante condensar ideas o conceptos en ilustraciones simples.

¿Qué técnica o material prefieres a la hora de trabajar?

Últimamente, estilógrafo y papel.

¿Por qué has elegido esta imagen para el Calendario Solidario de La Imprenta CG?

La elegí porque pensé que podría quedar bien en el calendario en un mes de frío, como ha pasado finalmente. Además, representa un momento de mi vida en el que necesité darle la vuelta a lo que ya venía haciendo en mi trabajo y explorar cosas nuevas. Me gusta que haya quedado en el mes de enero, porque de alguna manera, los inicios de año nos hacen cambiar la mentalidad, con la idea de que se trata de un nuevo comienzo.

¿Quiénes son tus referentes o influencias en literatura, música, etc.?

Mis influencias van cambiando con el tiempo. Pero siempre estoy pendiente de la cultura popular. Últimamente estoy leyendo más ensayos y libros de divulgación sobre sociología; también estoy constantemente leyendo sobre diseño y arquitectura.

Y de música, lo que más escucho últimamente es a Olivia Dean y a Raye. Creo que, al final, todo influye en lo que hacemos.

¿Nos recomiendas una peli y un libro?

Una película: La gran belleza, de Paolo Sorrentino.

Un libro: Un mundo feliz, de Aldous Huxley.

¿Crees que el trabajo de ilustradora está suficientemente reconocido? ¿Qué harías para mejorar la situación?

No creo que esté lo suficientemente reconocido, es un trabajo precario, como muchos otros trabajos creativos. En estos momentos, los avances de la IA suponen un problema para muchas creadoras. La regularización del uso de la IA es urgente.

Desde La Imprenta CG queremos agradecer a Daniella Martí su colaboración con nosotros en el calendario solidario 2026.

Como todos los años, los beneficios obtenidos de su venta están destinados íntegramente a la Fundación Ronald McDonald.

Esta institución cumple con una importante labor social, al proporcionar alojamiento gratuito a las familias cuyos hijos están hospitalizados en València, facilitando su vida y ofreciendo un entorno amable en tan dura situación.

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Libros infantiles recomendados para regalar en Reyes 2026

Diario de Greg. 20. Aguafiestas, de Jeff Kinney. Penguin Books.

Con más de 300 millones de libros vendidos, las aventuras de Greg llegan a su entrega número 20 en plena forma. Un clásico de la literatura infantil que ha aficionado a la lectura a niños en todo el mundo.
En esta ocasión, el pringao más total se encarga de organizar una fiesta de cumpleaños para sí mismo… ¿Qué puede salir mal?

Caperucita en Manhattan, de Carmen Martín Gaite.  Siruela.

Con motivo del centenario del nacimiento de la gran Carmen Martín Gaite, se ha reeditado su obra Caperucita en Manhattan, un libro perfecto para niños a partir de 10 años.

La maestría de la escritora salmantina brilla en todo su esplendor en esta adaptación del cuento infantil de Caperucita, que transmite como ninguna el vértigo del paso a la vida adulta.

Los duendecillos, de Camille Romanetto. Errata Naturae.

Una auténtica preciosidad de libro, apto para los más chiquitines de la casa. Una historia llenar de ternura, ilustrada de manera magistral, que invita a lectores de todas las edades a compartir la magia de los cuentos.

Las ilustraciones, realizadas íntegramente a plumilla y acuarela, tienen el sabor de los clásicos. Perfecta para leer en voz alta, con sofá y mantita.

Harold y el lápiz morado, de Crockett Johnson. Editorial Wonder Ponder.

La editorial Wonder Ponder recupera para su colección Libros para rumiar el clásico de 1955, Harold y el lápiz morado. Su autor, Crockett Johnson es también el creador de Ellen y el león.

Un libro ideal para leer a niños a partir de 3 años, y que es una estupenda lectura para los niños que acaban de aprender a leer.

La muy catastrófica visita al zoo, de Joël Dicker. Alfaguara.

El multilaureado autor y éxito de ventas Joël Dicker se ha lanzado a la aventura de crear un libro que atrape sin piedad a lectores de 7 a 120 años.

Ambientada en los días previos a Navidad, la historia de una desastrosa visita escolar al zoo se convierte en una novela divertidísima y emocionante, para leer en familia y recuperar el placer de la lectura. ¡Perfecta para las vacaciones navideñas!

Esperamos que os gusten nuestros libros recomendados para pequeños grandes lectores, ¡seguro que son un éxito!

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Sorolla. Obras maestras del Museo Sorolla, en la Fundación Bancaja

La Fundación Bancaja expone, hasta febrero del año que viene, algunas de las obras más importantes del Museo Sorolla de Madrid. Esta muestra, producida en conjunto por el Ministerio de Cultura, el Museo Sorolla y la Fundación Museo Sorolla, reúne en Valencia una selección de las obras maestras del artista, de forma totalmente excepcional.

¿Cómo ha sido posible esta exposición? Hay ocasiones en las que las circunstancias acompañan y, en este caso, el cierre temporal del Museo Sorolla de Madrid para su ampliación y rehabilitación ha permitido organizar esta muestra, que reúne en la ciudad natal del artista una selección de grandes pinturas, que rara vez pueden prestarse juntas para una exposición.

