España oculta, exposición de Cristina García Rodero en el IVAM

Hasta el próximo 8 de febrero se puede visitar en el IVAM la exposición España oculta, que reúne la serie completa de más de 150 fotografías que conforman el libro España oculta, de Cristina García Rodero.

España oculta posiblemente sea el proyecto más importante en la trayectoria de García Rodero, y las imágenes que lo componen muestran fiestas, ceremonias, ritos y tradiciones de numerosos pueblos durante más de 15 años, desde 1973 hasta 1989.

Cristina García Rodero pudo emprender España oculta gracias a una beca de creación artística de la Fundación Juan March, y a lo largo de los años documentó el modo de vida de diversos pueblos españoles: «Me propongo realizar un trabajo antológico de las costumbres de España, tanto en su abertura y progreso, como en su ocultamiento y tradición, que dan fruto a su idiosincrasia. Para ello utilizaré el medio más actual y representativo de mi época: la expresión fotográfica», explicaba la fotógrafa en la memoria de la beca.

En España oculta, la fotógrafa manchega captó un momento clave de la historia de España, los últimos años del Franquismo, la Transición y el inicio de la democracia.

En 2024 se reeditó el libro España oculta, con el que Cristina García Rodero intentó «fotografiar el alma misteriosa, verdadera y mágica de la España popular, con su pasión, el amor, el humor, la ternura, la rabia, el dolor, con su verdad; y los momentos más intensos y plenos en la vida de los personajes, tan simples como irresistibles, con toda su fuerza interior, en un desafío personal que me dio fuerza y comprensión y en el que puse todo mi corazón», afirma la fotógrafa.

Cristina García Rodero, un referente de la fotografía contemporánea

Cristina García Rodero es una de las fotógrafas más prestigiosas de la actualidad. Es la primera española en pertenecer a la mítica agencia Magnum, y ha sido galardonada con el Premio Nacional de Fotografía en 1996, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes en 2005 y la Medalla de Oro al Mérito en el Trabajo en 2014. También ha sido nombrada doctora honoris causa por la Universidad de Castilla La Mancha en 2018, entre otras muchas distinciones.

Sin duda, García Rodero es un referente para todo amante de la fotografía y la exposición que le dedica el IVAM es la ocasión perfecta para conocer uno de sus trabajos más emblemáticos.

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Hasta el 18 de enero de 2026 puede visitarse en la Fundación Mapfre la exposición dedicada a Raimundo de Madrazo y Garreta, el pintor español que triunfó en Francia y Estados Unidos a finales del siglo XIX, gracias a sus retratos de la alta burguesía.

El arte preciosista y burgués de Raimundo de Madrazo

La Fundación Mapfre dedica a Raimundo de Madrazo una gran exposición, comisariada por Amaya Alzaga, con más de un centenar de obras que recorren toda su trayectoria. De este modo, se quiere reivindicar el legado de un gran pintor, al que el desembarco de las vanguardias borró de la historiografía artística.

Raimundo de Madrazo es miembro de una de las sagas de artistas más influyentes y reconocidas del arte español del siglo XIX. Nieto del pintor neoclásico José de Madrazo e hijo de Federico de Madrazo, destacado retratista del Romanticismo, Raimundo era también cuñado y amigo de Mariano Fortuny.

Las hijas del Cid, 1865.

Sus tíos fueron los pintores Luis de Madrazo y Pedro de Madrazo, así como el arquitecto Juan de Madrazo. Además, en la familia de su abuela, los Kuntz, también se encuentran afamados pintores.

Con esta herencia familiar, el joven Raimundo pronto destacó en el dibujo y la pintura. Con solo trece años, ingresa en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, y se convierte en la gran esperanza de la familia, que ve en él el continuador del legado artístico de los Madrazo, repleto de grandes obras históricas, destinadas a las grandes exposiciones nacionales o internacionales.

Tras su paso por la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, en 1862, Raimundo se traslada a París, donde continúa su formación con el pintor Léon Cogniet y en la École des Beaux-Arts. Durante estos primeros años en París, el joven sigue tratando de complacer a su padre y seguir su estela; sin embargo, en 1866, abandona el academicismo y la temática histórica.

En esta nueva etapa, Raimundo de Madrazo comienza su andadura como pintor de género y retratista, logrando un gran éxito gracias a sus tableautins, obras de pequeño formato con escenas costumbristas o domésticas.

Su talento como retratista, su ojo para el color, y su destreza para reflejar brillantes interiores y texturas hacen de él uno de los pintores favoritos de la alta sociedad parisina y estadounidense, que le visita en su taller de la capital francesa.

