La Imprenta CG | Cómic

“Tatuando Tus Entrañas”, un libro que mezcla ilustración y poesía

P M.D. — Tue, 28 Apr 2026 06:00:08 +0000

Tatuando Tus Entrañas es una de nuestras impresiones recientes, un libro obra de Diego Portillo Calle, en el que combina ilustraciones con poemas.

Tatuando Tus Entrañas, un libro de poesía e ilustración

Diego Portillo Calle ha lanzado Tatuando Tus Entrañas, un libro en el que mezcla viñetas de cómic e ilustraciones con poemas, que busca lanzar preguntas, incomodar un poco y, al mismo tiempo, conectar desde lo sencillo, con un matiz naíf que lo hace muy especial.

Las páginas están llenas de crítica social, pero no desde un lugar oscuro o pesado, sino desde una mirada sencilla y directa, casi minimalista en su forma, que hace que el mensaje llegue incluso más fuerte.

Tatuando Tus Entrañas es un libro a color con 196 páginas, en el que imagen y palabra van de la mano, aunque no de la forma habitual: aquí los poemas no explican los dibujos, ni los dibujos ilustran los poemas sin más. Se acompañan, se contradicen y se complementan, dejando espacio para que cada persona saque sus propias conclusiones.

Diego Portillo Calle, el autor detrás de Tatuando Tus Entrañas

El artista madrileño Diego Portillo Calle es el autor de Tatuando Tus Entrañas. Portillo ha construido un estilo propio, mezclando distintas formas de expresión como la música, la ilustración y la escritura. En el libro se nota esa fusión, convirtiéndolo en una obra directa, honesta y muy libre.

Tatuando Tus Entrañas no es un libro para leer del tirón y olvidar. Es más bien para abrirlo, pararse en una página, pensar, y volver otro día.

Se puede conseguir un ejemplar escribiendo al autor por instagram en @tatuandopapel, o en el email tatuandopapel@outlook.com.

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El IVAM dedica una exposición al fanzine como expresión artística

P M.D. — Tue, 15 Jul 2025 06:00:14 +0000

El IVAM dedica una exposición a los fanzines, llamada ¡Eso no es cómic! Fanzines: Vanguardia e innovación del cómic en España. La muestra, abierta hasta el 9 de noviembre, es un recorrido por las últimas expresiones artísticas y la experimentación alrededor del formato fanzine.

¡Eso no es cómic!, una exposición dedicada al fanzine

La exposición del IVAM ¡Eso no es cómic! explora cómo el lenguaje del cómic ha encontrado en la experimentación formal del fanzine un aliado para la evolución constante.

En la galería 6 del museo, el visitante encuentra un completo recorrido por las nuevas tendencias creativas del fanzine, gracias a las 250 obras de más de cuarenta autores. La muestra no se centra solo en las dinámicas creativas actuales, sino que bucea en los orígenes del fanzine, con obras míticas de los años 70, como TMEO o las primeras publicaciones de origen valenciano, como Ademuz km. 6.

Con esta exposición, el IVAM quiere reivindicar el papel del fanzine como expresión artística subversiva, y la autoedición como una experiencia de libertad autoral, desde un acceso horizontal y transversal, lo que favorece la experimentación y el riesgo.

En el ámbito del fanzine se ha creado, durante los últimos años, un circuito de festivales y autores, que no sólo investigan el estilo gráfico, sino que también se ha ampliado el abanico de temáticas.

La libertad inherente al formato ha propiciado la entrada de visiones vanguardistas, alejadas de las imposiciones narrativas para explorar hasta la abstracción, llegando a cuestionar el propio objeto y encontrar nuevas formas de presentar el cómic.

El fanzine en el IVAM

La muestra del IVAM recoge obras de la fanzinoteca del IVAM, la primera de España y toda una referencia a nivel nacional y europeo.

La fanzinoteca del IVAM y esta exposición deben mucho al investigador y comisario de esta muestra, Álvaro Pons. Gracias a él la Biblioteca y Centro de documentación del museo cuenta con una colección de 4.000 fanzines aproximadamente que recorre toda la historia de estas publicaciones.

En la exposición, el visitante puede encontrar dos recorridos. El primero, permite realizar un análisis cronológico del fanzine, gracias a que se incluyen aquí las publicaciones más representativas de las primeras incursiones del fanzine.

En la segunda parte de la expo, se puede ver una selección muy cuidada de autores, ofreciendo una panorámica del sector en la actualidad.

En La Imprenta CG somos expertos en imprimir cómics y fanzines, son proyectos que nos apasionan, por eso nos ha encantado esta nueva exposición en el IVAM, ¡os la recomendamos!

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Julia Cejas trae lo mejor de septiembre a nuestro calendario

P M.D. — Wed, 04 Sep 2024 06:00:38 +0000

Septiembre ya está aquí, con esa mezcla de tristeza postvacacional e ilusión por el inicio del nuevo curso. Para que la ilusión triunfe, empezamos el mes con la ilustración de Julia Cejas, que nos traslada a una tarde de otoño, de nuevo con los amigos, jugando y charlando tranquilamente.

Julia Cejas, pasión por el cómic

Julia Cejas es una ilustradora que siempre está a caballo entre Murcia y València. Licenciada en Bellas Artes por la UPV, con la especialidad de dibujo, trabaja como ilustradora para libros infantiles y juveniles, pero su pasión es el cómic.

Fue nominada al premio Miguel Gallardo/autor revelación en el Salón del Còmic Barcelona 2023 por Hanan & Genji (guion de Roberto Corroto, publicado por Sallybooks).

Además, fue receptora de la beca Generacción con la que pudo vivir seis meses en Japón y cuya experiencia cuenta en el cómic Hanami, que publicó el año pasado en Norma Editorial (publicado en Francia por La Boite à Bulles y en Estados Unidos por Humanoids US).

En su obra, Julia Cejas mezcla procesos analógicos y digitales, creando imágenes sueltas y expresivas, con manchas de tinta y trazos irregulares. En ellas se evocan historias alrededor de personajes fuertes, principalmente femeninos, donde el color juega un papel fundamental.

Entrevista a Julia Cejas, septiembre en nuestro calendario solidario

¿Cómo se despertó en ti la necesidad o el deseo de dibujar? ¿Cuál es tu primer recuerdo con un lápiz en la mano?

Por un lado, no era la niña con más amigos del mundo, por lo que dibujaba mucho. Cuando mis compañeros empezaron a pedirme que les dibujara cosas, ya algo hizo «click». Un poco de refuerzo positivo, y aquí estamos ahora.

¿Tienes algún rito especial, alguna manía, cuando te enfrentas a un proyecto creativo?

El proceso creativo puede ser tan caótico que intento organizar pasos para centrarme e ir reconduciendo las ideas. No creo que tenga manías (debo tener millones).

¿Cómo definirías tu estilo?

Es una mezcla de todas mis influencias, especialmente del cómic. Nacional, americano, japonés… Me ha hecho prestar mucha atención a las expresiones y a la hora de contar pequeñas historias en una viñeta. La ilustración ha influido mucho en mi cómic, prestando atención en la composición.

¿Qué técnica o material prefieres a la hora de trabajar?

Trabajo con una mezcla de digital y analógico. Utilizo el ordenador para los bocetos y el color y tinta con pincel y plumilla para la rotulación.

¿Por qué has elegido esta imagen para el Calendario Solidario de La Imprenta CG?

Es una imagen que habla mucho sobre un espacio y en el que la época del año juega un papel importante. La primavera, ¡aunque se haya colocado en septiembre, jaja!

Mi adolescencia entre los limoneros, junto al instituto cuando faltábamos a clase para jugar a la brisca (¡de ahí los gestos!).

¿Nos recomiendas una peli y un cómic?

No voy a decir ninguna perla secreta. La última película que vi que me encantó fue Vidas Pasadas, de Celine Song. Una pareja separada antes de ser pareja.

Y un cómic, Aquel Verano, de Mariko Tamaki y Jillian Tamaki. El último verano de una niña antes de llegar a la adolescencia. Preciosos ambos.

¿Crees que el trabajo de ilustrador está suficientemente reconocido? ¿Qué harías para mejorar la situación?

Definitivamente, no. En esta época en la que se entrena a las IA con imágenes robadas a todo el gremio mundial, sin pestañear, y no se legisla… En la que la mayoría de ilustradores viven bajo mínimos. Intentamos asociarnos y que cambien algo las cosas. Pero está bastante por encima de nosotros como individuos, pienso yo.

¿Qué consejo te hubiera gustado recibir cuando empezaste?

Que empezara a enseñar mi trabajo a editores y directores artísticos antes. Por inseguridad, seguí y seguí estudiando. Trabajar es la forma más rápida de aprender. ¡Con una base sólida de aprendizaje, claro!

Muchas gracias a Julia Cejas por colaborar con nosotros en nuestro calendario solidario, cuyos beneficios están destinados a la Fundación Ronald McDonald de València. Aunque ya estamos en septiembre, podéis comprarlo en nuestra imprenta online o en la Librería Bangarang de València. ¡Es tan bonito que merece la pena!

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Adrián Bago González ilustra agosto en nuestro calendario solidario

P M.D. — Mon, 29 Jul 2024 06:00:07 +0000

El dibujante Adrián Bago González es el encargado de ilustrar el mes de agosto en nuestro calendario. Un mes al que llegamos ya casi como zombis sudorosos, pero tocando con la punta de los dedos las deseadas vacaciones.

Adrián Bago González, estilo underground y crítica al capitalismo

Adrián Bago González estudió Bellas Artes y ha centrado su obra principalmente en el cómic, publicando con regularidad desde 2009 en sellos como La Cúpula, Inefable Tebeos, El Nadir o Autsaider Comics.

Sus últimos trabajos publicados son Sicofante (2020), Bibelots (2022) y la revista Once (2024), que reúne a varios autores.

Su estilo está muy marcado por el cómic underground y la estética garage, al mismo tiempo que destaca por su compromiso político y la crítica al capitalismo salvaje y neoliberal.

Entrevista a Adrián Bago González, agosto en nuestro calendario

¿Cómo se despertó en ti la necesidad o el deseo de dibujar? ¿Cuál es tu primer recuerdo con un lápiz en la mano?

Pues la verdad es que no hubo ningún hecho bautismal que me hiciera encontrar un camino en el dibujo. Creo que fue algo bastante natural, en mi casa siempre había tebeos y bastante cultura y ya desde chico me interesaría todo eso.

Sí que hay una especie de fanzine, que grapaba yo mismo, con una historieta de las Tortugas Ninja que hice de muy pequeño, con 5 o 6 años. Era una mierda, pero bueno, ahí está.

¿Tienes algún rito especial, alguna manía, cuando te enfrentas a un proyecto creativo?

Normalmente me invade una angustia existencial atroz, el convencimiento más primario de que seré incapaz de llevarlo a cabo y una ansiedad que incita al vómito. Luego ya voy mejorando.

¿Cómo definirías tu estilo?

Pues creo que, partiendo de que mi estilo es bastante proteico y trato de satisfacer cada proyecto con las coordenadas estéticas que creo que son más adecuadas, sí que están los tebeos más clásicos, de los 50 a los 80, y mucho interés en el underground americano y el tebeo de autor europeo.

¿Qué técnica o material prefieres a la hora de trabajar?

Yo ahí soy un carca de manual. Todo es artesanal. Dibujo a lápiz sobre papel y entinto con pincel o plumilla dependiendo de lo que busque. Y el color lo suelo aplicar con gouache.

¿Por qué has elegido esta imagen para el Calendario Solidario de La Imprenta CG?

Que el horror pueda salir de cualquier lado me parece un buen precepto filosófico. Hay que mantenerse en guardia.

¿Quiénes son tus referentes o influencias en literatura, música, etc.?

En literatura soy muy de Proust, Stendhal, Balzac, Celine, Baroja, Colette, Carrere, etc… Me gusta mucho la literatura de la nada, en la que el foco no es una trama, sino otras cosas como el punto de vista, la percepción etc…

En música soy muy disperso, me he criado con el rock, el garage, la psicodelia… Pero ahora escucho de todo. Mientras dibujo puedo oír desde Las Grecas a Fania, pasando por Dexter Gordon.