Sorolla. Obras maestras del Museo Sorolla está integrada por casi 60 piezas, que han viajado desde Madrid a Valencia para un proyecto expositivo que recorre la trayectoria del pintor a través de algunas de sus creaciones más destacadas, como Paseo a la orilla del mar, El baño del caballo o La siesta, entre otras.

La colección del Museo Sorolla, la más importante del mundo

La colección de pintura del Museo Sorolla se compone de aproximadamente 1400 obras, y está considerada la más importante del mundo, por cantidad, calidad y la variedad de géneros representados.

La mayoría de las obras de esta muestra se exponen en la Fundación Bancaja por primera vez. Además, también se puede contemplar el lienzo perteneciente a la colección de la Fundación ¡Triste herencia!, con el que Sorolla ganó el Grand Prix en la Exposición Universal de 1900 en París y que supuso su consagración internacional.

El recorrido de Sorolla. Obras maestras del Museo Sorolla sigue un orden cronológico. Comienza con los primeros años de formación del pintor en Valencia e Italia, en los que el joven Sorolla empieza a demostrar su descomunal talento.

Después llegamos a su madurez artística en Madrid, con la obtención de reconocimientos nacionales e internacionales. Allí explota su maestría en el género del retrato con piezas de ámbito familiar; la temática del mar, tan relevante en su producción artística; su intimista pintura de jardines; su crónica plástica de la España de su tiempo; y, para finalizar, su estancia en la Cala de San Vicente en Mallorca, en el que fue su último viaje para pintar el mar que tanto amó antes de su muerte.

Sin duda, la exposición de la Fundación Bancaja es una ocasión única para disfrutar en Valencia de algunas de las obras más importantes de Joaquín Sorolla.

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Para Landor un buen diseño es aquel consigue satisfacer el ego del diseñador, que genera una respuesta positiva en la mente, los ojos y los corazones del gran público y que es adecuado para el producto o empresa que quiere promocionar.

Algo bastante difícil de conseguir, casi tanto como tener una carrera de éxito en el mundo del diseño.

En 1985, Walter Landor fue el encargado de pronunciar el discurso de graduación en el ArtCenter College of Design de California. Allí, además de recibir un título honorífico, compartió sus cinco secretos para una exitosa carrera de diseño.

Si quieres conocerlos, sigue leyendo…

Los cinco secretos de Walter Landor para una exitosa carrera en el diseño

Primero: Entrena la mirada y observa todo con ojo crítico. Nunca hay que dar nada por sentado. No permitas que la rutina y la familiaridad adormezcan tu visión.

Vive cada día observando todo tu entorno: cada producto, cada envase, cada diseño gráfico, cada fotografía, cada mueble, hasta la tapa de la alcantarilla, a diario.

Después, siéntate y disfrútalo. Y luego piensa en cómo podrías mejorarlo. Es un ejercicio maravilloso que mantendrá tus habilidades creativas bien afinadas y frescas.

Segundo: Aquí viene uno difícil: Aprende a escuchar.

Cuando comenzamos una conversación, lo habitual es llegar con ideas preconcebidas, convicciones casi inquebrantables.

Es muy fácil ignorar el punto de vista del otro, descartarlo como irrelevante antes de haberlo escuchado realmente.

Una buena manera de mejorar en este ámbito es posponer el intercambio de ideas hasta que te encuentres realmente receptivo al punto de vista del otro. Y después, comienza a cuestionarlo.

Esto es sumamente útil para hacer frente a las críticas de diseño y, especialmente, en las reuniones con clientes.

Tercero: Aprende a expresarte con claridad, entrena un lenguaje articulado.
Muchas veces los diseñadores creen que su trabajo gráfico habla por sí mismo, pero esto no es siempre suficiente.

El mundo de los negocios es verbal, hay que superar la timidez y explicar lo que estás presentando con claridad.

Expresarse de forma convincente es el primer paso para, si no vencer, al menos ocultar las inseguridades que todos tenemos.

Cuarto: Confía en tu intuición. Esto no quiere decir que debas utilizar la primera solución de diseño que se te ocurra.

Al trabajar en grupos de diseño o en agencias, se exige asistir a sesiones informativas, estudiar abundantes informes de investigación de mercado, leer declaraciones de objetivos de diseño y analizar a la competencia del cliente.

Quizás te preguntes: «¿Cuándo me toca diseñar? ¿Tanto pensamiento con el hemisferio izquierdo del cerebro, para diseñar con el hemisferio derecho? Algo falla».

No. No falla nada. Bienvenido al mundo del diseño estratégico. Quizás quieras desarrollar lo que yo llamo una «volea de hemisferio derecho-hemisferio izquierdo». Aprende el ritmo del juego. Y luego, confía en tu intuición. Termina el set con un saque contundente con el hemisferio derecho del cerebro.

Quinto: Y, por último, pero no menos importante: desarrolla un tercer ojo.