Clotilde de Candamo y su hijo, 1874.

Entre las nuevas tendencias y el academicismo, el juste milieu

Raimundo de Madrazo vivió el torbellino artístico de París del último tercio del siglo XIX, en el que convivía el academicismo más recalcitrante, junto a nuevas corrientes como el impresionismo. En este contexto, la obra de Raimundo de Madrazo se sitúa en un camino intermedio, el juste milieu, que gozó de gran éxito comercial y de crítica.

El cenit de su carrera tuvo lugar en la Exposición Universal de 1878, donde obtuvo una Primera medalla y la concesión de la Cruz de Caballero de la Legión de Honor. Madrazo presentó catorce piezas, entre las que destacan los retratos del actor Benoît-Constant Coquelin y el Retrato de niña con vestido rosa.

Constant Coquelin, 1875-1878.

Sin embargo, a finales del siglo XIX y principios del XX, el mundo del arte está en plena ebullición y en 1900, su obra se ve anticuada. Tras su participación en la Exposición Universal de París de ese año, Raimundo es consciente de que su estilo ya no resulta atractivo, por lo que viaja a América, donde su obra detallista aún goza de reconocimiento y mercado entre la alta sociedad de la Gilded Age, como los Vanderbilt.

Salidad del baile de máscaras, 1878.

Raimundo de Madrazo, un artista a reivindicar

Raimundo de Madrazo es un gran desconocido para el gran público, ya que su figura se vio eclipsada por la llegada de las nuevas corrientes artísticas de finales del XIX. El estilo preciosista de Raimundo de Madrazo fue relegado por parte de la crítica y de los historiadores del arte, que lo situaron en un lugar menor, y solo recientemente ha comenzado a gozar del reconocimiento que merece.

La exposición que le dedica la Fundación Mapfre pretende llenar ese vacío y reivindicar su obra, gracias a la participación de instituciones y colecciones particulares nacionales e internacionales, entre las que figuran el Museo Nacional del Prado; The Metropolitan Museum of Art, de Nueva York; el Clark Art Institute, de Massachusetts; The Hispanic Society of America, de Nueva York, o el Musée d’Orsay, de París.

Una ocasión de oro para descubrir a un artista de gran éxito en su época, pero injustamente ignorado por el canon artístico moderno.

En este enlace se puede disfrutar de una visita virtual.

Muchachas en la ventana, 1875.

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Os proponemos cinco libros, perfectos para regalar a todo tipo de lector, ¡tenemos para todos los gustos!

Los cinco libros para regalar en Navidad 2025

Hija de la venganza, de Michael McDowell. Blackie Books.

Tras el fenómeno de Blackwater, vuelve a las librerías el autor Michael McDowell, en esta ocasión con un thriller histórico, lleno de sorpresas y golpes de efecto.

Lo han definido como una mezcla de Stephen King y Jane Austen… ¿Quién puede resistirse?

El tiempo amarillo. Memorias (1921-1997). Fernando Fernán Gómez. Editorial Debate.

Las memorias de Fernando Fernán Gómez ponen de manifiesto el talento descomunal del carismático artista: actor, director, dramaturgo, escritor… Un creador total, que en su autobiografía no solo narra su vida, sino la historia de España y los acontecimientos más importantes del siglo XX.

Con prólogo de David Trueba, un libro adictivo, y mucho mejor escrito que las reales memorias más publicitadas de estas Navidades.

El eternauta, H.G.Oesterheld (guión) y Solano López (dibujos). Editorial Planeta.

La novela gráfica de Oesterheld y López ha cobrado nueva vida en las librerías, gracias a la serie de televisión inspirada en sus viñetas. Una oportunidad perfecta para acercar la obra maestra del cómic en español a los que aún no la conocen.

Una historia apocalíptica de ciencia ficción, ambientada en Argentina, y con una clara lectura política, que es un imprescindible en cualquier colección de cómics.

Oposición, Sara Mesa. Anagrama.

Vuelve Sara Mesa con una novela en la que nos sumerge en el mundo de la Administración Pública y la burocracia.

Con un tono incisivo y mordaz, la autora nos desvela el mundo oculto del funcionariado: sus absurdos y sus dramas y, también, su humor y su tedio. Una narración brillante, con un ritmo vibrante que no da tregua al lector.

Un neurocientífico en el Museo del Prado. Fernando Giráldez. Editorial Paidós Contextos.

Un libro que une dos de las ramas del saber humano: el arte y la ciencia.

A través de un recorrido por las obras maestras del Museo del Prado, el neurocientífico Fernando Giráldez, desgrana la habilidad de los grandes artistas para plasmar la realidad en un lienzo plano, engañando a nuestro cerebro, al tiempo que lo cautivan.