Y de cómic… Pues soy mucho de Crumb, Clowes, Burns, Martí, Nazario, Doucet, Blutch, toda la gente de la EC, la Marvel de los 60 y 70, etc…

¿Nos recomiendas una peli y un libro?

Pues de peli, La Terra Trema de Visconti, y de libro me quedo con Julieta o las prosperidades del vicio, de Sade.

¿Crees que el trabajo de ilustrador está suficientemente reconocido? ¿Qué harías para mejorar la situación?

En el capitalismo, y concretamente en la fase actual neoliberal, nunca va a estar suficientemente reconocido ninguna labor artística. Porque el único valor que tiene el arte en este entorno hostil es el de mercancía, de valor de mercado.

Al capitalismo le da igual que la IA nos quite el trabajo, sólo le importa que haya un producto que vender. Y para mejorar lo único que se puede hacer es juntarse y luchar. No se puede cambiar nada si no hay un compromiso gregario.

¿Qué consejo te hubiera gustado recibir cuando empezaste?

Pues que en toda la carrera de Bellas Artes no te digan cómo funciona autónomos o cómo se hace una factura es demencial.

Muchas gracias a Adrián Bago por colaborar con nosotros en el calendario solidario. Os recordamos que los beneficios íntegros de su venta están destinados a la Fundación Ronald McDonald de València.

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Don Pepe de la Janda, un cómic que homenajea al Quijote

P M.D. — Thu, 25 Jul 2024 06:00:08 +0000

Uno de los últimos cómics que hemos impreso en nuestros talleres es Don Pepe de la Janda, un divertido homenaje al Quijote y a la preciosa comarca de la Janda, en Cádiz.

Don Pepe de la Janda, un Quijote por los pueblos blancos de Cádiz

Don Pepe de la Janda es un cómic que toma como referencia a Don Quijote de la Mancha para construir una divertida historia protagonizada por Pepe, un ex matador de toros de la Janda, que se hizo mayoral porque su conciencia le impedía seguir matando toros, ya que siempre los indultaría a todos.

Un día, Pepe encuentra en una cueva un libro y un dispositivo del futuro con el que se comunica con su creador, el dibujante Juan Romero Burgos, y creyendo que se comunica con sus dioses, es instado a realizar siete trabajos para la comarca de la Janda.

De la misma manera que Zeus le encargó doce trabajos a Hércules, el dibujante le encarga a Don Pepe siete, por los siete pueblos blancos de la Janda.

El cómic incluye retazos de la historia de los pueblos blancos de la Janda, versos, humor y frases del Quijote. Además, el autor ha trasladado y acomodado la primera parte del «caballero de la triste figura» a su personaje que es el «mayoral de la alegre hechura».

Don Pepe de la Janda es una singular mezcla de cómic, narración y fantasía, en la que se unen la tragicomedia con un diálogo entre el personaje y su creador. El autor ha creado una pequeña odisea en la que coexisten la épica y la lírica, junto a alegres ilustraciones y la belleza de la Janda.

Juan Romero Burgos, autor de Don Pepe de la Janda

Juan Romero Burgos es diseñador de gráfico e ilustrador autodidacta. Con claras influencias del genial Francisco Ibáñez, también se nutre de los tebeos de la Marvel y el cómic underground de revistas como El Víbora.

Ha realizado la guía en clave de cómic La Provincia de Cádiz en Familia, para la Diputación de Cádiz, a través del Patronato Provincial de Turismo.

También es autor del cómic electrónico La Pepa 1812, El bueno, Alburquerque y los Doceañistas y creador de todas las ilustraciones de Las Hazas de Suerte, editado por la delegación de cultura de Barbate.

En la página web del autor, Surderomero, puedes conocer más sobre su trabajo y su biografía.

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Historia del cómic: Francisco Ibáñez, el maestro del humor

P M.D. — Wed, 19 Jun 2024 06:00:18 +0000

Seguimos repasando a los grandes de la historia del cómic para detenernos en la figura de uno de los autores que más alegrías ha dado a varias generaciones de hispanohablantes: Ibáñez.

Ibáñez, vía Jot Down.

Ibáñez: un historietista de creatividad desbordante

Francisco Ibáñez es el creador de míticos personajes y series como Mortadelo y Filemón, 13 Rue del Percebe o Rompetechos.

Francisco Ibáñez nació en 1936 en Barcelona, recién empezada la Guerra Civil. Su familia era de clase trabajadora y desde bien pequeño tuvo pasión por los tebeos. De hecho, cuando publicaron su primer dibujo, solo tenía 7 años y le pagaron 5 pesetas.

Tras acabar la educación básica, continuó su formación siguiendo la estela familiar paterna, estudiando contabilidad. Las aspiraciones artísticas, de momento, no parecían una carrera posible para un chico como él. Comenzó a trabajar de botones en el Banco Español de Crédito, al tiempo que colaboraba con revistas de historietas, especialmente en La Risa e Hipo, Monito y Fifí.

A finales de los 50, Ibáñez se había hecho un nombre entre los historietistas patrios y ya ganaba más como dibujante que en su trabajo en el banco (donde había ascendido). Por eso, decidió dedicarse a tiempo completo a dibujar para varias editoriales.
En 1957, empezó a colaborar con la editorial Bruguera, la más importante de la época. Al año siguiente, ya había firmado en exclusiva con ellos y comenzaba una época de esplendor con el nacimiento de algunas de sus historias más exitosas: Mortadelo y Filemón (1958), La familia Trapisonda (1958), 13 Rue del Percebe (1961), El botones Sacarino (1963), Rompetechos (1964) y Pepe Gotera y Otilio (1966).

Hasta el momento, sus personajes aparecían en revistas y publicaciones de Bruguera, como Pulgarcito o Tío Vivo. Sin embargo, a finales de los años 60 e influenciado por el estilo del cómic francés y belga de historias más largas, publica El Sulfato atómico, su primera parodia del mundo de los espías y los agentes secretos, y que resulta todo un éxito.

Bruguera decide aprovechar el tirón y lanza varias publicaciones exclusivas con los personajes de Ibáñez: Mortadelo, Súper Mortadelo y Mortadelo Especial; entre otras.

El ritmo de trabajo se vuelve entonces insostenible para Ibáñez, que podía hacer hasta 40 páginas a la semana. En esa época, muchas veces las historias salían como churros, tirando de colaboradores y exprimiendo al máximo su creatividad.

El amargo adiós de Ibáñez a Bruguera

Finalmente, en 1985, dejó la editorial Bruguera, que era la propietaria de los derechos de los personajes desarrollados por Ibáñez. A partir de ese momento, esas historias las realizaba un equipo dentro de la editorial, con Ibáñez totalmente desvinculado de las tramas de sus personajes.

Ibáñez comenzó a trabajar para la editorial Grijalbo, en la que creó nuevos personajes como Chicha, Tato y Clodoveo.

En 1987, entra en vigor la Ley de Propiedad Intelectual, que da la propiedad de las obras a sus autores y que devolvió los personajes de Ibáñez a su legítimo dueño.

Desde ese año, Ibáñez se une a Ediciones B y retoma las historias de Mortadelo y Filemón, de los que llega a hacer seis historias nuevas por año.

A lo largo de su carrera, se calcula que Ibáñez ha vendido más de 100 millones de ejemplares de sus cómics (y sumando).

Ibáñez recibió numerosos reconocimientos durante su vida. En 1994, le fue concedido el Gran Premio del Salón Internacional del Cómic de Barcelona por toda su trayectoria y en 2002 el Premio Oso a la labor de una vida en Expocómic. Además, ese mismo año recibió la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes.

Hasta su muerte en 2023, Ibáñez fue una de las figuras más queridas del panorama cultural español, un autor que con sus obras ha acercado y sigue acercando la lectura y el humor a varias generaciones de niños y no tan niños.

¡Larga vida a Ibáñez, el maestro del humor!

El libro «Ibáñez. El maestro de la historieta», de Jordi Canyissà rinde homenaje al mago del tebeo.

Otras entradas en nuestro blog sobre autores de cómics son:

Historia del cómic: Alan Moore, el mago de las historias

Historia del cómic: Marjane Satrapi, la vida más allá de Persépolis.

Historia del cómic: Art Spiegelman, Maus y el underground.

Historia del cómic: Will Eisner, padre de la novela gráfica.

Historia del cómic: Hergé, creador de Las aventuras de Tintín.

Historia del cómic: Hugo Pratt, un maestro del cómic y la vida.

Historia del cómic: Frank Miller, con él llegó la oscuridad.

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«Y luego nos pasó la vida», un cómic de Ati sobre la primera vez

P M.D. — Wed, 10 Apr 2024 06:00:10 +0000

Presentamos «Y luego nos pasó la vida», un cómic ilustrado por José Francisco Atienza Rodríguez, Ati, que cuenta quince primeras veces, narradas por sus protagonistas.

Un cómic para narrar la especial y lo común de las primeras veces

«Y luego nos pasó la vida» es un cómic que cuenta quince primeras veces, narradas por sus protagonistas. Un libro que se centra en el primer encuentro con el sexo, el mundo adulto, tu cuerpo, otros cuerpos.

Es un cómic dirigido a un público adulto y su objetivo principal es describir cómo algo que puede hacernos creer tan especiales como es nuestra sexualidad, no deja de ser un elemento común, una ventana que todos abrimos alguna vez y abierta la dejamos. Porque siempre hubo una primera vez para todos.

El cómic ha sido dibujado y escrito por Ati y catorce personas más, muchas de las cuales prefieren mantener el anonimato. Por eso, Ati guarda el secreto de sus nombres, salvo el de Guillem Aparicio que si bien no contó su historia, tuvo el valor de escribir el prólogo.

Ati: diseñador, ilustrador, músico y docente

José Francisco Atienza Rodríguez, más conocido como Ati, se licenció en Bellas Artes y comenzó a trabajar en muy variados proyectos, desde un mural cerámico en Santiago de Cuba, hasta la cartelería y pintura del parque temático Warner, en Madrid.

Tras diversos trabajos, como pintar telones para el Teatro Nacional de Catalunya o modelar escudos para la fachada del edificio de Correos de Valencia, acabó centrando su labor en el mundo de la animación y la publicidad, realizando diversos trabajos, tanto como animador 2D, como de moldmaker, guionista o director artístico en la productoras más influyentes del gremio en Valencia (Conflictivos, Clay Kids, Potens Animation…); llegando a estar nominado en 2007 a los premios Goya.

Como ilustrador y diseñador ha trabajado para publicaciones infantiles (Everest, Wedoo…), animador para videojuegos (Dreambox) y ha realizado varios videoclips para bandas como Sr. Mostaza, Mauro Cyan o Ella Vin.

En la actualidad, se dedica a la docencia y a la realización de proyectos de creatividad audiovisual o de diseño. Además, toca el bajo en el grupo Desayuno.

Recientemente, ha realizado la tematización de piedra artificial para el Centro de interpretación del Mediterráneo de Oropesa.

En 2019, publicó su primer libro-cómic «Papa Cansino», para Divalentis, y en 2024 su segundo cómic autoeditado, «Y luego nos pasó la vida».

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Estrenamos nuestro calendario 2024 con Luis Armand Villalba

P M.D. — Wed, 03 Jan 2024 07:00:02 +0000

Enero en nuestro nuevo calendario solidario 2024 está protagonizado por el dibujante Luis Armand Villalba que, con su estilo «garage» y gamberro, llena de color el frío del invierno.

Villalba es licenciado en Bellas Artes por la Universitat Politècnica de València y Master en Diseño e Ilustración por la misma universidad.

A lo largo de su carrera ha colaborado con publicaciones como VICE España, Retina (EL PAÍS) y Principia Magazine. Desde hace varios años es el responsable de la cartelería del pequeño festival de música Sant Antoni Pop Festival, que se celebra en Betxí.

En 2022 se publica su primer cómic, «Lo que más miedo te dé», una historia sobre la ansiedad escrita por Ángel Abellán y editada por GP Ediciones.