Ese es el ojo que observará cualquier cosa que diseñes como si fuera otra persona la que estuviera mirando. Si ves las cosas como el autor de ellas, eres parte implicada y no puedes ser imparcial. Eres una parte prejuiciosa, y aportas a esa mirada conjuntos de asociaciones propias que no necesariamente existen en el diseño cuando lo perciben otros.

Míralo con tu tercer ojo, como si fueras una persona común y corriente que acaba de verlo por primera vez. Cuando domines esto, serás un excelente comunicador de diseño.

Y estos son los cinco secretos de Walter Landor para una exitosa carrera en el diseño, ¿empezamos a practicarlos?

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Un viaje por la Naturaleza a través de El libro de Yin

En El Libro de Yin (2022), Ana Moves propone un inspirador viaje por la Naturaleza, a través del bosque, la montaña y el mar, con el fin de profundizar en el término chino Yin, que se refiere al principio pasivo del Universo, caracterizado como femenino y asociado a la tierra, lo frío y lo oscuro.

En El Libro de Yin se asocia el bosque de hoja caduca de otoño e invierno (considerados la época más yin del año) con la práctica física de Yin Yoga; la montaña invernal se identifica con la meditación (la práctica espiritual de la quietud, lo yin); y el agua y el mar, el elemento considerado más yin de todos, nos invita a trabajar de forma consciente con la respiración —uno de los pilares del yoga, junto con las asanas o posturas físicas y la meditación—.

El Libro de Yin está ilustrado con fotografías evocadoras y poéticas, así como con imágenes de estudio de todas las posturas de Yin Yoga y láminas comparativas a toda página de la red completa de meridianos de la Medicina Tradicional China.

El libro profundiza en cómo nuestra salud se ve beneficiada al trabajar intencionadamente con el cuerpo, la mente y la respiración. El Libro de Yin es un recurso interesante para estudiantes y profesores de Yoga, así como para terapeutas que trabajen desde la perspectiva psicosomática.

Ana Moves, experta en yoga y medicina tradicional china

El libro está maquetado por Marcos Muslera y los textos y la idea original de El Libro de Yin son obra de Ana Moves. Las evocadoras fotografías son obra de Kela Coto y las ilustraciones y láminas están realizadas por Blanca Domingo.

Ana Moves, está licenciada en Artes Escénicas-Danza Contemporánea con matrícula de honor y es profesora de yoga y meditación desde hace más de 20 años. Desde hace una década, también es acupuntora y terapeuta de sonido.

Ana ha escrito tres libros, El Libro de Yin (2022), El Tao del Yoga (2023) y Los 5 Tonos Sanadores Taoístas, que también hemos impreso en La Imprenta CG.

Si estás interesado en hacer con un ejemplar, puedes hacerlo en el siguiente enlace.

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Esta ha sido una experiencia muy emotiva y especial para todos, ya que han podido comprobar en persona la magnífica tarea que realizan todos los profesionales y voluntarios implicados en la Fundación Infantil Ronald McDonald.

¿Qué es la Casa Ronald McDonald Valencia?

La Casa Ronald McDonald de Valencia forma parte de la Fundación Infantil Ronald McDonald, y abrió sus puertas en 2013 para ofrecer alojamiento gratuito a las familias que deben desplazarse hasta Valencia para estar junto a sus hijos, durante su ingreso en el Hospital La Fe.

La Casa Ronald tiene más de 1.500 metros cuadrados y consta de tres plantas. En la planta baja se encuentran cuatro cocinas totalmente equipadas, con una nevera para cada familia, dos salas de estar, un comedor, una sala de juegos, una zona de manualidades y una completa biblioteca. Aquí también se sitúan la zona de recepción y oficinas, el almacén y el vestíbulo.

En las dos siguientes plantas se ubican las 16 habitaciones familiares. Todas cuentan con baño propio, terraza y una pequeña zona de estar. Además, disponen de comodidades como aire acondicionado y calefacción por suelo radiante, televisión y teléfono.

En el exterior hay un aparcamiento, una zona de juegos e incluso un huerto.

La decoración y los materiales elegidos tienen por objetivo lograr que las familias encuentren en esta casa un hogar fuera del hogar, un ambiente agradable y acogedor; que haga más fácil su situación durante el ingreso de sus hijos.

Los beneficios de nuestro calendario solidario están destinados a esta fundación, y puedes comprarlo en nuestra tienda online. ¡Colabora con una buena causa y hazte con uno!

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Simone Fattal y la suspensión de la incredulidad

El IVAM muestra hasta el próximo junio la exposición ‘Suspensión de la incredulidad’, que recorre a través de 85 obras la trayectoria de Simone Fattal, desde 1999 hasta 2023: escultura, dibujo, trabajo editorial… Todo suma para crear un espacio multicultural y multidimensional.

Simone Fattal es una artista franco-libanesa, nacida en 1942 en Damasco y criada en El Líbano. Estudió filosofía en París y comenzó su carrera artística en la década de los 70 en Beirut, hasta la guerra civil. Debido a la contienda, abandonó Líbano y se mudó a California, donde continuó su trabajo. Esa condición de migrante se plasma en su obra, dotándola de una temporalidad y espacialidad flexible, «que mira el pasado, presente y futuro al mismo tiempo», según Sonia Martínez, directora del IVAM.