Una nueva mirada al arte clásico a través de la neurociencia y una reflexión sobre cómo percibimos el mundo.

Estas son nuestras recomendaciones a prueba de fallos para acertar seguro con los regalos navideños… ¡Aún hay tiempo!

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Exposición Warhol, Pollock y otros espacios americanos, en el Thyssen

La nueva exposición del museo Thyssen, Warhol, Pollock y otros espacios americanos, reúne obras de dos de las figuras más importantes del arte estadounidense del siglo XX. Además, pone en contexto su trabajo con la muestra de piezas de otros artistas de la época, como Mark Rothko, Robert Rauschenberg, Cy Twombly o Lee Krasner; entre otros.

La exposición, que estará abierta al público hasta el 25 de enero, explora la conexión en la obra de Warhol y Pollock, con un recorrido que incluye más de cien obras, muchas nunca vistas en nuestro país.

La fascinación de Andy Warhol por Jackson Pollock está bien documentada. Es muy conocida su obsesión por contar con un Pollock para su propia colección de arte o la inclusión del accidente que acabó con la vida de Pollock en su serie sobre choques de coches.

Pollock y Warhol son dos creadores extraordinariamente complejos, en apariencia muy distintos. Sin embargo, la posibilidad de contemplar sus obras reunidas en un mismo montaje descubre al visitante que ni Jackson Pollock fue siempre un maestro abstracto, ni Andy Warhol un artista ocupado únicamente por temas propios de la cultura popular.

Con métodos, técnicas y estilos diferentes, ambos propusieron revisitar el concepto de espacio, su uso como lugar de ocultamiento; trastocaron la noción del fondo y de la figura, y se centraron en un proyecto casi autobiográfico que les servía como camuflaje. Los dos trabajaron la repetición, la series y la abstracción como medio para mostrar nuevas formas de mirar la sociedad de su época.

La comisaria de la exposición, Estrella de Diego, cree que «la historia del arte al uso siempre ha dividido el mundo entre lo figurativo y lo abstracto. Jackson Pollock es el artista héroe de la modernidad y Andy Warhol casi siempre ha sido considerado un creador banal, ya no solo figurativo, sino que directamente arrancaba las cosas en los estantes del supermercado. Yo creo que las cosas, si uno las mira con un poco de atención, no son exactamente así».

En la muestra Warhol, Pollock y otros espacios americanos se pueden contemplar obras figurativas de Pollock y otras de Warhol completamente abstractas. De este modo, se ofrece una lectura alternativa de la trayectoria de los dos artistas, señalando las conexiones más que las diferencias.

Doce Pollocks en España por primera vez

Esta es la gran exposición de la temporada en el museo Thyssen. Para su director, Guillermo Solana es «uno de los proyectos más importantes que hemos acometido en mucho tiempo».

La muestra reúne por primera vez en España una docena de piezas de Jackson Pollock. De hecho, el Thyssen es la única pinacoteca española que posee una obra suya en su colección permanente.

Para Solana, «las exposiciones pueden desarrollar el canon o atreverse a desafiarlo. Esta lo desafía, y deconstruye este esquema binario. La obra de Pollock está construida desde la tachadura de lo figurativo, pero tiene un estrato de reprimir el inconsciente figurativo. Y, recíprocamente, Warhol no es meramente un reproductor de lo icónico de los medios, sino alguien que aflora una dimensión abstracta».

El museo Thyssen ofrece una ocasión única para observar la obra de dos artistas superlativos, opuestos en apariencia, pero unidos por nexos que van más allá de lo obvio.

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Sorolla. Obras maestras del Museo Sorolla, en la Fundación Bancaja

La Fundación Bancaja expone, hasta febrero del año que viene, algunas de las obras más importantes del Museo Sorolla de Madrid. Esta muestra, producida en conjunto por el Ministerio de Cultura, el Museo Sorolla y la Fundación Museo Sorolla, reúne en Valencia una selección de las obras maestras del artista, de forma totalmente excepcional.

¿Cómo ha sido posible esta exposición? Hay ocasiones en las que las circunstancias acompañan y, en este caso, el cierre temporal del Museo Sorolla de Madrid para su ampliación y rehabilitación ha permitido organizar esta muestra, que reúne en la ciudad natal del artista una selección de grandes pinturas, que rara vez pueden prestarse juntas para una exposición.