Además de su trabajo como ilustrador, desde 2011 toca la guitarra en el conjunto “rocanrolero” Ukelele Zombies, un clásico de la escena “garage” valenciana.

Entrevista a Luis Armand Villalba

¿Cómo se despertó en ti la necesidad o el deseo de dibujar? ¿Cuál es tu primer recuerdo con un lápiz en la mano?

Lo cierto es que no tengo ningún recuerdo de mi infancia en el que surgiera de repente la necesidad de dibujar. Yo diría que las personas que nos dedicamos a esto de dibujar o ilustrar somos las que ya dibujábamos de niños y nunca dejamos de hacerlo al crecer.

¿Tienes algún rito especial, alguna manía, cuando te enfrentas a un proyecto creativo?

¡Uy! Ojalá lo tuviera. Siempre sufro muchísimo a la hora de empezar un proyecto. La fase inicial, la de darle al coco, siempre es la que más me cuesta.

¿Cómo definirías tu estilo?

Creo que como le pasa al 95% de ilustradores o dibujantes, me gusta pensar que mi estilo es “divertido”. Al menos esa es la palabra con la que me gusta que lo definan otras personas. No lo sé, ¡SOCORRO!

¿Qué técnica o material prefieres a la hora de trabajar?

Hace muchos años que estoy empadronado en esa cómoda localidad llamada “TINTA SOBRE PAPEL CON COLOR APLICADO DIGITALMENTE”. En Bellas Artes hay muchos profesores que te dicen: «¡SAL DE TU ZONA DE CONFORT! ¡NO TENGAS MIEDO DEL ERROR!». Pero, vamos a ver, si es mi zona de confort… será por algo, ¿no?

¿Qué es lo que más te gusta dibujar o crear?

Por alguna razón, muchas veces me veo dibujando animales que llevan gafas de sol y que fuman. Me encantaría decir que es broma esto último, pero no puedo.

¿Por qué has elegido esta imagen para el Calendario Solidario de La Imprenta CG?

Entre mis clientes habituales están los organizadores del Sant Antoni Pop Festival de Betxí, una peña muy maja que todos los años organiza este pequeño festival con bandas de rock&roll muy buenas y paellas muy grandes.

Desde hace ya unos años hago la cartelería del festival y tengo total libertad para dibujar lo que quiera, siempre y cuando aparezca de alguna forma el patrón del pueblo que es San Antonio Abad. Quedé contento con el cartel de la edición pasada, así que seleccioné un fragmento para el calendario.

¿Quiénes son tus referentes o influencias en literatura, música, etc.?

Los referentes a veces son como unas lentejas que no te acabas, pero yo creo que a estas preguntas es importante responder con una ristra de nombres de profesionales patrios: Mik Baro, Miguel Ángel Giner, Cristina Durán, Luis Demano, Guillermo Lizarán, César Sebastián, Cristina Daura, Genie Espinosa, Riki Blanco… ¡Mañana diría otros nombres pero hoy digo estos!

¿Nos recomiendas una peli y un libro?

Voy a hacer trampa, recomendaré una peli… y un cómic.

Peli: Robocop (Paul Verhoeven, 1987)

Libro: Lo que más miedo te dé (Ángel Abellán y Luis Armand Villalba, 2022)

¿Crees que el trabajo de ilustrador está suficientemente reconocido?

Personalmente pienso que no. Desgraciadamente, los ilustradores estamos a merced de quien precise de nuestros servicios y mi lista de clientes es muy reducida.

Los pocos que tengo son estupendos, eso sí. Pero ahora mismo exhausta ver la cantidad de instituciones y publicaciones que se apuntan al nuevo juguete de moda (las IAs generadoras de imágenes) para ahorrarse unos cuartos.

¿Qué harías para mejorar la situación?

Eliminaría la cuota fija de autónomos y la sustituiría por una que dependiera de un porcentaje de nuestros ingresos.

Prohibiría el uso comercial de imágenes realizadas con IAs generativas o bien haría a los usuarios de estas pagar derechos de autor a los artífices de las imágenes con las que las alimentan.

¿Qué consejo te hubiera gustado recibir cuando empezaste?

Que saber captar clientes es casi tan importante (a veces incluso MÁS IMPORTANTE) que saber dibujar. ¡Directores de arte y editores del mundo, ENCONTRADME!

Muchísimas gracias a Luis Armand Villalba por colaborar con nosotros en nuestro calendario solidario. Ha sido todo un placer contar con él para ilustrar un proyecto tan especial para el equipo de La Imprenta CG.

Podéis haceros con un ejemplar del calendario solidario de La Imprenta CG en nuestra tienda online o en la Librería Bangarangde València. Como sabéis, los beneficios íntegros de su venta están destinados a la Fundación Ronald McDonald de València.

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Historia del cómic: Frank Miller, con él llegó la oscuridad

P M.D. — Wed, 18 Oct 2023 06:00:22 +0000

Nuestro repaso por algunas de las figuras más influyentes del mundo del cómic nos lleva hoy a Frank Miller, autor de Sin City, 300 o Batman: The Dark Knight Returns, entre otras destacadas obras.

Frank Miller, como un personaje de Sin City.

Frank Miller, un artista entre el manga y el cine negro

Frank Miller es un escritor y dibujante de cómics, nacido en 1957 en Estados Unidos, cuyo estilo destaca por una marcada influencia del cine negro de los años 40 y el manga japonés.

Desde muy pequeño, Miller tuvo auténtica pasión por los cómics y pronto comenzó a trabajar en el sector, primero con pequeños encargos no firmados como guionista y dibujante y más tarde como dibujante habitual de relleno y portada en Marvel.

En Marvel, cuando Gene Colan dejó el personaje de Daredevil, Miller vio su potencial y, pese a las pocas ventas que arrastraba, peleó por convertirse en su dibujante.

En 1979 comenzó a dibujar a Daredevil, un superhéroe ciego que investigaba crímenes. Su debut, con guion de Roger McKenzie, consiguió críticas estupendas, pero no terminó de arrancar en ventas.

Frank Miller estuvo tentado de abandonar Daredevil, ya que no le gustaban los guiones que recibía de McKenzie. Más tarde, Miller se hizo cargo de los guiones y Daredevil comenzó a aumentar las ventas de una manera tan espectacular que tuvieron que aumentar su periodicidad.

En Daredevil, Frank Miller creo a Elektra, una ninja mercenaria que se convirtió también en un personaje muy popular de Marvel, protagonista de sus propias historias e incluso de una película en 2005.

Frank Miller imprimió su estilo a Daredevil, con temas e historias más oscuras, pero que contaron con el beneplácito del público y la crítica, convirtiendo a un personaje menor en uno de los más populares de Marvel.

En 1983, Miller dejó Daredevil y trabajó en varias historias sueltas de diferentes personajes, como Spider-Man, Doctor Strange o Lobezno.

Posteriormente, Frank Miller se alió con Steve Gerber para renovar a la Santísima Trinidad de DC: Superman, Batman y Wonder Woman. La propuesta no fue aceptada, pero en 1986, DC Comics sí contó con Miller como escritor y dibujante para lanzar The Dark Knight Returns.

La miniserie del Caballero Oscuro se imprimió en un formato de lujo, con papel de buen gramaje, en lugar del habitual de “periódico” y con encuadernación con tapas de cartulina, en vez de papel satinado.

Miller creo un Batman muy diferente al personaje habitual, más duro y valiente, más taciturno y atormentado.

The Dark Knight Returns se publicó el mismo año que Watchmen de Alan Moore y Dave Gibbons, formando parte de la oleada de oscuridad que se abatió sobre el mundo del cómic a finales de los 80, con unas narraciones más adultas y una violencia más descarnada.

Después del éxito de Batman, Miller volvió a Daredevil, donde revitalizó al personaje tal y como había hecho con el Caballero Oscuro. También creó una miniserie de ocho números de Elektra. Ambas historias consiguieron el aplauso de la crítica, pero no tuvieron la repercusión masiva de su Batman, al que regresó con Batman: Año Uno, sobre los orígenes del personaje y que continúa siendo uno de los libros más vendidos de DC.

Durante este periodo, Miller ilustró las portadas de las ediciones en inglés de El lobo solitario y su cachorro, de Kazuo Koike y Goseki Kojima, ayudando a popularizar el manga japonés entre la audiencia occidental.

Además, Miller rompió con DC Comics, cuando la editorial propuso un sistema de clasificación para los cómics, similar al de las películas. Miller consideraba esta propuesta como censura, comenzó a trabajar con la editorial independiente Dark Horse Comics y se convirtió en un férreo defensor de los derechos de los creadores y contra la censura en los cómics.

Las Termópilas y el pecado

En esta nueva etapa, Frank Miller alternó trabajos en el mundo del cómic con incursiones como guionista en películas como Robocop 2 y 3. En 1991, empezó a trabajar en la primera historia de Sin City, que se convirtió en otro éxito de ventas y crítica para el dibujante y escritor.

Ambientada en un mundo violento, muy influenciada por el cine negro y su iluminación llena de claroscuros, Sin City es ya un clásico del cómic. Al respecto, Miller afirmaba en una entrevista: «Cuando comencé Sin City me di cuenta de que los cómics estadounidenses e ingleses eran demasiado recargados, demasiado estreñidos y los cómics japoneses demasiado vacíos. Así que intenté hacer un híbrido».

En 1998, Miller lanzó 300, una miniserie de cómics en la que narraba la Batalla de las Termópilas desde la perspectiva del rey Leónidas de Esparta. Su estilo visual y lo insólito del tema, hicieron de 300 todo un fenómeno.

Para Miller, el ataque del 11 de septiembre a las Torres Gemelas, supone un antes y un después. Vuelve a DC y a Batman y colabora con Robert Rodríguez en la adaptación al cine de Sin City. El éxito de la película, atrae la atención de Hollywood sobre Frank Miller y 300 también se lleva a la gran pantalla, dirigida por Zack Snyder.

Es en esta época cuando sus comentarios sobre Al-Qaeda o el movimiento Occupy Wall Street sitúan a Frank Miller en el ojo del huracán.

Para su amigo Alan Moore, el trabajo de Miller desde Sin City es homofóbico y misógino, a pesar de elogiar sus primeros Batman y Daredevil. En respuesta a las afirmaciones de que sus cómics son conservadores, Miller afirma: «No soy conservador. Soy libertario».

A pesar de sus polémicas declaraciones, durante los siguientes 20 años, Frank Miller siguió siendo uno de los artistas del cómic más vendidos y leídos. En 2015, fue incluido en el Salón de la Fama de los Premios Eisner.

En 2022, Miller anunció que iba a lanzar una editorial de cómics llamada Frank Miller Presents, o FMP, en la que será presidente y editor en jefe y que editará entre dos y cuatro títulos por año. Las contribuciones iniciales de Miller incluirán Sin City 1858 y Ronin Book Two.

Frank Miller, gracias a su estilo visual y su fuerza narrativa, se ha convertido en una leyenda del cómic, que aún tiene mucho que ofrecer al público.

Otras entradas en nuestro blog sobre autores de cómics son:

Historia del cómic: Alan Moore, el mago de las historias

Historia del cómic: Marjane Satrapi, la vida más allá de Persépolis.

Historia del cómic: Art Spiegelman, Maus y el underground.

Historia del cómic: Will Eisner, padre de la novela gráfica.

Historia del cómic: Hergé, creador de Las aventuras de Tintín.

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Historia del cómic: Alan Moore, el mago de las historias

P M.D. — Wed, 13 Sep 2023 06:00:54 +0000

Nuestro repaso a algunas de las figuras más importantes del cómic nos lleva a Alan Moore, escritor y guionista de algunos de los cómics más icónicos de las últimas décadas.

Alan Moore: un escritor entre viñetas

Alan Moore nació en Northhampton (Gran Bretaña) en 1953, en una familia de clase trabajadora. Desde bien pequeño Moore tuvo un apetito voraz por la lectura y combinaba los libros de la biblioteca con cómics de todo tipo.

Por la escuela secundaria pasó con más pena que gloria, de hecho fue expulsado de ella, pero ya a finales de los años 60 comenzó a publicar poesía y ensayos en diferentes fanzines, creando incluso su propia publicación: Embryo.