La exposición está comisariada por Rafael Barber Cortell y Nuria Enguita. Para Sonia Martínez, el trabajo de Fattal está vinculado primordialmente con la escultura de barro, «un material considerado menor, cercano a la artesanía, como podría ser también el textil, que se reivindica ahora y visibiliza junto a otros materiales considerados como nobles».

La suspensión de la incredulidad que da título a la exposición es un concepto popularizado por Samuel Taylor Coleridge y, para Rafael Barber Cortell, está ligado a la capacidad del lector para aceptar sin cuestionamientos elementos poco realistas dentro de una obra de ficción. Para Simone Fattal, más allá de la temática, la incredulidad significa una mirada más en profundidad a través del asombro.

En su primera exposición individual en España, Simone Fattal, se apropia del concepto de Coleridge para invitar a los visitantes a abandonar sus certezas. El trabajo de la artista se alimenta de la mitología de diversas civilizaciones, desde Egipto, pasando por el misticismo suní o el clasicismo grecorromano.

La literatura es otra de las fuentes de inspiración para Fattal, que afirma: «Soy muy literaria, mi obra guarda relación con la literatura: motivos, argumentos, ideas… Es una obra muy íntima, propia, muy individual, viene de mi corriente, de mi pensamiento. Si estoy pensando en un Ulises, creo un Ulises, es un diálogo interior».

Una exposición con obra editorial, cerámica y dibujo

Los guiños a la antigüedad son una constante en la producción artística de Fattal, que crea sus esculturas como una forma de preservar la memoria de la civilización.

Para la artista, «el arte sirve para que la gente no se olvide de las cosas, para recordar. Los museos han reemplazado a las iglesias, se va a ellos para ver lo que está ocurriendo en la sociedad».

La muestra se inicia con la faceta editorial de la artista, desarrollada a través de su proyecto Post-Apollo Press, y continúa con más de 80 esculturas cerámicas.

Esta parte del recorrido expositivo, diseñado por Sina Sohrab, no sigue un orden cronológico, sino que construye una narración que guía al visitante.

La exposición finaliza con los dibujos de Fattal, con diez obras de gran formato. Para Barber, los dibujos de la artista son como «un texto sin letras ni puntuación, compuesto solo de gestos, goteos y relaciones entre la tinta, el agua, el papel y la mano de la artista. Las manchas y salpicaduras se convierten en fragmentos de un lenguaje visual que, una vez más, invita al espectador a descubrir significados ocultos y a formar su propio relato».

La muestra, una de las más importantes de la temporada expositiva, se puede visitar en el IVAM hasta el 1 de junio de este año.

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Villalba es licenciado en Bellas Artes por la Universitat Politècnica de València y Master en Diseño e Ilustración por la misma universidad.

A lo largo de su carrera ha colaborado con publicaciones como VICE España, Retina (EL PAÍS) y Principia Magazine. Desde hace varios años es el responsable de la cartelería del pequeño festival de música Sant Antoni Pop Festival, que se celebra en Betxí.

En 2022 se publica su primer cómic, «Lo que más miedo te dé», una historia sobre la ansiedad escrita por Ángel Abellán y editada por GP Ediciones.

Además de su trabajo como ilustrador, desde 2011 toca la guitarra en el conjunto “rocanrolero” Ukelele Zombies, un clásico de la escena “garage” valenciana.

Entrevista a Luis Armand Villalba

¿Cómo se despertó en ti la necesidad o el deseo de dibujar? ¿Cuál es tu primer recuerdo con un lápiz en la mano?

Lo cierto es que no tengo ningún recuerdo de mi infancia en el que surgiera de repente la necesidad de dibujar. Yo diría que las personas que nos dedicamos a esto de dibujar o ilustrar somos las que ya dibujábamos de niños y nunca dejamos de hacerlo al crecer.

¿Tienes algún rito especial, alguna manía, cuando te enfrentas a un proyecto creativo?

¡Uy! Ojalá lo tuviera. Siempre sufro muchísimo a la hora de empezar un proyecto. La fase inicial, la de darle al coco, siempre es la que más me cuesta.

¿Cómo definirías tu estilo?

Creo que como le pasa al 95% de ilustradores o dibujantes, me gusta pensar que mi estilo es “divertido”. Al menos esa es la palabra con la que me gusta que lo definan otras personas. No lo sé, ¡SOCORRO!

¿Qué técnica o material prefieres a la hora de trabajar?

Hace muchos años que estoy empadronado en esa cómoda localidad llamada “TINTA SOBRE PAPEL CON COLOR APLICADO DIGITALMENTE”. En Bellas Artes hay muchos profesores que te dicen: «¡SAL DE TU ZONA DE CONFORT! ¡NO TENGAS MIEDO DEL ERROR!». Pero, vamos a ver, si es mi zona de confort… será por algo, ¿no?

¿Qué es lo que más te gusta dibujar o crear?

Por alguna razón, muchas veces me veo dibujando animales que llevan gafas de sol y que fuman. Me encantaría decir que es broma esto último, pero no puedo.