Sorolla. Obras maestras del Museo Sorolla está integrada por casi 60 piezas, que han viajado desde Madrid a Valencia para un proyecto expositivo que recorre la trayectoria del pintor a través de algunas de sus creaciones más destacadas, como Paseo a la orilla del mar, El baño del caballo o La siesta, entre otras.

La colección del Museo Sorolla, la más importante del mundo

La colección de pintura del Museo Sorolla se compone de aproximadamente 1400 obras, y está considerada la más importante del mundo, por cantidad, calidad y la variedad de géneros representados.

La mayoría de las obras de esta muestra se exponen en la Fundación Bancaja por primera vez. Además, también se puede contemplar el lienzo perteneciente a la colección de la Fundación ¡Triste herencia!, con el que Sorolla ganó el Grand Prix en la Exposición Universal de 1900 en París y que supuso su consagración internacional.

El recorrido de Sorolla. Obras maestras del Museo Sorolla sigue un orden cronológico. Comienza con los primeros años de formación del pintor en Valencia e Italia, en los que el joven Sorolla empieza a demostrar su descomunal talento.

Después llegamos a su madurez artística en Madrid, con la obtención de reconocimientos nacionales e internacionales. Allí explota su maestría en el género del retrato con piezas de ámbito familiar; la temática del mar, tan relevante en su producción artística; su intimista pintura de jardines; su crónica plástica de la España de su tiempo; y, para finalizar, su estancia en la Cala de San Vicente en Mallorca, en el que fue su último viaje para pintar el mar que tanto amó antes de su muerte.

Sin duda, la exposición de la Fundación Bancaja es una ocasión única para disfrutar en Valencia de algunas de las obras más importantes de Joaquín Sorolla.

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El Renacimiento europeo en València

A principios del siglo XVI, la revolución que supuso el Renacimiento en las artes plásticas sacudió los cimientos de Europa.

Por un lado, el ars nova surgió en la zona de Borgoña, un ducado con gran poderío económico. Este estilo pictórico abogaba por un realismo extremo, gracias al talento y los avances técnicos impulsados por artistas como Jan van Eyck o Rogier van der Weyden.

Por otro lado, más al sur, en la península itálica, el ideal clásico grecorromano era el nuevo modelo a seguir, marcando el paso al Renacimiento Italiano.

Las dos corrientes artísticas convivieron durante un tiempo, y en los principales núcleos urbanos mediterráneos de la época los clientes y mecenas realizaban encargos a artistas de ambos estilos.

De este modo, durante los primeros años del siglo XVI, Florencia, Nápoles o València se llenaron de obras de pintores procedentes del norte y del sur de Europa.

Más tarde, avanzado el siglo, la corriente renacentista italiana se impuso, gracias al trabajo de genios como Leonardo da Vinci, Miguel Ángel o Rafael, y al impulso económico de las potencias de Florencia y Venecia.

Sin embargo, durante muchos años ambos estilos, el flamenco y el italiano, fueron los que dieron forma a la imagen europea en su paso de la Edad Media a la Edad Moderna.

En esos años, València seguía siendo —al igual que en el siglo XV— un importante centro mercantil y económico, una ciudad cosmopolita en la que se encontraban obras de influencia flamenca, como las creadas por Bartolomé Bermejo, y pinturas de influencia italiana, como las de Paolo de San Leocadio.

Se importaban obras de Antoniazzo Romano y del papa pintor, Alejandro VI, Pinturicchio; al tiempo que se recibían pinturas norteñas de Jheronimus van Aken, El Bosco. València era un crisol de culturas y estilos artísticos, un hecho que se refleja en la nueva sala del Museo de Bellas Artes.

Norte y Sur se dan la mano en las salas del Bellas Artes

La nueva instalación del museo está situada en la planta baja, y se compone de 16 pinturas renacentistas. Una selección muy representativa de un periodo del arte europeo, marcado por dos tendencias coexistentes: el estilo proveniente del norte, en Flandes, y el marcado por los ideales clásicos, originario del sur. Una situación que más tarde se repitió durante el Barroco.

Las obras están datadas en los primeros años del siglo XVI, y son obra de artistas como El Bosco, Pinturicchio, Antoniazzo Romano o Vrancke van der Stockt.

También se pueden contemplar tres de las últimas incorporaciones al museo: el Ecce Homo de Giovanni Antonio Bazzi ‘Il Sodoma‘, uno de los principales nombres de la escuela de Siena, una tabla con Cristo Varón de Dolores del círculo del flamenco Albrecht Bouts y la Virgen con el Niño Jesús del Maestro de los modelos de Pieter Coecke.

Además, en la sala renacentista, se muestra el retrato del poeta griego Michele Marullo Tarcaniota, obra de Botticelli.