Moore consiguió un trabajo de oficina y se casó, pero la vida de oficinista no colmaba sus aspiraciones creativas. Por ello, abandonó el trabajo y comenzó a escribir e ilustrar sus propios cómics. Con anterioridad había creado un par de tiras para varios fanzines y revistas alternativas, pero su primer trabajo remunerado fue para unos dibujos que se imprimieron en la revista NME.

A finales de 1979, creó junto a Steve Moore (sin parentesco) al violento personaje Axel Pressbutton para unos cómics en la revista musical Dark Star.

Comenzó entonces a publicar varias series de cómics, aunque el sueldo como historietista no llegaba para pagar las facturas de la joven familia Moore, que se había ampliado con la llegada de su hija Leah.

Durante los 80, Alan Moore tomó la decisión de dedicarse exclusivamente a escribir guiones y abandonar el dibujo: «Después de haber estado haciéndolo durante un par de años, me di cuenta de que nunca sería capaz de dibujar lo suficientemente bien o lo suficientemente rápido como para ganarme la vida decentemente», afirmaba al respecto.

Durante su primera etapa como guionista, Moore se curtió escribiendo historias de cinco páginas para Doctor Who Weekly o Star Wars Weekly y asentó su carrera como escritor freelance para varias editoriales, principalmente Marvel UK, 2000AD y Quality Communications (editora de Warrior).

En una etapa en la que el cómic en Gran Bretaña comenzaba a verse como algo más que una publicación infantil, las historias de Moore llegaron en el momento justo.

El primer gran éxito de Moore fue Captain Britania, creado junto a Alan Davis a quien Moore definió como «un artista cuyo amor por el medio y cuyo puro júbilo al encontrarse a sí mismo lucrativamente empleado en él brilla en cada línea, cada nuevo diseño de vestuario, cada matiz de expresión».

Moore también colaboraba con la editorial Quality Communications, en la revista mensual Warrior.

Warrior fue creada con la intención de dar a los autores más libertad creativa y fue donde Moore comenzó a alcanzar su potencial como historietista. Moore se encargó al principio de dos tiras: Marvelman y V for Vendetta, que se estrenaron en 1982, en el primer número.

V for Vendetta era un thriller distópico en el que un gobierno fascista controla Gran Bretaña y solo se opone a él un anarquista solitario vestido con un disfraz de Guy Fawkes y que recurre al terrorismo para derrocar al gobierno.

El cómic estaba ilustrado por David Lloyd y está considerado como uno de los mejores trabajos de Moore. La historia del V for Vendetta ha conseguido un estatus de culto que permanece actualmente.

Durante esta época, Moore resucitó el personaje de Marvelman, un antiguo superhéroe al que Moore llevó a la vida real, cosechando un gran éxito entre la crítica.

La tercera serie que Moore produjo para Warrior fue The Bojeffries Saga, una comedia sobre una familia inglesa de clase trabajadora de vampiros y hombres lobo.

Un hombre inglés en América

El trabajo de Alan Moore llamó la atención de DC Cómics, que le contrató en 1983 para la editorial, escribiendo The Saga of the Swamp Thing (la Cosa del Pantano). El éxito del trabajo de Moore en esta historia, animó a DC Comics a encargar cómics en una línea similar, a menudo con renovaciones radicales de personajes oscuros. Estos títulos sentaron las bases de la línea Vertigo de la editorial.

Durante esta etapa, Moore escribió guiones para Superman y recuperó a muchos de los personajes olvidados de DC Comics, como Spectre, Demon o Phantom Stranger y creó nuevos, como John Constantine.

La reputación de Alan Moore como creador de historias se vio consolidada en 1986, con la que está considerada su mejor obre, la serie Watchmen, en la que los superhéroes son de todo, menos perfectos. Formalmente, huye de la narración lineal, tiene múltiples puntos de vista e incluye autorreferencias, ironías y experimentos formales muy sofisticados.

El escritor y ejecutivo de DC Comics, Paul Levitz consideraba que al igual que con The Dark Knight Returns, «Watchmen desencadenó una reacción en cadena al repensar la naturaleza de los superhéroes y el heroísmo en sí y oscureció el género durante más de una década. La continuará siendo considerada como una de las obras literarias más importantes que jamás haya producido el cómic»».

Ante este éxito y la atención que despertaba, Moore se fue alejando de las convenciones y de los eventos con fans.

Moore continuó trabajando para DC Comics, aunque la relación se había ido deteriorando por cuestiones de derechos de autor y de comercialización. Tras finalizar los últimos episodios de V for Vendetta, Moore dejó de trabajar para DC Comics y comenzó su andadura como autor independiente.

Volando solo. vuelta al redil y de nuevo en solitario

En esta etapa independiente, Moore publicó numerosos cómics, como Brought to Light o From Hell, en la que cuenta la historia de los asesinatos de Jack el Destripador o el cómic erótico Lost Girls.

Tras su experiencia como autor independiente, Alan Moore volvió a unirse a una editorial para escribir historias de superhéroes. Moore recaló en Image Comics, para horror de sus fans, ya que esta editorial era famosa por su estilo llamativo, violencia y chicas con poca ropa. La editorial estaba formada por siete dibujantes, que abandonaron Marvel para poder publicar sin perder sus derechos de copyright.

Allí trabajó para la serie Spawn y WildC.A.T.S. pero la crítica no acompañó a esta etapa del escritor y el público esperaba más del creador de Watchmen.

A excepción de los socios Jim Lee y Jim Valentino, Moore no acabó contento con el trato recibido en Images Comics. Cuando Jim Lee le ofreció crear su propio sello, bajo el paraguas de su nueva editorial, WildStorm Productions, Moore no se lo pensó.

Moore bautizó a su sello America’s Best Comics y fichó a varios artistas y escritores para ayudarlo. Sin embargo, Lee vendió WildStorm, incluido America’s Best Comics, a DC Comics, y Moore se encontró de regreso en una compañía con la que había jurado que nunca volvería a trabajar.

Alan Moore decidió entonces que había demasiadas personas involucradas como para retirarse del proyecto, por lo que accedió a trabajar con DC de nuevo. La primera serie publicada por America’s Best Comics fue The League of Extraordinary Gentlemen, que presentaba una alianza de personajes de novelas de aventuras victorianas, como Allan Quatermain, el Capitán Nemo o el Dr. Jekyll, enfrentados a villanos como el profesor Moriarty o los extraterrestres de La guerra de los mundos, de H.G. Wells.

La serie fue un éxito y America’s Best Comics continuó publicando historias, como Tom Strong o Promethea.

Sin embargo, las fricciones con DC Comics no tardaron en surgir y en 2005 volvió a ser independiente. Siguió publicando La Liga de los Hombres Extraordinarios y otras historias, pero poco a poco fue alejándose del mundo del cómic, hasta que en 2016 anunció su retirada.

A pesar de llevar años retirado, la influencia de Alan Moore continúa muy presente. Las adaptaciones de sus historias a la gran pantalla —muchas de las cuales odia— han contribuido a popularizar su trabajo y lo han convertido en uno de los creadores más presentes e icónicos del mundo del cómic.

Otras entradas en nuestro blog sobre autores de cómics son:

Historia del cómic: Marjane Satrapi, la vida más allá de Persépolis.

Historia del cómic: Art Spiegelman, Maus y el underground.

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Historia del cómic: Marjane Satrapi, la vida más allá de Persépolis

P M.D. — Wed, 17 May 2023 06:00:04 +0000

Hoy en nuestro repaso a figuras importantes de la historia del cómic, dedicamos el blog a Marjane Satrapi, autora franco-iraní que, con su estilo expresionista y su ácido humor, es una de las creadoras de historietas más exitosas de la actualidad.

Marjane Satrapi, una artista entre dos mundos

Marjane Satrapi nació en Irán en 1969, en el seno de una familia progresista. Su padre era ingeniero y su madre diseñadora de moda. Satrapi es hija única y creció en Teherán, donde estudiaba en el Liceo Francés.

Tras la Revolución Islámica iraní de 1979, su infancia se vio marcada por la progresiva restricción de las libertades individuales, especialmente para las mujeres; lo que chocaba con el modo de vida de sus familiares, laicos y de izquierdas.

Su tío Anouche, líder del Partido Comunista de Irán, fue ejecutado por sus opiniones y compromiso político; lo que marcó profundamente a Satrapi.

Con 14 años, sus padres la enviaron a Austria para estudiar en la escuela secundaria francesa de Viena. Allí permaneció hasta los 18, una época complicada en la que los dramas adolescentes se mezclaban con el choque cultural.

Con 19 años regresa a Irán y comienza a estudiar arte. Tras licenciarse en Comunicación Visual en la Escuela de Bellas Artes de Teherán, continúa su formación en la École supérieure des arts décoratifs de Estrasburgo.

Finalmente, Satrapi se instala en París, donde vive desde mediados de los 90.

Una vida contada en cómic

Tras finalizar su formación, Marjane Satrapi entra a formar parte del Atelier des Vosges, un grupo de artistas y dibujantes que tenía su base de operaciones en la Place des Vosges de París.

Allí comienza a trabajar con dibujantes como Émile Bravo, Fabrice Tarrin, Christophe Blain, Joann Sfar, Frédéric Boilet y David B.

Aunque ya dibujaba desde hace años, para Satrapi el cómic comienza a ser una opción viable para expresar su creatividad cuando descubre la novela gráfica Maus, de Art Spiegelman.

El libro de Spiegelman le inspira para contar su propia historia, la de una adolescente inquieta que pasea con sus zapatillas occidentales por una ciudad bombardeada tras la Guerra de Irán-Irak.

Persépolis consta de cuatro tomos, publicados entre 2000 y 2003, y retratan su infancia y adolescencia en el Irán de la Revolución Islámica y la Europa de los años 90.

Con su estilo visual influenciado por el expresionismo alemán del cine y su talento narrativo, que combina el humor con el drama político, la historia de Satrapi se convirtió en un fenómeno editorial inmediato.

Una autora más allá de Persépolis

Tras el éxito de Persépolis, Marjane Satrapi, publica sus siguientes cómics, ambientados en Irán: Broderies, que narra las historias que su madre y su abuela le contaban, y Poulet aux prunes, la historia de su tío abuelo, un mítico intérprete de laúd.

En 2004, ambos álbumes son nominados al Premio al Mejor Cómic en el Festival de Angoulême, que finalmente obtiene Poulet aux prunes.

Entonces, en pleno éxito, Marjane Satrapi decide dejar el cómic para dedicarse a la pintura y al cine.

Satrapi comienza a trabajar en la adaptación al cine de Persépolis, junto a Vincent Paronnaud. La película es premiada el festival de Cannes de 2007 y en los premios César de 2008.

Su siguiente film -esta vez no animado-, también codirigido por Paronnaud, Chicken with Plums, se estrenó en 2011.

Con The Voices, la primera vez que no adapta una de sus obras, ganó premios en L’Étrange Festival y Gérardmer, en 2014.

En 2019, Satrapi dirigió Radioactive, una película biográfica sobre Marie Curie, protagonizada por Rosamund Pike, Sam Riley y Anya Taylor-Joy.

Además de su faceta como directora, Marjane Satrapi también ha cultivado su carrera como pintora. Como artista plástica, Satrapi se centra en la mujer como protagonista absoluta de sus obras.

En 2021, el Ministerio de Cultura francés le encargó diseñar un tríptico para los Juegos Olímpicos de 2024, que será reproducido en un tapiz por los artesanos de la Manufacture des Gobelins.

Como reconocimiento a su contribución a la cultura, Marjane Satrapi fue condecorada en 2022 como Commandeur de l’ordre des Arts et des Lettres, la más alta distinción que otorga el Gobierno francés a las artes.

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Historia del cómic: Art Spiegelman, Maus y el underground

P M.D. — Wed, 29 Mar 2023 06:00:05 +0000

Tras Will Eisner y Hergé, continuamos nuestro repaso por las grandes figuras de la historia del cómic con Art Spiegelman, creador de Maus y uno de los autores más influyentes del mundo de la historieta.