¿Por qué has elegido esta imagen para el Calendario Solidario de La Imprenta CG?

Entre mis clientes habituales están los organizadores del Sant Antoni Pop Festival de Betxí, una peña muy maja que todos los años organiza este pequeño festival con bandas de rock&roll muy buenas y paellas muy grandes.

Desde hace ya unos años hago la cartelería del festival y tengo total libertad para dibujar lo que quiera, siempre y cuando aparezca de alguna forma el patrón del pueblo que es San Antonio Abad. Quedé contento con el cartel de la edición pasada, así que seleccioné un fragmento para el calendario.

¿Quiénes son tus referentes o influencias en literatura, música, etc.?

Los referentes a veces son como unas lentejas que no te acabas, pero yo creo que a estas preguntas es importante responder con una ristra de nombres de profesionales patrios: Mik Baro, Miguel Ángel Giner, Cristina Durán, Luis Demano, Guillermo Lizarán, César Sebastián, Cristina Daura, Genie Espinosa, Riki Blanco… ¡Mañana diría otros nombres pero hoy digo estos! 

¿Nos recomiendas una peli y un libro?

Voy a hacer trampa, recomendaré una peli… y un cómic.

Peli: Robocop (Paul Verhoeven, 1987)

Libro: Lo que más miedo te dé (Ángel Abellán y Luis Armand Villalba, 2022)

¿Crees que el trabajo de ilustrador está suficientemente reconocido?

Personalmente pienso que no. Desgraciadamente, los ilustradores estamos a merced de quien precise de nuestros servicios y mi lista de clientes es muy reducida.

Los pocos que tengo son estupendos, eso sí. Pero ahora mismo exhausta ver la cantidad de instituciones y publicaciones que se apuntan al nuevo juguete de moda (las IAs generadoras de imágenes) para ahorrarse unos cuartos.

¿Qué harías para mejorar la situación?

Eliminaría la cuota fija de autónomos y la sustituiría por una que dependiera de un porcentaje de nuestros ingresos.

Prohibiría el uso comercial de imágenes realizadas con IAs generativas o bien haría a los usuarios de estas pagar derechos de autor a los artífices de las imágenes con las que las alimentan.

¿Qué consejo te hubiera gustado recibir cuando empezaste?

Que saber captar clientes es casi tan importante (a veces incluso MÁS IMPORTANTE) que saber dibujar. ¡Directores de arte y editores del mundo, ENCONTRADME!

Muchísimas gracias a Luis Armand Villalba por colaborar con nosotros en nuestro calendario solidario. Ha sido todo un placer contar con él para ilustrar un proyecto tan especial para el equipo de La Imprenta CG.

Podéis haceros con un ejemplar del calendario solidario de La Imprenta CG en nuestra tienda online o en la Librería Bangarangde València. Como sabéis, los beneficios íntegros de su venta están destinados a la Fundación Ronald McDonald de València.

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«Papua Tribes»: un fotolibro sobre la riqueza cultural de Papúa Nueva Guinea

Imprimir un fotolibro siempre es especial para el equipo de La Imprenta CG, ya que la calidad en la impresión se hace más necesaria en este tipo de trabajos, en los que la definición y el color son sumamente importantes.

Por eso nos encanta cómo ha quedado el fotolibro «Papua Tribes», de Raúl Cacho, en el que sus imágenes brillan con luz propia, dando protagonismo a la luz, las sombras, las composiciones y los colores captados por el fotógrafo.

El libro «Papua Tribes» es una colección de fotografías que sumergen al lector en la vida de Papúa Nueva Guinea, un país en el que actualmente viven más de 1.000 tribus conocidas.

Esa riqueza cultural y antropológica pervive en parte por el trabajo de difusión cultural y los festivales que se realizan desde hace 25 años. Gracias a esta labor las diferentes tribus han comenzado a vivir en paz entre ellas, abandonando las luchas territoriales que las diezmaron hasta hace pocas décadas.

En su fotolibro «Papua Tribes», Raúl Cacho realiza un trabajo excepcional de fotografía etnográfica, destacando la riqueza y la diversidad cultural de las diferentes tribus.

Raúl Cacho, el fotógrafo viajero

Raúl Cacho es un fotógrafo pamplonés de amplia trayectoria. Comenzó a los 22 años, compaginando su amor por la fotografía con su trabajo en proyectos de Energías Renovables.

Los viajes profesionales de Chacho le han brindado la oportunidad de residir en diferentes países, en los que se ha empapado de la cultura local y ha realizado diversos trabajos fotográficos, más allá de la clásica fotografía de viajes.

En 2021, tras tres años viviendo en Tánger, publicó su primer fotolibro, «Marruecos: luces, zoco y acción» y ahora se publica su segundo libro de fotografía, dedicado a Papúa Guinea.

Cacho centra su fotografía tanto en el retrato íntimo e individual, como en la energía vibrante de las tradiciones más bulliciosas, pero siempre encuentra el poder y la belleza de las personas y su entorno.

A través de sus imágenes, Raúl Cacho nos recuerda que hay que apreciar el mundo en el que vivimos y jamás dejar de explorar, aprender y crecer.