En la presentación de la nueva sala, el director del Museo de Bellas Artes de València, Pablo González Tornel, afirmó que, con la apertura de esta nueva sala, «se eleva el nivel científico y la proyección internacional del centro al incorporar obras que ejemplifican los ideales renacentistas del mundo flamenco e italiano». Un nuevo aliciente para visitar el siempre recomendable Museo de Bellas Artes de València.

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Kara Walker, una exposición sobre las sombras y luces de EE. UU.

La muestra del IVAM Kara Walker. Burning Village, recorre la obra de la artista norteamericana durante cuatro décadas.

Kara Walker, californiana de 1969, explora a través de la pintura, el grabado, las instalaciones y el audiovisual conceptos como el género, la raza, la sexualidad, la violencia y la identidad.

Walker aborda sin tapujos la herida latente de la esclavitud en EE. UU., con una perspectiva crítica del pasado histórico, profundizando en los estereotipos raciales y de género en la sociedad. Unas temáticas y reflexiones más necesarias que nunca.

Los trabajos de Walker tienen una gran belleza visual, enriquecida por la sátira y la subversión de los arquetipos, mediante las que la autora da una vuelta a la lectura de la historia de la nación estadounidense.

Las obras más reconocibles de Kara Walker son las que utilizan la técnica de las siluetas recortadas en papel, inspiradas en la tradición victoriana de los retratos de sombras, el teatro de sombras chinescas y las linternas mágicas.

El caos desenfrenado y el humor negro pueblan los trabajos de Walker: «Siempre estoy reflexionando sobre el estado de los acontecimientos actuales y la superposición de lo histórico y lo mítico», afirma la artista. Las cuestiones de raza, sexo, poder y opresión, están muy presentes en sus obras.

Kara Walker utiliza diferentes métodos y formatos para investigar sobre las historias y los mitos fundacionales de EE. UU. Ya sea mediante el dibujo, el grabado, la escultura, el vídeo o la instalación, la artista ahonda en la necesidad de establecer nuevas narrativas que desafíen la manera como entendemos la historia.

IVAM y MACA, una colaboración nacida para exponer

La exposición Kara Walker. Burning Village está comisariada por Rosa Castells y se ha realizado en colaboración con el MACA (Museo de Arte Contemporáneo de Alicante).

Kara Walker. Burning Village recoge 44 piezas que recorren toda la trayectoria de la artista, conformando uno de los conjuntos de su obra más completos en Europa.

31 obras, entre dibujos, grabados, esculturas, libros de artista y vídeos provienen de la colección de Michael Jenkins y Javier Romero del MACA. Las 13 piezas restantes han viajado desde Nueva York.

La muestra se podrá visitar en el IVAM del 25 de septiembre al 22 de febrero de 2026.

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¡Eso no es cómic!, una exposición dedicada al fanzine

La exposición del IVAM ¡Eso no es cómic! explora cómo el lenguaje del cómic ha encontrado en la experimentación formal del fanzine un aliado para la evolución constante.

En la galería 6 del museo, el visitante encuentra un completo recorrido por las nuevas tendencias creativas del fanzine, gracias a las 250 obras de más de cuarenta autores. La muestra no se centra solo en las dinámicas creativas actuales, sino que bucea en los orígenes del fanzine, con obras míticas de los años 70, como TMEO o las primeras publicaciones de origen valenciano, como Ademuz km. 6.

Con esta exposición, el IVAM quiere reivindicar el papel del fanzine como expresión artística subversiva, y la autoedición como una experiencia de libertad autoral, desde un acceso horizontal y transversal, lo que favorece la experimentación y el riesgo.

En el ámbito del fanzine se ha creado, durante los últimos años, un circuito de festivales y autores, que no sólo investigan el estilo gráfico, sino que también se ha ampliado el abanico de temáticas.

La libertad inherente al formato ha propiciado la entrada de visiones vanguardistas, alejadas de las imposiciones narrativas para explorar hasta la abstracción, llegando a cuestionar el propio objeto y encontrar nuevas formas de presentar el cómic.

El fanzine en el IVAM

La muestra del IVAM recoge obras de la fanzinoteca del IVAM, la primera de España y toda una referencia a nivel nacional y europeo.

La fanzinoteca del IVAM y esta exposición deben mucho al investigador y comisario de esta muestra, Álvaro Pons. Gracias a él la Biblioteca y Centro de documentación del museo cuenta con una colección de 4.000 fanzines aproximadamente que recorre toda la historia de estas publicaciones.

En la exposición, el visitante puede encontrar dos recorridos. El primero, permite realizar un análisis cronológico del fanzine, gracias a que se incluyen aquí las publicaciones más representativas de las primeras incursiones del fanzine.