Art Spiegelman, un creador underground en las alturas

Art Spiegelman es mundialmente conocido por su novela gráfica Maus, la primera historieta galardonada con un premio Pulitzer.

Spiegelman nació en Suecia de una familia de inmigrantes judíos polacos, supervivientes del campo de concentración de Auschwitz. En 1951, llegaron a Estados Unidos y fijaron su residencia en Nueva York, junto a los pocos miembros de su familia que aún vivían tras el Holocausto.

Ya de muy pequeño, con 11 años, comenzó a hacer dibujos imitando el estilo de sus cómics favoritos, como Mad. De adolescente, comenzó a colaborar en fanzines como Smudge y Skip Williamson’s Squire. En el instituto creó su propio fanzine, Blasé, inspirado en Mad.

Aunque resulte increíble, el joven Spiegelman ya vendía su obra e incluso recibió ofertas para sindicarse y realizar tiras cómicas con contrato.

Sin embargo, decidió continuar con su formación en la High School of Art and Design, donde se graduó en 1965.

Aunque inmediatamente consiguió vender sus tiras, los padres de Spiegelman querían que buscara la seguridad económica y lo animaron a estudiar Odontología. Sin embargo, Art se decantó por estudiar Arte y Filosofía en el Harpur College, donde colaboró como caricaturista en el periódico universitario y editó una revista de humor.

Mientras estudiaba, también trabajaba como dibujante en la empresa de golosinas Topps Chewing Gum Company, una relación comercial que le proporcionó ingresos durante más de dos décadas.

Su trabajo como consultor creativo en Topps le dio la ansiada seguridad económica que deseaban sus padres. Allí creaba cromos y otros productos relacionados con las golosinas que comercializaba la empresa, como los míticos Garbage Pail Kids.

Durante esos años, Spiegelman comenzó a vender cómics autoeditados y publicó dibujos en varios fanzines underground de la época, como East Village Other.

En 1971, Spiegelman se mudó a San Francisco y pasó a formar parte del movimiento de cómic underground contracultural que se estaba desarrollando en esos momentos en la ciudad californiana.

Allí creo varios cómics de espíritu transgresor y su trabajo apareció en revistas como Gothic Blimp Works, Bijou Funnies, Young Lust, Real Pulp o Bizarre Sex.

En 1972, le encargaron una tira de tres páginas para el primer número de Funny Aminals (sic). Spiegelman quería tratar el tema del racismo y consideró una historia con afroamericanos como ratones y gatos en el papel del Ku Klux Klan.

Sin embargo, pronto cambió de idea y decidió contar la historia que mejor conocía, la de su familia. Así nació la tira Maus, en la que se describía a los judíos como ratones perseguidos por “die Katzen”, que eran nazis retratados como gatos.

Con esta historia, su historia, Spiegelman sintió que había encontrado su voz como artista.

Durante la primera década de los 70, Spiegelman continuó publicando obras underground, con temas considerados escabrosos o, directamente, pornográficos.

Además, editó junto a Bill Griffith la revista Arcade, en la que se combinaban los dibujos de Robert Crumb con textos de William S. Burroughs y Charles Bukowski. El objetivo era mostrar cómo los cómics se relacionan con otras manifestaciones culturales.

Portadas de la revista Raw.

Raw y la novela gráfica Maus

A finales de los 70, Spiegelman conoció a la que sería su pareja, la editora y diseñadora Françoise Mouly.

La última obra de Spiegelman había sido un fracaso, tras una mala experiencia con la imprenta – que hizo que el 30% de la tirada quedara inservible- y una pésima política de distribución y ventas.

Como reacción, Françoise Mouly convenció a Spiegelman para lanzar una nueva revista que editarían ellos mismos. Compró una imprenta offset que instaló en su casa y fue la encargada de imprimir y editar la revista, a la que llamaron Raw.

Con Mouly como editora, Spiegelman lanzó Raw en 1980. Si bien incluía el trabajo de caricaturistas underground tan reconocidos como Crumb o Griffith, Raw se centró en publicar artistas que eran prácticamente desconocidos, caricaturistas de vanguardia como Charles Burns, Lynda Barry, Chris Ware, Ben Katchor y Gary Panter. También presentó al público de habla inglesa las traducciones de obras extranjeras de José Muñoz, Chéri Samba, Joost Swarte, Yoshiharu Tsuge y Jacques Tardi; entre otros.

Spiegelman comenzó a trabajar en la creación de una obra del tamaño de un libro, basada en los recuerdos de su padre sobre el Holocausto. Para ello, Spiegelman comenzó a entrevistar a su padre y realizó una visita de investigación al campo de concentración de Auschwitz, donde su familia había sido encarcelada por los nazis.

El primer capítulo de Maus apareció como un inserto en Raw, pero no fue hasta 1986, después de la publicación de una entusiasta crítica en The New York Times, cuando la editorial Pantheon accedió a publicar una colección de los primeros seis capítulos.

Portada del primer volumen de Maus, 1986 Pantheon Books.

Maus fue un éxito inmediato que encontró una gran número de lectores, en parte porque se vendió en librerías en lugar de en tiendas de cómics o quioscos, que en los años 80 eran los puntos de venta habituales para las historietas.

Con el éxito de Maus y su madurez como artista, Spiegelman comenzó a enseñar en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York en 1978 y continuó, hasta 1987, dando clase junto a sus héroes Harvey Kurtzman y Will Eisner.

En 1991 se publicó el tomo completo de Maus: una historia posmoderna que muestra a los alemanes como gatos, a los judíos como ratones y a los polacos como cerdos.

Tras su publicación, Maus ganó multitud de premios, incluido un premio Pulitzer especial. Con Maus, el cómic comenzó a considerarse un medio que podía formar parte de la “alta cultura” y no ser solo un producto de entretenimiento de masas.

Viñeta de Maus, vía The Center for Cartoon Studies.

La vida después de Maus

En 1992, Spiegelman fue contratado como artista colaborador para The New Yorker, donde publicó durante 10 años. Además, trabajó como editor de cómics de New York Press y de la revista Details.

Durante la década de los 90, la influencia de Spiegelman en los círculos de caricaturistas de Nueva York no dejó de crecer.

En 1997, Spiegelman publicó su primer libro para niños, Ábreme… Soy un perro, con un narrador que trata de convencer a sus lectores de que es un perro a través de ventanas emergentes y una correa atada. De 2000 a 2003, Spiegelman y Mouly editaron tres números de la antología de cómics para niños Little Lit, con contribuciones de ex colaboradores de Raw y autores e ilustradores de libros para niños.

Tras el 11S, no renovó su contrato con el New Yorker. Spiegelman dijo que su separación de la revista era parte de su decepción general con «el conformismo generalizado de los medios de comunicación en la era de Bush» y porque la revista no quería embarcarse en su nuevo proyecto, un trabajo serializado.

Spiegelman continuó publicando en otros medios, como el alemán Die Zeit o Harper’s Magazine.

Además, autoeditó, junto a Mouly, una serie de historietas para niños para promover su alfabetización. La serie Toon Books, con historias de artistas como Spiegelman, Renée French y Rutu Modan; muy reconocida por su valor educativo.

En 2015, Spiegelman volvió a hacer gala de su compromiso con la libertad de expresión. Tras la renuncia de seis escritores a formar parte de un acto en el PEN American Center por el «premio al valor de la libertad de expresión» otorgado al periódico Charlie Hebdo tras el tiroteo en su sede, Spiegelman acordó ser uno de los anfitriones de reemplazo, junto con otros nombres en cómics como el escritor Neil Gaiman.

Un escritor que dibuja

Art Spiegelman ha declarado en repetidas ocasiones que no se ve a sí mismo como un artista visual, sino más bien como escritor. Somete sus diálogos e imágenes a una revisión constante, de hecho, reelaboró algunos de los bocadillos de diálogo en Maus hasta cuarenta veces.

Pese a su autocrítica feroz, Art Spiegelman está considerado uno de los autores de cómics más importantes de la historia. Su trabajo con Maus y la repercusión de la obra, derribando los muros y los prejuicios artísticos y culturales, le sitúan en el Olimpo de los creadores.

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Farangi, un cómic ambientado en el corazón de Etiopía

P M.D. — Wed, 08 Feb 2023 07:00:57 +0000

Hoy destacamos en nuestro blog el cómic Farangi, de Alejo Ecube y Amelia Fornés. Una historia real, que hemos impreso en La Imprenta CG, ambientada en un hospital rural de Etiopía y que recrea el día a día de los trabajadores locales, voluntarios, cooperantes de ONGs y misioneros; así como sus relaciones, motivaciones, dudas y crisis.

El día a día de un hospital rural etíope, protagonista de Farangi

Farangi narra la experiencia de la farmacéutica Amelia Fornés trabajando en Etiopía y otros países africanos. Además de ser un retrato de la cotidianidad del trabajo en un hospital rural, también es la historia de cómo Amelia y sus compañeros se implicaron en el reto de liberar a una madre y a sus siete hijos de un marido maltratador.

Alejo Ecube y Amelia Fornés se conocieron en un taller de dibujo. Ella quería aprender a dibujar para contar la historia de Farangi y encontró en Alejo el mejor cómplice para hacer realidad este cómic.

Para Alejo Ecube, todo lo que ha dibujado en su vida ha sido un aprendizaje para poder hacer Farangi: “Esta historia tenía que ser contada y he hecho todo lo posible para que vea la luz”. Para él, fundador de la empresa FDSA Desarrollo, escritor de libros empresariales y un auténtico todoterreno, el cómic es su “idioma materno”.

Alejo Ecube es hijo de africanos, venidos de Guinea Ecuatorial. Aunque no conoce muchos de los países en los que Amelia ha trabajado, cuando empezaron a idear Farangi reconocía las similitudes con Guinea de muchas cosas de las que ella narraba.

Además, para Ecube, el modo en que Amelia contaba su historia, sin autocomplacencia y con mucho conocimiento de causa, fue fundamental a la hora de unirse a Farangi.

Los dibujos de Ecube acompañan a la perfección la historia de Amelia Fornés, farmacéutica y especializada en Políticas de Cooperación al Desarrollo por la Universidad del Páis Vasco.

Amelia ha trabajado en varios países africanos y actualmente es la responsable de proyectos de la Fundación Barceló, una organización que trabaja principalmente en países del cuerno de África.

Durante 2012 y 2013 estuvo trabajando Etiopía, en un hospital rural y, a raíz de esa estancia, decidió escribir Farangi.

Los beneficios del comic Farangi

En 2022, los autores autoeditaron el cómic Farangi. Con una edición de 400 ejemplares, los beneficios de su venta están destinados en su totalidad (incluyendo los costes de publicación, que también van a aportar al proyecto) a un proyecto de agricultura en Goro, Etiopía.

En él, se trabaja con la etnia Gumuz, que todavía vive de un modo tradicional y cultiva lo justo para sobrevivir. Con el desarrollo de este proyecto, se ayudará a un total de 178 familias a cultivar otro tipo de productos, repartiendo semillas y fertilizantes, trabajando de forma comunitaria con bueyes compartidos.

Para el equipo de La Imprenta CG ha sido muy especial trabajar en la impresión del cómic Farangi, si quieres hacerte con tu ejemplar, puedes hacerlo aquí.

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Historia del cómic: Hergé, creador de Las aventuras de Tintín

P M.D. — Wed, 04 Jan 2023 07:00:42 +0000

Si Will Eisner está considerado el creador de la novela gráfica, Georges Remi, Hergé, es sin duda uno de los padres fundadores del cómic europeo actual y una figura controvertida por sus ideas políticas. Precursor de la “línea clara”, su influencia aún puede verse en algunos de los más destacados creadores de la actualidad, como el valenciano Paco Roca.

Hergé, un boy scout en busca de aventura

Georges Prosper Remi es un dibujante y guionista belga nacido en 1907, más conocido como Hergé. El seudónimo hace referencia a la pronunciación en francés de sus iniciales al revés, (R y G, por Remi y Georges).

Hergé es conocido mundialmente por ser el creador de Las aventuras de Tintín, un clásico del cómic y un icono de la cultura pop.

Además de al intrépido reportero, Hergé creó también las aventuras de Jo, Zette y Jocko y Quique y Flupi.