Si quieres comprar un ejemplar de este increíble fotolibro, puedes hacerlo a hacerlo contactando directamente con el autor, a través de su Instagram o Facebook.

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En el marco del desarrollo tecnológico y la evolución hacia la era digital, La Imprenta CG ha dado un paso significativo en 2023. Gracias al apoyo del Instituto Valenciano de Competitividad Empresarial (IVACE), acogido al Programa DIGITALIZA-CV – Subvenciones para Proyectos de Digitalización de PYME 2023, hemos podido realizar inversiones clave en nuevas tecnologías. Este programa, financiado con fondos FEDER e IVACE, ha sido un pilar en nuestra estrategia de digitalización.

Con una subvención que alcanza los 6.330,00 €, hemos encaminado nuestros esfuerzos hacia la creación de una plataforma web interactiva y optimizada para el comercio electrónico. Este proyecto no solo implica una renovación de nuestra presencia en línea, sino que también representa un avance significativo en la integración de nuestras aplicaciones y sistemas existentes, mejorando así la eficiencia operativa y la experiencia del cliente.

Este salto hacia la digitalización no es solo un cambio en nuestra infraestructura tecnológica; es una reafirmación de nuestro compromiso con la innovación y la adaptación a las nuevas demandas del mercado. Al invertir en tecnologías avanzadas y mejorar nuestra plataforma de comercio electrónico, estamos no solo expandiendo nuestro alcance, sino también fortaleciendo nuestra capacidad para ofrecer productos y servicios de calidad superior.

En La Imprenta CG, estamos emocionados por este nuevo capítulo y confiados en que estas mejoras nos permitirán ofrecer una experiencia más satisfactoria y eficiente a nuestros clientes. Continuaremos trabajando arduamente para estar a la vanguardia de la industria de la impresión, adaptándonos constantemente a las nuevas tendencias y necesidades del mercado.»

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Al igual que en anteriores ediciones, la totalidad de los beneficios está destinada a la Fundación Casa Ronald McDonald de Valencia y cuenta con la colaboración de doce creadores que con sus ilustraciones hacen de este calendario una pieza única.

Prototipo del calendario solidario 2024.

Un calendario solidario y lleno de arte

Para seleccionar a los artistas que colaboran con nosotros en la creación de este calendario solidario, hemos contado con  Cristina Chumillas y Armand Llàcer, que se han encargado de la selección y la coordinación del proyecto.

Estos son los doce artistas que han llenado de arte nuestro calendario 2024:

Enero: Luis Armand Villalba, con su obra Sant Antoni Abad, 2022. Técnica: Ilustración digital

Febrero: Àlex Arizmendi, con su obra Vista de Ciutat Vella des dels Serrans, 2019. Técnica: Acuarela y plumilla.

Marzo: don Rogelio J, con su obra Marzo, 2021. Técnica: Tinta china y digital.

Abril: Alejandra de la Torre Morejón de Girón, con su obra Game and Watch, 2020. Técnica: Collage, acuarela, lápiz y rotulador sobre papel

Mayo: Ada Sinache, con su obra Plaza Negrito de noche, 2023. Técnica mixta, analógica y digital

Junio: La nena wapa, con su obra Sin título, 2023. Técnica: Imagen digital.

Julio: Andy López, con su obra Verano 23, 2023. Técnica digital.

Agosto: Adrián Bago, con su ilustración del cartel para Fotograma Rojo. Jornadas de Cine de Terror de Alicante, 2022. Técnica: Gouache sobre papel.

Septiembre: Julia Cejas, con su obra 1996: Pellas, Pipas y Brisca, 2021. Técnica: Tinta y técnica digital.

Octubre: Ana Fernández, con su obra Amor incondicional, 2022. Técnica ilustración digital.

Noviembre: Rosa Deltoro, con su obra EGO, 2023. Técnica: Grafito, tinta, acuarela y técnica digital.

Diciembre: Ana Collado, con su obra Grandes esperanzas, 2022. Técnica: Grafito y acuarela.

Forma y fondo, un calendario solidario

El calendario de La Imprenta CG no solo da difusión a artistas de diferentes estilos y trayectorias, sino que también tiene un espíritu puramente solidario, ya que la totalidad de los beneficios se dirige a la Fundación Casa Ronald McDonald de Valencia.

Prototipo del calendario solidario 2024.

La actividad principal de la fundación es ofrecer alojamiento gratuito a las familias que se tienen que desplazar a Valencia para que su hijo reciba un tratamiento médico. Desde desde su apertura en 2013, han dado alojamiento a más de 1.500 familias en unas instalaciones que por su diseño, materiales, formas y colores, ofrecen un ambiente confortable, bonito y acogedor; muy alejado de la frialdad hospitalaria.

Esperamos que este calendario solidario 2024 os guste tanto como a nosotros, os recordamos que podéis haceros con un ejemplar en nuestra web o en la  librería Bangarang de València, donde realizamos la presentación del calendario. Aquí tenéis algunas imágenes del ambiente en la librería, con los ilustradores, el equipo de La Imprenta CG, amigos y curiosos que se acercaron a conocer el proyecto.