En la segunda parte de la expo, se puede ver una selección muy cuidada de autores, ofreciendo una panorámica del sector en la actualidad.

En La Imprenta CG somos expertos en imprimir cómics y fanzines, son proyectos que nos apasionan, por eso nos ha encantado esta nueva exposición en el IVAM, ¡os la recomendamos!

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València se ilustra, un proyecto que impulsa la ilustración valenciana

València se ilustra es un proyecto cultural que lleva desde 2016 promocionando el trabajo de jóvenes ilustradores valencianos o afincados en la Comunitat.

Cristina Chumillas es la coordinadora de esta iniciativa, que se organiza en La Rambleta desde sus inicios. Casi un centenar de ilustradores han formado parte de València se ilustra, aportando su visión de la ciudad en un esfuerzo por recuperar su patrimonio e identidad, trabajando individualmente un programa colectivo. A lo largo del año se realizan diversas exposiciones, que finalizan en esta exposición colectiva.

Esta última exposición ha contado con la participación de los artistas Aitana Gomis (gomisdeborrar), Paula Kadira, Sergio Pérez, Judit Balbastre, Helena Moral, Erica Barattin (erasetiner), Ana Campoy,  Nicolás Villalobos (UNO CÁ), Paula Seguí, Mariana González (Mariana in CMYK), Rafael Alarte, Alexia Klee, Alba Gutiérrez (sincurriculum), Elena Rodríguez (Elechu) y Aina Sanz.

Además, en esta jornada de cierre de esta edición se revelaron las cinco ilustraciones más votadas de entre los 15 participantes y se regaló al público asistente una carpeta de edición limitada con las cinco ilustraciones ganadoras en formato lámina impresa. En La Imprenta CG estamos encantados de haber sido los encargados de realizar esta labor, ¡han quedado chulísimas!

En La Imprenta CG queremos ampliar nuestra implicación con este proyecto y su labor de promoción del trabajo de jóvenes ilustradores, por eso, para la edición de 2026 del Calendario Solidario de La Imprenta CG contaremos con la participación de seis de los artistas de esta edición de València se ilustra.

Ahora, solo nos queda esperar a la próxima edición de València se ilustra, ¡que cumplirá 10 años!

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Soledad Sevilla, una artista adelantada a su tiempo

La muestra dedicada a Soledad Sevilla estará abierta al público del IVAM hasta el 12 de octubre, y está comisariada por Isabel Tejeda, catedrática de Bellas Artes de la Universidad de Murcia e historiadora del arte alicantina.

Para Tejeda, Soledad Sevilla «es una mujer enamorada de su trabajo, que no ha dejado de pintar ni un solo día de su vida, de hecho, sigue pintando cuadros inmensos. Sufrió la misma discriminación y dificultades que las mujeres de su generación y nunca se rindió».

Soledad Sevilla nació en València en 1944 y se formó en San Carlos y en la Escuela de Bellas Artes de Sant Jordi de Barcelona, durante los años 60. A finales de esa década, participa en el Seminario de generación automática de formas plásticas del Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid. A raíz de esa experiencia, Sevilla comenzará a utilizar la geometría como base normativa para su obra pictórica.

La artista está vinculada en estos inicios al grupo de creadores seguidores de la abstracción geométrica, aunque pronto se desmarca del uso del ordenador como herramienta.

Sin embargo, para Isabel Sevilla no fueron fáciles sus primeros pasos en el mundo del arte: «Yo siempre cuento, que cuando todos mis amigos y colegas eran famosos, yo no podía ni exponer. Estaba con un niño en una rodilla, otro en la otra y en la mano el pincel. Se me veía como un ama de casa, no como artista. No había manera de romper esa imagen», afirma Sevilla.

«Además —añade— de que el ámbito de la geometría no interesaba, no se entendía y era masculino. No habré oído yo veces eso de que parece que lo ha hecho un hombre. Afortunadamente, eso ha cambiado mucho».

A principios de los años 80, Soledad Sevilla obtiene una beca de investigación de dos años en la Universidad de Harvard. Allí, al no tener un espacio para trabajar grandes formatos, experimenta con rollos de papel Kraft, con progresiones que llegan a los doce metros, y con instalaciones para espacios concretos.

Tras su paso por Boston, la artista valenciana retorna e inicia una etapa más subjetiva, espacial y emocional. En esta fase crea diversas instalaciones ambientales, con una profunda renovación plástica de su estilo.