Hergé vivió una infancia marcada por la Primera Guerra Mundial. Aunque su primera formación fue laica, en la escuela municipal y en los Boy Scouts de Bélgica, debido a la presión del jefe de su padre, Hergé cambia de escuela en secundaria a un colegio religioso y abandona los scouts laicos por la Federación de Boy Scouts Católicos.

Esta “traición” fue uno de los episodios que marcó a Hergé de joven y muchas de las historias que luego escribió y dibujó estuvieron influenciadas por las normas e ideario de los scouts.

Aunque fue un estudiante brillante que dibujaba muy bien, nunca tomo clases de arte. Durante su juventud, comenzó a dibujar algunas ilustraciones e historietas que se publicaban en las revistas de los scouts. En 1926, Hergé crea su primera serie de historietas Las aventuras de Totor, jefe de la patrulla de los abejorros.

Tras acabar su formación secundaria, Hergé comienza a trabajar en Le XXème Siècle, un periódico ultraconservador y religioso. Tras realizar el servicio militar, en 1927, el periódico le emplea como aprendiz de fotógrafo e ilustrador.

El director de la publicación decidió incluir un suplemento para jóvenes, nace así Le Petit Vingtième, donde Hergé comenzó a desplegar su talento para las historietas.

En 1929, Hergé retoma el personaje de Totor, actualizándolo y cambiando algunas letras de su nombre. Lo convirtió en reportero y añadió un perro. Había nacido Las aventuras de Tintín.

Las aventuras de Tintín, un clásico del cómic

Tintín comenzó sus aventuras en la Unión Soviética, donde se enfrenta a los bolcheviques. El éxito inmediato de la serie, anima a Hergé a continuar con nuevas aventuras que situarán al reportero pelirrojo en el Congo. Tintín comienza a publicarse también en Francia y se inicia así una andadura internacional que abarca casi todo el globo.

En 1932, se lanza Tintín en América y la editorial Casterman tantea a Hergé para publicar sus álbumes completos.

Hergé crea otros personajes y series para Le Petit Vingtième, pero en ninguna se siente tan libre creativa y temáticamente como con Tintín, del que creará 24 aventuras a lo largo de su carrera.

Luces y sombras de Hergé

El talento y el estilo de Hergé para el dibujo es incontestable y la admiración que despierta no tiene dudas. Sin embargo, la temática de su obra es más polémica si la analizamos desde el punto de vista actual.

Aunque el personaje de Tintín lucha contra las injusticias de un modo valiente y decidido, una lectura actualizada de los textos de Hergé hace que el colonialismo, el paternalismo, el tratamiento de los personajes de otras razas o de las mujeres que encontramos en sus páginas sea, cuanto menos, una píldora difícil de tragar para el lector de hoy en día.

Otra de las sombras de la trayectoria de Hergé fue su decisión de seguir publicando durante la ocupación nazi de Bélgica, al contrario que muchos de sus compañeros que abandonaron su profesión, ya que la mayoría de los medios de comunicación estaban en manos de los nazis.

Cuando Le XXème Siécle cerró, Hergé continuó publicando en Le Soir, un medio pronazi.

Durante esa época, Hergé huyó de los temas de actualidad, para evitar posicionarse y sus aventuras se centraron en búsquedas de tesoros, exploraciones de meteoritos y maldiciones incas. Ya no había visitas a la Unión Soviética.

Es en esta etapa donde Hergé desarrolla más a los personajes y aparecen el capitán Haddock y el Profesor Tornasol.

Al acabar la Segunda Guerra Mundial, Hergé se enfrenta a sus decisiones de seguir trabajando bajo la ocupación nazi y fue arrestado acusado de simpatizar con el Nazismo y de colaboracionista, ya que con sus historias aumentaban las ventas de los periódicos controlados por los alemanes.

Aunque en Las aventuras de Tintín no hay un mensaje político ligado al nazismo explícito, su mensaje sí es decididamente conservador. Por ejemplo, Tintín en el país de los Soviets fue encargado por un reconocido fascista belga, para lanzar un mensaje anticomunista a los jóvenes.

Mas tarde, Hergé reconoció su error en el tratamiento de ciertos personajes y tramas, especialmente los de otras razas o religiones. En 1973, aseguraba en una entrevista: «Mi ingenuidad de aquella época rozaba la necedad, podríamos decir que incluso la estupidez».

En 1946, Hergé recibió el “perdón” social gracias al editor y combatiente de la resistencia Raymond Leblanc, que financió al dibujante y le apoyó públicamente para lanzar la revista Tintín.

La revista Tintín era una publicación semanal, que se convirtió en un éxito inmediato con una tirada de 100.000 ejemplares.

Desde hacía tiempo Hergé contaba con la colaboración de Edgar Pierre Jacobs y otros ayudantes. Con el aumento del peso de su trabajo, Jacobs pide más reconocimiento. Ante la negativa de Hergé, Jacobs comienza su andadura en solitario, que incluye otro clásico del cómic europeo: Blake y Mortimer.

Durante los años 50, la presión y el sentimiento de culpa por su experiencia de posguerra lleva a Hergé a una crisis nerviosa, que retrasa la publicación de Las aventuras de Tintín.

Para descargar al creador nacen los Estudios Hergé, en los que varios dibujantes ayudaban a Hergé en sus viñetas. Bob De Moor es uno de los más destacados, con sus detalles y fondos para Aterrizaje en la Luna.

Tras varias crisis personales, Hergé se embarca en Tintín en el Tibet, posiblemente su obra más personal y su favorita de toda la serie. En 1961, 1966 y 1975 se publican las últimas tres historias de Tintín, a un ritmo mucho más sosegado y tranquilo.

Pero, tras 24 títulos, Tintín es ya un icono global que ha aparecido en diversos productos de merchandising y en películas de animación.

En 1983, Hergé fallece, dejando inacabada la última aventura: Tintín y el Arte-Alfa. El autor no quería que otro dibujante retomara al personaje y este último álbum se publicó a de manera póstuma como un conjunto de notas y bocetos.

Durante estos años la influencia de Tintín y el estilo de Hergé continúa presente, gracias a sus seguidores y a películas como la dirigida por Steven Spielberg. Hergé, sin duda, es un personaje complejo y su obra una cumbre del cómic europeo, aunque algunas de sus viñetas sea imposible no leerlas actualmente con una mirada crítica.

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Historia del cómic: Will Eisner, padre de la novela gráfica

P M.D. — Wed, 19 Oct 2022 06:00:31 +0000

Will Eisner está considerado como el padre de la novela gráfica. Creador entre otros del personaje The Spirit, popularizó el cómic más allá del público infantil y juvenil.

Will Eisner, un historietista de cuna

William Erwin Eisner nació en Nueva York, en 1917. Su padre, de origen ucraniano, se dedicaba a pintar telones de fondo para el vodevil y el teatro judío. Su madre, de ascendencia rumana, nació en el barco rumbo a Estados Unidos y la temprana muerte de sus padres hizo que no pudiera tener estudios.

La familia de Will Eisner era muy pobre y tuvo que mudarse en repetidas ocasiones, sin salir de Nueva York. Para disgusto de su madre, Will heredó el gusanillo por el arte de su padre, que le animaba y compraba materiales de dibujo en cuanto tenía ocasión.

Con 13 años, Will Eisner comenzó a trabajar como vendedor de periódicos, al tiempo que seguía estudiando en la escuela secundaria DeWitt Clinton.

Allí comenzó a dibujar para el periódico escolar, la revista literaria y el anuario. Además, siguiendo el camino de su padre, realizó la escenografía de diferentes obras de la escuela.

Tras graduarse, estudió con el artista canadiense George Brant Bridgman durante un año en la Art Students League de Nueva York. Con los contactos que hizo allí, consiguió un trabajo como escritor publicitario y caricaturista para el periódico New York American. Durante esa época, Eisner también dibujó para diferentes publicaciones “pulp”, como Western Sheriffs y Outlaws.

Con 19 años, su amigo del instituto Bob Kane (considerado el creador de Batman), animó a Eisner a que vendiera dibujos para una nueva publicación: Wow, What A Magazine!, que no solo incluía reimpresiones de tiras cómicas, sino que contaba con material nuevo hecho ex profeso para la revista.

En Wow publicó la serie de aventuras Captain Scott Dalton; la historieta de piratas The Flame y la historia de espionaje Harry Karry.

La aventura de Wow duró cuatro números. Tras el cierre, Will Eisner y su compañero Jerry Iger comenzaron a trabajar juntos, produciendo y vendiendo material original de cómics, anticipando un aumento de la demanda de este tipo de material gráfico.

Su asociación fue todo un éxito comercial y pronto tuvieron a su cargo a un grupo estable de creadores de cómics (entre ellos, Bob Kane y Jack Kirby) que proporcionaban material a Fox Comics, Fiction House, Quality Comics; entre otros.

Hawks of the Seas fue la creación más importante de Will Eisner durante esta etapa.

La creación de The Spirit

A finales de 1939, Will Eisner recibió una oferta difícil de rechazar. Varios periódicos dominicales querían su trozo del pastel de las nuevas publicaciones de cómic, que se habían convertido en una competencia a tener en cuenta.

Aunque Eisner & Iger iba viento en popa, este nuevo encargo era demasiado grande para compaginarlo con el estudio.

Will Eisner aceptó hacer el cómic del dominical. Eso sí, no sin antes asegurarse un buen trato: sería socio de la “Sección de cómics”, produciría otras dos revistas y, lo más importante, los derechos de autor serían suyos si sus caminos se separaban (algo que ya había conseguido en su estudio).

Tras vender su parte del estudio, Will Eisner se fue a los periódicos dominicales, donde creó The Spirit. Esa nueva plataforma para sus creaciones le dio acceso a una audiencia adulta: «Yo quería escribir cosas mejores que los superhéroes. Los cómics eran un gueto. Vendí mi parte de la empresa a mi socio y luego comencé The Spirit. Querían un personaje heroico, un personaje disfrazado. Me preguntaron si tendría un disfraz. Y le puse una máscara y dije: ‘¡Sí, tiene un disfraz!'», afirmó el autor en 1997.

The Spirit nació en 1940 y continuó hasta 1952 luchando contra el crimen. La historia de Danny Colt, un detective privado sin superpoderes, se publicaba en un suplemento dominical de 16 páginas, que llegó a distribuirse en 20 periódicos con una circulación combinada de hasta cinco millones de copias.

La II Guerra Mundial y los cómics bélicos

Will Eisner fue reclutado por el ejército de los EE.UU. a principios de 1942. Fue destinado al periódico del campamento Aberdeen Proving Ground. Durante la guerra, ayudó a realizar publicaciones y animaciones para la formación de los soldados. Esa labor de formación se prolongó más allá de la guerra, hasta los años 70 del siglo pasado.

Durante la guerra, The Spirit siguió publicándose gracias al trabajo de otros dibujantes, que Eisner tenía trabajando en su estudio bajo su supervisión. Algunos publicaron con sus nombres y otros ejercieron de “negros” de Eisner.

Tras la guerra, Eisner volvió a su estudio y creó la mayor parte de las historias de The Spirit, con las que consolidó su reputación y fama.

The Spirit dejó de publicarse en 1952, aunque ya convertido en un clásico fue reimpreso por varios editores durante las décadas de 1960 y 1970.

La novela gráfica

A finales de la década de 1970, Will Eisner comenzó a centrarse en formas narrativas más largas e historias más personales. A Contract with God and Other Tenement Stories es un ejemplo temprano de novela gráfica estadounidense, que combina historias cortas vinculadas temáticamente en un solo volumen encuadernado en cuadrados.

Eisner continuó con una serie de novelas gráficas que cuentan la historia de las comunidades de inmigrantes de Nueva York, en particular los judíos, incluyendo The Building, A Life Force, Dropsie Avenue y To the Heart of the Storm.

Continuó produciendo nuevos libros durante los setenta y los ochenta, a un ritmo promedio de casi uno al año. Algunos de sus últimos trabajos fueron adaptaciones de novelas y mitos, incluido el clásico de Herman Melville, Moby Dick.