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28 de octubre, Día de la Imprenta en el Museo

El Museo de la Imprenta de El Puig calienta motores para celebrar la tercera edición del Día de la Imprenta, un evento que está organizado por el Ayuntamiento, La Marina, Cultura i Educació del Puig de Santa Maria, la Asociación de Amigos del Museo de la Imprenta y el propio museo.

Como curiosidad, los visitantes podrán admirar dos piezas excepcionales. La primera es el libro más pequeño del mundo, un ejemplar de tan solo 5 milímetros. Este libro está encuadernado en piel negra con una cruz dorada en la portada y se presenta en una caja pequeña con una lupa.

En contraposición, se podrá observar también la revista más grande del mundo, con una superficie impresionante de 8,45 metros cuadrados. Esta revista, editada por PressGraph MediaGroup, fue donada al Museo de la Imprenta y las Artes Gráficas en el año 2020.

Durante la mañana del sábado, hasta las 13 horas, se pondrá en funcionamiento la réplica de la imprenta de Gutenberg del museo y se imprimirán reproducciones del grabado que ilustra el cartel de esta tercera edición, creado por la artista Carmen García Gordillo.

De este modo, se hará una demostración de su funcionamiento y se obsequiará a los asistentes con una de las reproducciones.

A las 11 horas comenzarán los actos para conmemorar el III Día de la Imprenta, con la inauguración del evento a cargo del alcalde del Puig, Vicent Porta i Carreres, y Aránzazu Guerola Inza, presidenta de la Asociación Senado del Museo de la Imprenta.

A las 11:30 se hará entrega de los premios de la segunda edición del concurso escolar de dibujo Senado del Museo de la Imprenta. Los dibujos serán expuestos en diciembre en el Centro Cultural La Marina, durante la celebración del Festival Literario Gutenberg.

Después se hará un recorrido especial guiado por varias salas del museo: En la Sala Gutenberg se podrá disfrutar de la vitrina con ejemplares de impresores valencianos de los siglos XVIII y XIX, cedidos por el Ateneo Mercantil de Valencia.

En la Sala de Tipografía, los visitantes podrán ver en funcionamiento la máquina Heidelberg de aspas, para celebrar sus 100 años.

Además, se instalará un expositor junto al facsímil de «Les Trobes en lahors a la Verge María», con folletos y un panel informativo para dar a conocer la Biblioteca Histórica de la Universitat de València, que alberga el único ejemplar conocido de «Les Trobes», la primera obra literaria impresa en España, concretamente en València en 1474.

El recorrido finalizará en la Sala de Prensa y cartelería, en la que se explicará la reciente adquisición de una selección de libros de la editorial Prometeo.

Prensa de Gutenberg, del Museo de la Imprenta del Puig.

¿Por qué el 28 de octubre se celebra el Día de la Imprenta?

El 28 de octubre es el día elegido para celebrar el Día de la Imprenta por ser la fecha en la que el invento de Gutenberg salió de Alemania. En realidad, se recuerda el asalto a la ciudad de Maguncia por las tropas de Adolfo II de Nassau, el 28 de octubre de 1462.

En la ciudad de Maguncia, la imprenta de Gutenberg llevaba en funcionamiento desde hacía diez años y el oficio de impresor se había generalizado entre sus habitantes. Con el asalto, comenzó una diáspora que repartió a estos impresores por toda Europa, llevando el invento de Gutenberg por toda Alemania, Italia, Francia y, por supuesto, España.

Asalto de Maguncia y destrucción de la imprenta de Peter Schoffers.

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Nuestro repaso por algunas de las figuras más influyentes del mundo del cómic nos lleva hoy a Frank Miller, autor de Sin City, 300 o Batman: The Dark Knight Returns, entre otras destacadas obras.

Frank Miller, como un personaje de Sin City.

Frank Miller, un artista entre el manga y el cine negro

Frank Miller es un escritor y dibujante de cómics, nacido en 1957 en Estados Unidos, cuyo estilo destaca por una marcada influencia del cine negro de los años 40 y el manga japonés.

Desde muy pequeño, Miller tuvo auténtica pasión por los cómics y pronto comenzó a trabajar en el sector, primero con pequeños encargos no firmados como guionista y dibujante y más tarde como dibujante habitual de relleno y portada en Marvel.

En Marvel, cuando Gene Colan dejó el personaje de Daredevil, Miller vio su potencial y, pese a las pocas ventas que arrastraba, peleó por convertirse en su dibujante.

En 1979 comenzó a dibujar a Daredevil, un superhéroe ciego que investigaba crímenes. Su debut, con guion de Roger McKenzie, consiguió críticas estupendas, pero no terminó de arrancar en ventas.

Frank Miller estuvo tentado de abandonar Daredevil, ya que no le gustaban los guiones que recibía de McKenzie. Más tarde, Miller se hizo cargo de los guiones y Daredevil comenzó a aumentar las ventas de una manera tan espectacular que tuvieron que aumentar su periodicidad.

En Daredevil, Frank Miller creo a Elektra, una ninja mercenaria que se convirtió también en un personaje muy popular de Marvel, protagonista de sus propias historias e incluso de una película en 2005.