Los años 90 suponen un total y merecido reconocimiento para la obra de Sevilla, con el Premio Nacional de Artes Plásticas que se le concede en 1993. Además, se suceden las exposiciones y muestras dedicadas a su trabajo.

En 2014, recibe el premio Arte y Mecenazgo, que reconoce la excelencia de su obra y los logros de su trayectoria. En el año 2020, se le otorga el Premio Velázquez de Artes Plásticas y es nombrada Doctora Honoris Causa de la Universidad de Granada.

Soledad Sevilla. Ritmos, tramas, variables. Una exposición retrospectiva y mucho más

La exposición del IVAM Soledad Sevilla. Ritmos, tramas, variables, muestra más de cien obras de la artista valenciana, recorriendo toda su trayectoria.

La muestra comienza con sus obras de finales de los 60, hasta la actualidad, incluyendo sus últimos trabajos, e incluso algunas obras e instalaciones realizadas ex profeso para esta exposición, en la que se puede observar el rico lenguaje artístico de Sevilla, basado en la pureza de la línea y el color y en la construcción de formas a partir de módulos geométricos. Una oportunidad excepcional para conocer el trabajo de esta gran artista valenciana.

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Women Graff, un festival centrado en el arte urbano realizado por mujeres

Con motivo del Día de la Mujer, el 8 de marzo se inauguró la muestra Women Graff, en la que se puede contemplar el trabajo de más de 40 artistas, grafiteras, ilustradoras, tatuadoras, etc.

La convocatoria de participación fue todo un éxito y sobrepasó las expectativas de la organización, que tuvo que ampliar el espacio expositivo para dar cabida a más obras de las inicialmente programadas. Además de la muestra, también se han realizado talleres de ilustración, sorteos de lotes de productos y un mural.

La exposición estará abierta al público hasta el 31 de marzo, en la tienda especializada en materiales para arte urbano Roll Up Graffiti, en Alcalá de Henares. ¡Aún tienes tiempo de pasarte a visitarla!

Especialistas en impresión de láminas de obra gráfica

La Imprenta CG ha colaborado con Roll Up Graffiti en el festival Women Graff con la impresión de las láminas de las obras de las artistas seleccionadas. Las láminas de obra gráfica son una de nuestras especialidades y requieren un cuidado especial para que el trabajo artístico brille con luz propia.

En La Imprenta CG realizamos la impresión de láminas de arte o fine-arts prints en una gran selección de papeles, desde las gamas más económicas, hasta papeles especializados de gran calidad y un tacto superior. Las láminas impresas en La Imprenta CG siempre se imprimen en máquinas digitales HP Indigo, toda una garantía de excelencia.

En La Imprenta CG puedes imprimir series de obra gráfica en diferentes tamaños, desde 10×10 centímetros, hasta tamaño A3. Además, si necesitas un tamaño personalizado, puedes encargarlo a través de nuestra imprenta online, simplemente eligiendo el siguiente tamaño superior y nuestro equipo lo cortará según tus necesidades.

Las láminas se pueden imprimir en una o dos caras y se pueden imprimir láminas en varios modelos. Por ejemplo, si encargas 100 láminas, puedes hacer 10 copias de 10 obras diferentes.

Descubre todas las posibilidades para imprimir láminas de arte en nuestra tienda online, ¡te sorprenderá!

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Alberto Corazón y Valeriano Bozal. Cubierta para Propuesta para la formalización de una Iconografía popular, 1973.

popular, una exposición más allá del folklore y el arte pop

La nueva muestra del IVAM, que estará abierta al público hasta el 14 de abril de 2024, está comisariada por Pedro G. Romero, y trata de descifrar las claves de lo que consideramos arte popular.

Con más de 1.500 obras, la exposición contará no solo con los fondos del IVAM, sino también con piezas cedidas por el MACA y el Museo Reina Sofía, entre otros.

Se mostrará la obra de 300 creadores, desde Joan Miró a Tàpies, pasando por Picasso, Ignacio Pinazo o Josep Renau; entre otros.

El Pueblo. Autor desconocido, a partir de Joaquín Sorolla. Republicanos Antifascistas, 1937.

A través de la obra de esos artistas, la exposición desgrana lo que se considera arte popular; un modo de expresión que no se limita al folklore o al arte pop.

No se trata de centrarse en lo tópicos o en los souvenirs para turistas ni en la cultura de masas, popular es una exposición y una investigación que va más allá.

La exposición plantea lo popular como la expresión de aquellos grupos humanos que no tienen representación política alguna, pero que desarrollan fuertemente su representación simbólica.

Es en los pueblos más alejados de los centros del poder, entre el campesinado y, más tarde, el proletariado donde se empieza a establecer lo popular.