En 2002, a la edad de 85 años, publicó Sundiata, basada en las historias en parte históricas y en parte míticas de un rey de África occidental, «El león de Malí».

Su última novela gráfica, The Plot: The Secret Story of The Protocols of the Elders of Zion, es un relato que condena el antisemitismo y lo completó poco antes de su muerte. Fue publicado en 2005.

Además de su prolífica carrera como historietista, Will Eisner dedicó su tiempo a la docencia. Enseñó en la Escuela de Artes Visuales de la ciudad de Nueva York, donde publicó Will Eisner’s Gallery, una colección de trabajos de sus alumnos y escribió dos libros basados en estas conferencias, Comics and Sequential Art y Graphic Storytelling and Visual Narrative, que son ampliamente utilizados por los estudiantes de dibujos animados.

Will Eisner es reconocido como uno de los historietistas más destacados de la Historia del Cómic, de hecho, los galardones más importantes de la industria del cómic llevan su nombre: Premios Eisner. Qué mejor honor que ese.

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Sergio García Sánchez, Premio Nacional de Ilustración 2022

P M.D. — Wed, 20 Jul 2022 06:00:05 +0000

El ilustrador Sergio García Sánchez recibió recientemente el Premio Nacional de Ilustración 2022, un galardón que reconoce el trabajo realizado por los ilustradores españoles en el ámbito del libro y de las letras.

Portada para The New Yorker. 2021.

Sergio García Sánchez, una vida dibujando

El granadino Sergio García Sánchez estudió Bellas Artes en la Universidad de Granada, donde actualmente es profesor titular en el Departamento de Dibujo.

Además de historietista y teórico de la Historieta, la actividad profesional de Sergio García Sánchez se centra en la ilustración editorial, el cómic y la ilustración infantil.

Sergio García comenzó a trabajar como dibujante de cómics en la revista Viñetas de Ediciones Glénat, donde realizaba la página Ralph Edison. En la misma editorial publicó su miniserie Amura.

Su cómic Utopía fue premiado en el Festival de Illzach (Francia) y le abrió las puertas del mercado francés. Desde ese momento, comenzó a colaborar con destacados guionistas del cómic francés: Les Trois Chemins, con Lewis Trondheim, y Dexter London, con Léo.

Además, junto a Trondheim publicó en 2006 el libro teórico Cómo hacer un cómic. Como teórico también es autor de Anatomía de una historieta e Historia de una página.

Alice in Wonderland, para The New York Times Boolk Review, 2018.

Sidi, El País Semanal, 2019.

En 2011 publica Odi’s blog, junto a Lola Moral y en 2015 ilustró el libro de Nadja Spiegelman Perdidos en NYC, con el que han obtenido numerosos premios educativos.

En 2021, fue el encargado de ilustrar la portada del 96 aniversario del mítico The New Yorker.

Sergio García Sánchez ha trabajado para The New Yorker, The New York Times, El País, Toon Books, Dargaud, Delcourt, Dibbuks, Ediciones Santillana y Ediciones SM; entre otros destacados medios y editoriales.

Su carrera se ha desarrollado principalmente en el mercado francés y mucha de su obra no ha sido publicada en España. Los amantes de la ilustración esperamos que este premio enmiende ese error y que el trabajo de García Sánchez llegue a las librerías españolas.

Lost in NY, 2015.

Mundo Postcovid para El Correo. 2020.

Ética en las aulas. Para El País, 2021.

Sergio García Sánchez, narrando con imágenes

Para el jurado del Premio Nacional de Ilustración, García Sánchez destaca por ampliar “el formato libro llevando la narración gráfica a otros lugares y por multiplicar las posibilidades de la ilustración con imágenes que por sí solas narran”.

El jurado también ha señalado que goza “de un lenguaje propio y singular, además de una técnica con una riqueza lineal que se adentra al infinito”.

Además del Premio Nacional de Ilustración, a lo largo de su carrera Sergio García Sánchez ha sido galardonado con los premios ÑH, APIM, Society of Illustrators, American Illustration, School Library Journal, Kirkus, Festival Internacional de Bande Dessinnée de Sierre & CBBD-Centre Belge de la Bande Déssinne.

¡Enhorabuena a Sergio García Sánchez por este merecido reconocimiento!

2019, para El País, 2020.

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Los pioneros del cómic, un viaje a los orígenes de la historieta

P M.D. — Wed, 11 May 2022 06:00:28 +0000

Os presentamos un libro que hemos impreso en nuestros talleres, Los pioneros del cómic y que reúne, en una nueva edición, la obra de los historietistas de la edad de oro de la caricatura francesa, considerada el origen del cómic actual.

Los pioneros del cómic, buceando en los orígenes del tebeo

El libro Los pioneros del cómic ofrece, en una nueva edición revisada y mejorada (y en un nuevo formato), la obra de los historietistas más destacados de la primera edad dorada de la caricatura francesa: las historias de Monsieur Cryptogame, la narración gráfica más popular de Rodolphe Töpffer (1799-1846), considerado el padre del cómic, publicada por entregas en la prensa parisina, Los trabajos de Hércules de Gustave Doré, Las impresiones del viaje de Monsieur Boniface de Cham y tres breves Historias campesinas de Léonce Petit.

Estas narraciones gráficas surgieron al calor de publicaciones satíricas como La Caricature (1830) y Le Charivari (1832), y de la obra de los grandes caricaturistas del momento, Daumier y Grandville, así como del propio Töpffer, considerado el creador y también el primer teórico del cómic.

Rodolphe Töpffer, el padre del cómic

Rodolphe Töpffer (Ginebra, 1799-1846) fue un pedagogo y literato suizo francófono. Aunque hizo carrera como escritor, su mayor aportación a la historia de la Literatura fueron sus novedosas, satíricas y surrealistas narraciones gráficas, que cosecharon gran éxito en su día y que con el correr de los años fueron elogiadas por figuras tan notables como Goethe, Alfred Jarry, Jean Cocteau o Le Corbusier.

Las historias gráficas de Töpffer influyeron notablemente en numerosos artistas, como Cham, Gustave Doré y Nadar.

El libro Los pioneros del cómic incluye un estudio introductorio escrito por el historiador David Kunzle, que explica el nacimiento del cómic en Europa, mucho antes de que en Estados Unidos se codificara el uso de los globos de texto o bocadillos.

En palabras del divulgador Jesús Jiménez, nos encontramos ante “cuatro divertidos cómics que cualquier aficionado debería tener en su colección y que deberían estar disponibles en todas las bibliotecas. Porque solo sabiendo de dónde viene el cómic podemos aventurar hasta dónde puede llegar”.

La portada del libro es obra de César Sebastián (Valencia, 1989), historietista, ilustrador y docente. Como ilustrador ha trabajado en todo tipo de proyectos: portadista de libros y discos, ilustrador de libros de texto o storyboards. Es el responsable del diseño de la línea gráfica de la editorial El Nadir.

La antología y edición del libro es obra de René Parra (Valencia, 1989), traductor del francés, profesor de Historia del Arte y del Diseño en la EASDO, y responsable de la editorial El Nadir.

René Parra, con un ejemplar de Los pioneros del comic.

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Cinco comics para regalar en Reyes y acertar

P M.D. — Wed, 29 Dec 2021 07:00:29 +0000

Ya hemos pasado el ecuador de las vacaciones navideñas, pero aún nos queda el sprint final con Nochevieja y Reyes, el día de los regalos por excelencia. Por eso, os queremos recomendar cinco cómics para regalar en Reyes para todos los gustos y acertar con los yayos y los adolescentes.

Cómics para regalar para toda la familia y amigos

Todo bajo el sol, de Ana Penyas.

El nuevo cómic de la valenciana Ana Penyas, que en 2018 se convirtió en la primera mujer en ganar el Premio Nacional del Cómic, nos lleva a la costa levantina de los años sesenta para contarnos, a través de la historia de una familia, las devastadoras consecuencias del turismo de masas, motor principal del desarrollismo económico durante la dictadura.

Warburg & Beach, de Jorge Carrión y Javier Olivares.

Los autores Jorge Carrión y Javier Olivares ofrecen al lector una experiencia única, gracias a este original cómic, un ensayo entre viñetas y collages.

El libro nos cuenta las vidas del historiador alemán Aby Warburg, creador de la biblioteca Warburg, y de la librera estadounidense Sylvia Beach, fundadora de Shakespeare & Co. Ambos cambiaron para siempre la relación entre los escritores y los lectores, los libros y la literatura.

Tokio Revengers, de Ken Wakui.

El fenómeno manga de Tokio Revengers llega a nuestro país dispuesto a arrasar entre los más vendidos. Tokio Revengers es una serie de manga creada por Ken Wakui y publicada en la revista Shōnen Magazine desde 2017.

Tokio Revengers narra la historia de Takemichi, exmiembro de una banda en su juventud, que viaja en el tiempo 12 años atrás para salvar a su novia del instituto, asesinada por la mafia Yakuza. Norma Editorial ha lanzado un pack con los dos primeros números, perfecto para regalar.

Tótem, de Laura Pérez.

Lo último de Laura Pérez (Premio El Ojo Crítico de Cómic 2020), Tótem, llega a las librerías justo para Navidad. Un cómic en el que diferentes personajes y sus historias se integran en un tótem de vivencias. Pedazos que forman parte de una totalidad, un mosaico de experiencias que nos muestra nuestras diferencias y lo que nos une.

Una cita pendiente. Viaje por los Mares del Sur, de Hugo Pratt.

No es un cómic estrictamente hablando, pero Una cita pendiente. Viaje a los Mares del Sur, es una ocasión perfecta para volver a sumergirnos en el mundo del genial Hugo Pratt.

En Una cita pendiente. Viaje a los Mares del Sur el creador de Corto Maltés nos cuenta, a través de sus textos y dibujos, su último viaje al Pacífico, en 1992. Publicado por la Editorial Confluencias, este libro -inédito en castellano hasta ahora- hará las delicias de los amantes de la obra de Pratt.

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Imprimimos el libro ilustrado La Mitad de las Cosas, de Ana Vernia

P M.D. — Wed, 10 Nov 2021 07:00:11 +0000

La Mitad de las Cosas (Inventario de un Mundo Raro), escrito y dibujado por Ana Vernia es uno de los últimos libros que hemos impreso en La Imprenta CG.

La Mitad de las Cosas (Inventario de un Mundo Raro): una gran alegoría

El libro La Mitad de las Cosas (Inventario de un Mundo Raro), escrito y dibujado por Ana Vernia y editado por Ediciones Intrépidas, nos invita a sumergirnos en una gran alegoría.

Se trata de una novela gráfica en la que el arte, el pensamiento y la poesía nos descubren una mirada que nos lleva a encontrarnos con nosotros mismos y a ver con ojos nuevos este mundo raro, abstracto y oscilante que nos rodea.

Para hacer realidad esta publicación tan especial, la autora ha contado con la colaboración de Akane Studio, que se ha encargado del diseño y la maquetación, y el Ajuntament de Vila-real, que ha sido el patrocinador principal.

Ana Vernia, una artista que conecta la ilustración con la escritura

La artista multidisciplinar Ana Vernia desarrolla su trabajo a través de la pintura, el dibujo y la escritura, tres elementos que conecta en sus obras y que le permiten potenciar su enorme deseo de comunicar.

Ana es Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia y completó su formación en la Accademia Albertina di Belle Arti de Turín (Italia).

La obra de Vernia está muy relacionada con su experiencia personal y, a través de su particular lenguaje y su visión del mundo, intenta emocionar con colores potentes y formas dinámicas.

Además, sus obras invitan a la reflexión, con metáforas sutiles y que el lector hace suyas, según su experiencia y percepción de las cosas.

Entre los reconocimientos recibidos por Ana Vernia destaca el Premio Nacional de Pintura de la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos en 2015, con la obra El sueño de Dover, y el Primer Premio, con El estilo en la emergencia, en el Salón de Otoño del Ateneo Mercantil de Valencia, entre otros reconocimientos.

La artista ha expuesto su obra en exposiciones colectivas e individuales en Madrid, Valencia, Barcelona, Castellón, Santander, Bari, Turín, Zurich y París. También ha participado en numerosas Ferias Internacionales como Estampa, Marte o Arte Santander.