Frank Miller imprimió su estilo a Daredevil, con temas e historias más oscuras, pero que contaron con el beneplácito del público y la crítica, convirtiendo a un personaje menor en uno de los más populares de Marvel.

En 1983, Miller dejó Daredevil y trabajó en varias historias sueltas de diferentes personajes, como Spider-Man, Doctor Strange o Lobezno.

Posteriormente, Frank Miller se alió con Steve Gerber para renovar a la Santísima Trinidad de DC: Superman, Batman y Wonder Woman. La propuesta no fue aceptada, pero en 1986, DC Comics sí contó con Miller como escritor y dibujante para lanzar The Dark Knight Returns.

La miniserie del Caballero Oscuro se imprimió en un formato de lujo, con papel de buen gramaje, en lugar del habitual de “periódico” y con encuadernación con tapas de cartulina, en vez de papel satinado.

Miller creo un Batman muy diferente al personaje habitual, más duro y valiente, más taciturno y atormentado.

The Dark Knight Returns se publicó el mismo año que Watchmen de Alan Moore y Dave Gibbons, formando parte de la oleada de oscuridad que se abatió sobre el mundo del cómic a finales de los 80, con unas narraciones más adultas y una violencia más descarnada.

Después del éxito de Batman, Miller volvió a Daredevil, donde revitalizó al personaje tal y como había hecho con el Caballero Oscuro. También creó una miniserie de ocho números de Elektra. Ambas historias consiguieron el aplauso de la crítica, pero no tuvieron la repercusión masiva de su Batman, al que regresó con Batman: Año Uno, sobre los orígenes del personaje y que continúa siendo uno de los libros más vendidos de DC.

Durante este periodo, Miller ilustró las portadas de las ediciones en inglés de El lobo solitario y su cachorro, de Kazuo Koike y Goseki Kojima, ayudando a popularizar el manga japonés entre la audiencia occidental.

Además, Miller rompió con DC Comics, cuando la editorial propuso un sistema de clasificación para los cómics, similar al de las películas. Miller consideraba esta propuesta como censura, comenzó a trabajar con la editorial independiente Dark Horse Comics y se convirtió en un férreo defensor de los derechos de los creadores y contra la censura en los cómics.

Las Termópilas y el pecado

En esta nueva etapa, Frank Miller alternó trabajos en el mundo del cómic con incursiones como guionista en películas como Robocop 2 y 3. En 1991, empezó a trabajar en la primera historia de Sin City, que se convirtió en otro éxito de ventas y crítica para el dibujante y escritor.

Ambientada en un mundo violento, muy influenciada por el cine negro y su iluminación llena de claroscuros, Sin City es ya un clásico del cómic. Al respecto, Miller afirmaba en una entrevista: «Cuando comencé Sin City me di cuenta de que los cómics estadounidenses e ingleses eran demasiado recargados, demasiado estreñidos y los cómics japoneses demasiado vacíos. Así que intenté hacer un híbrido».

En 1998, Miller lanzó 300, una miniserie de cómics en la que narraba la Batalla de las Termópilas desde la perspectiva del rey Leónidas de Esparta. Su estilo visual y lo insólito del tema, hicieron de 300 todo un fenómeno.

Para Miller, el ataque del 11 de septiembre a las Torres Gemelas, supone un antes y un después. Vuelve a DC y a Batman y colabora con Robert Rodríguez en la adaptación al cine de Sin City. El éxito de la película, atrae la atención de Hollywood sobre Frank Miller y 300 también se lleva a la gran pantalla, dirigida por Zack Snyder.

Es en esta época cuando sus comentarios sobre Al-Qaeda o el movimiento Occupy Wall Street sitúan a Frank Miller en el ojo del huracán.

Para su amigo Alan Moore, el trabajo de Miller desde Sin City es homofóbico y misógino, a pesar de elogiar sus primeros Batman y Daredevil. En respuesta a las afirmaciones de que sus cómics son conservadores, Miller afirma: «No soy conservador. Soy libertario».

A pesar de sus polémicas declaraciones, durante los siguientes 20 años, Frank Miller siguió siendo uno de los artistas del cómic más vendidos y leídos. En 2015, fue incluido en el Salón de la Fama de los Premios Eisner.

En 2022, Miller anunció que iba a lanzar una editorial de cómics llamada Frank Miller Presents, o FMP, en la que será presidente y editor en jefe y que editará entre dos y cuatro títulos por año. Las contribuciones iniciales de Miller incluirán Sin City 1858 y Ronin Book Two.

Frank Miller, gracias a su estilo visual y su fuerza narrativa, se ha convertido en una leyenda del cómic, que aún tiene mucho que ofrecer al público.

Otras entradas en nuestro blog sobre autores de cómics son:

Historia del cómic: Alan Moore, el mago de las historias

Historia del cómic: Marjane Satrapi, la vida más allá de Persépolis.

Historia del cómic: Art Spiegelman, Maus y el underground.

Historia del cómic: Will Eisner, padre de la novela gráfica.

Historia del cómic: Hergé, creador de Las aventuras de Tintín.

Historia del cómic: Hugo Pratt, un maestro del cómic y la vida.

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