La obra de Ana Vernia forma parte de colecciones como la de la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos (Valencia), MACVAC Museo de Arte Contemporáneo V. Aguilera Cerní en Vilafamés (Castellón), Museo del Calzado (Elda, Alicante), Fundación Gaetano Morguese (Bari, Italia), Fundación Balaguer Gonel (Castellón), Ateneo Mercantil (Valencia) y de numerosas colecciones privadas, nacionales e internacionales.

La experiencia de imprimir con nosotros

La relación de los diseñadores de Akane Studio y Ediciones Intrépidas con La Imprenta CG viene de varios libros atrás.

Nos encanta que los clientes repitan, porque es sinónimo de que les gusta nuestra forma de entender el oficio de imprimir. Para ellos somos una apuesta segura a la hora de realizar trabajos de calidad, ya sea en digital o en offset y destacan nuestro trato humano y el saber valorar el papel del diseñador en el proceso creativo y de producción.

¡Que nos ponemos colorados! Pero es que no hay nada que nos guste más que un cliente satisfecho con nuestro trabajo.

La autora del libro Ana Vernia, junto a David Díaz Mundina, editor de Ediciones Intrépidas y director creativo de Akane Studio, posando con el libro.

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Paco Roca nos lleva “al borde del abismo” en agosto

P M.D. — Wed, 04 Aug 2021 06:00:35 +0000

Paco Roca es el encargado de llenar de aventura nuestro calendario en el mes de las vacaciones por excelencia, agosto.

Con motivo de esta colaboración, en La Imprenta CG entrevistamos al dibujante valenciano para que nos cuente cómo trabaja, en qué se inspira y mucho más.

Un contador de historias enamorado del dibujo

Paco Roca (Valencia, 1969) se formó en la Escuela de Arte y Superior de Diseño de Valencia y, aunque su trabajo se centra en el cómic, también realiza ilustraciones, charlas y talleres.

En 2008 y gracias a su novela gráfica Arrugas, Paco Roca recibió el Premio Nacional de Cómic, premiada también en el Salón del Cómic de Barcelona y Premio Dolmen de la crítica; además de Excellence Award del Japan Media Art Festival y haber estado nominado a los premios Eisner. Todo en el mismo año.

Arrugas fue adaptada el cine y en 2011 recibió el Goya a la Mejor Película de Animación y al Mejor Guion Adaptado.

Pero, antes del “boom” Paco Roca, el dibujante valenciano ya llevaba muchos años rodeado de lápices.

Ilustración «Al borde del abismo», que llena de aventura el mes de agosto de nuestro calendario solidario.

Entrevista a Paco Roca

¿Cómo se despertó en ti la necesidad o el deseo de dibujar? ¿Cuál es tu primer recuerdo con un lápiz en la mano?

No recuerdo un momento de la infancia sin tener un lápiz en la mano. Si lo piensas, los niños se expresan antes por medio del dibujo que por la palabra.

A mí me encantaba dibujar, era mi juego y mi forma de expresión. Además, me gustaba contar historias y dibujar cómics era la mejor forma que tenía de hacerlo.

¿Cómo te enfrentas a la hoja en blanco? ¿Tienes algún rito especial, alguna manía?

La verdad es que no tengo un rito especial. Antes tenía algunas manías: mi estudio, soledad, música… Pero desde que soy padre eso ha cambiado. Dibujo y escribo en casi cualquier ambiente.

Lo que sí tengo son trucos que me funcionan para desbloquearme. Antes de hacer una ilustración o un cómic me escribo palabras clave, una declaración de intenciones, frases o conceptos que definen el camino del proyecto que voy a empezar… Y durante el proceso, si me pierdo, vuelvo a ello. Cuando trabajo en un cómic me hago muchos esquemas de las tramas, de los personajes, de los caminos posibles que puede tomar una escena o la propia historia.

Todo esto me ayuda a avanzar.

¿Hay algo que se te resista a la hora de plasmarlo en papel?

Infinidad de cosas. Me frustra mucho mi limitación como autor. Por ejemplo, me cuesta dibujar animales, hay veces que los dibujo en los bocetos porque le da vida a la escena, pero acabo quitándolos del dibujo final porque soy incapaz de hacerlos creíbles.

¿Qué es lo que más raro que has llegado a dibujar?

En mis tiempos de ilustrador publicitario dibujé todo tipo de cosas. Las fases de un forúnculo en la cara de un adolescente, desde el poro se obstruye hasta que el pus se enquista, puede que sea de lo más curioso que he tenido que dibujar. Lo bueno de aquellos dibujos publicitarios en los que debías documentarte sobre asuntos extraños es que siempre tenías luego tema de conversación con los amigos.

Paco Roca, la línea clara valenciana

Si hay un personaje que el público confunde con el autor es el hombre en pijama de Paco Roca, otro de sus grandes éxitos. En la trilogía Un hombre en pijama se recopilan las páginas aparecidas en el periódico Las Provincias y en El País Semanal.

Después de esa publicación, Paco Roca se embarcó en Los Surcos del Azar, que obtuvo el Premio del Salón del Cómic de Barcelona en 2013, Premio Zona Cómic y Finalista al Premio Libro del Año; entre otros.

En 2015 publicó La Casa, galardonado en 2020 con el Premio Eisner a la Mejor Obra Extranjera, pero entre medias vinieron La Encrucijada (en colaboración con el músico José Manuel Casañ), El tesoro del Cisne Negro y su exposición El Dibuixat en el IVAM, ya en 2019, año en que recibe el Inkpot Award en la Cómic Co de San Diego y el Premio Gràffica.

Su más reciente novela gráfica es Regreso al Edén, en la que el autor, a partir de una foto familiar de 1946 en la antigua playa de Nazaret, retrata la España de la posguerra.

¿Quiénes son tus referentes o influencias en literatura, música, etc.?

Muchos y diversos: Hergè, Miyazaki, Ozu, Julio Verne, Borges, Kafka, los dibujos animados de UPA, Saul Bass, los pintores románticos, el jazz, el rock de los sesenta y setenta…

¿Con qué artista o creador/a te correrías una juerga?

Ricky Gervais. Me parece un tipo muy divertido, quizá incluso demasiado intenso. Parece de los que son incapaces de relajarse y siempre intentan ser graciosos, pero me vale para una juerga ocasional. Además, me parece muy interesante las cosas que hace, incluso cuando se aparta del género de la comedia.

¿Nos recomiendas una peli y un libro?

El salario del miedo, una peli clásica que me encanta. Y un libro que me haya emocionado, Stoner, de John Williams.

El sector de la ilustración y el cómic para Paco Roca

Además de cómics y novela gráfica, Paco Roca también crea carteles, portadas de libros, murales, campañas sociales y otras colaboraciones para ONG como Oxfam Intermón, Greenpeace, Amnistía Internacional, etc.

Además de en el IVAM, sus originales han sido expuestos en el MuVim, Las Naves, la Fundación Telefónica de Madrid o el prestigioso Festival Internacional de Bande Dessinée de Angoulême.

Con una larga y exitosa carrera a sus espaldas, Paco Roca conoce lo bueno y lo malo de la profesión.

¿Crees que el trabajo de ilustrador/a está suficientemente reconocido?

A mi modo de ver, tuvo su edad de oro a mediados del siglo pasado y hasta la aparición de la fotografía digital. Y ahora con nuevos estilos más frescos ha resurgido, puede que por el aburrimiento de tanta fotografía. Quizá nos falte que la prensa vuelva a apostar por la ilustración, y con salarios dignos.

¿Qué harías para mejorar la situación?

No sabría decirte, quizá que las instituciones encarguen más ilustraciones, que últimamente lo están haciendo. Y en general ayudas de algún tipo a autónomos.

¿Qué consejo te hubiera gustado recibir cuando empezaste?

Nunca sé qué decir con esta pregunta. Si tuviese que empezar no sabría por dónde. Cuando estaba empezando me obsesionaba eso de “tener un estilo”. Me quedaba en lo superficial, en un grafismo de moda. Con el tiempo he llegado a la conclusión de que “el estilo” es una forma de ver el mundo, de reflexionar sobre él. Una vez sabes qué quieres contar viene el cómo, y no al revés. Y esa manera de ver el mundo viene de ver, leer, escuchar…

Muchas gracias a Paco Roca por colaborar con nosotros en nuestro calendario solidario, cuyos beneficios están destinados a la Fundación Ronald McDonald de Valencia. Para nosotros ha sido un placer contar con él para este proyecto tan especial.

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La Imprenta CG en el Salón del Cómic de Valencia 2020

P M.D. — Fri, 06 Mar 2020 07:00:33 +0000

La pasada semana el equipo de La Imprenta CG acudió al Salón del Cómic de València 2020, que se celebró en Feria Valencia. Nuestro stand estaba cerca de la zona Artist Alley y en él pudisteis conocer algunos de los cómics que hemos impreso en La Imprenta CG, así como el trabajo de los ilustradores de nuestro calendario. Todas las imágenes que han servido para ilustrarlo, estuvieron expuestas en uno de los stands.

Salón del Comic de Valencia 2020: ¡conoce a tus artistas favoritos!

La Imprenta CG colabora este año con el Salón del Cómic de Valencia. Se trata de un encuentro festivo y cultural, en el que se dan cita la industria editorial y audiovisual del cómic (nacional e internacional), autores, actores, youtubers y los aficionados. Además, cuenta con un montón de actividades y 500 metros cuadrados de exposición en la que encontrar los cómics perfectos para tu colección.

CONSEJOS PARA IMPRIMIR CÓMICS

El Salón del Cómic contó con más de 170 expositores del sector, lo que lo ha convertido en una ocasión perfecta para conocer las novedades más importantes, comprar merchandising exclusivo y descubrir joyas de pequeñas editoriales.

Además, en el Salón los amantes del cómic pudieron conocer a más de 60 autores nacionales e internacionales, como Brian Azzarello (guionista de la novela gráfica Joker), Joe Benett (conocido por su trabajo con Hulk), el prestigioso dibujante francés de origen iraquí Charles Berberian (Monsieur Jean) o Nazario, el padre del cómic underground en nuestro país.

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Por lo que respecta a actores, el salón contó con la presencia, entre otros, de Jack Quaid de Los Juego del Hambre, Jaime Lorente de La Casa de Papel o Brays Efe, de Paquita Salas.

Los fans pudieron conocer a los actores, directores y técnicos, fotografiarse con ellos y conseguir su autógrafo.

En el Salón también estuvieron algunos de los mejores youtubers del sector como 365 Bocetos, Tomos y Grapas, Mr. Vicio o Loulogio.

Cosplayers repartiendo en MetroValencia los flyers que hemos impreso en La Imprenta CG.

Más de 100 actividades relacionadas con el mundo del cómic

El Salón del Cómic de Valencia 2020 ha contado con una increíble programación de actividades, charlas, mesas redondas y talleres impartidos por expertos. Con la entrada al Salón se podía acceder a todas las actividades de forma gratuita.

Además, se programaron actividades especiales para niños, muchos de los cuales acudieron disfrazados de su personaje favorito. En el salón encontraron juegos, talleres, creación de cómics en directo, formación y mucha diversión.

Por supuesto, el salón tuvo una buena representación de cosplayers y aficionados, con talleres, encuentros, charlas y grandes concursos. Los juegos de mesa y de rol también fueron protagonistas en la feria, con una zona propia abierta a todos los asistentes.

Artist Alley, el cómic y la ilustración se llena de arte y color

Artist Alley es una zona reservada para artistas, autores y pequeños editores, en la que pueden promocionar y dar a conocer sus obras al público. También se pueden realizar encargos directamente a los autores.

En esta zona es donde estaba el stand de La Imprenta CG, junto a algunos de los ilustradores que han participado en nuestro calendario de este año.

Además, llevamos una buena muestra de nuestros trabajos de impresión de cómics, como los de Fulgencio Pimentel, Alex, Carlos y David Maiques, fanzines, libros de artista y otros trabajos especiales.

Estamos deseando que llegue una nueva edición del Salón del Cómic de Valencia, ¡ha sido espectacular!

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