Helios Gómez. Vive le 1 Mai. Es lebe 1 Mai, 1933.

Según está línea de investigación, lo popular es una forma de imaginación, a menudo palabras, imágenes y cosas, que se producen mediante gestos, acciones y fiestas, de maneras muy diversas. Lo popular tiene una naturaleza en continua evolución, más cerca del ritual que del monumento.

Resulta curioso cómo los símbolos y creaciones de los más marginados, construyen en ocasiones la imagen y los tópicos nacionales. Es el caso de los gitanos en España y cómo el flamenco, Carmen o los toros se han convertido en la imagen estereotipada que muchos tienen del país.

Teresa Lanceta. Jerusalem, 1973.

La preparación de esta muestra ha sido casi como un trabajo policial, en el que se ha rastreado entre el archivo del IVAM y las colecciones de otros museos para encontrar esas obras y creadores que expresan el sentir de los grupos con “excedente simbólico” y poco o nulo poder social, económico y político.

La música también está presente en la exposición, pues es uno de los canales de transmisión más importantes para lo popular. Por ello, el Niño de Elche ha realizado canciones a partir de 15 piezas de la muestra, la guinda perfecta para una de las exposiciones más destacadas de la temporada.

Oyvind Fahlstrom. Red Seesaw. Balancín rojo, 1968-1969.

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La Inteligencia Artificial

El mundo de la Inteligencia Artificial (IA o AI) aplicada al Diseño Gráfico podría parecer inicialmente abrumador o fuera de nuestro alcance, así como en cierto modo preocupante debido a algunos conceptos difundidos faltos a nuestro entender de experiencia y rigor. Por nuestra parte, antes que considerarla una amenaza o una intromisión, pensamos que es una tecnología emocionante y con un potencial creativo enorme, que tiene ya una importancia decisiva y que no va a parar de crecer y desarrollarse a toda velocidad.

«La IA no debe ser considerada una amenaza para los creativos, diseñadores gráficos, fotógrafos… sino más bien una herramienta poderosa para potenciar la creatividad y elevar el nivel de vuestros trabajos y diseños.»

Desde aquí queremos mostrarte algunos de los conceptos básicos de la IA aplicados al Diseño Gráfico en particular y a las Artes Gráficas en general, y cómo puede impactar positivamente en tu trabajo como creativo, ilustrador, maquetador, fotógrafo…

La siguiente imagen la hemos sacado de discord con: AI texto a imagen. Instrucción en texto coloquial: /Imagine: Estatua de la Libertad con la cara de Brad Pitt.

¿Qué es la inteligencia artificial?

La inteligencia artificial es una rama de la informática que busca crear sistemas capaces de realizar tareas que, normalmente, requieren de inteligencia humana. Estas tareas incluyen el aprendizaje, la percepción, el razonamiento, la resolución de problemas y la toma de decisiones. Es decir, la IA trata de enseñar a las máquinas a pensar y actuar como seres humanos.

Aplicación de la IA en Artes Gráficas

La IA está revolucionando todo tipo de industrias y, por supuesto, las Artes Gráficas en general y el diseño gráfico en particular no son excepciones. Por ejemplo, la IA puede ayudarnos en temas tales como:

Generación de contenido creativo

La IA puede crear contenido visual, como imágenes y gráficos, utilizando algoritmos generativos en base a palabras y frases coloquiales, prescindiendo prácticamente de programación específica y de sintaxis concreta. Esto puede ser útil para producir arte único, ilustraciones personalizadas o elementos de diseño exclusivos.

Ejemplo: Cómo diseñar el anuncio de un roll-up con inteligencia artificial

Pongamos un ejemplo de cómo podemos expresar conceptos lingüísticos para crear un diseño utilizando nuestro lenguaje nativo de forma coloquial. En este caso vamos a crear un anuncio para potenciar la venta de roll-ups personalizados apoyándonos en la AI.

Comenzaremos por acceder a una plataforma denominada Discord. Se trata de un chat abierto que reúne a multitud de personas que intercambian experiencias en relación a la AI y que cuenta además con un número determinado de canales en el que los “bots” (programas de AI capaces de interactuar con nosotros de forma coloquial) pueden crear diseños fotográficos e híper realistas de forma casi instantánea. El registro es gratuito y el acceso al chat también.

Una vez dentro de Discord el canal por excelencia para utilizar AI generativa con texto a imagen es midjourney (espectacular por cierto). Sin embargo hemos optado por registrarnos en otro canal denominado BlueWillow debido a que éste último nos permite realizar una pequeña cantidad de pruebas de forma gratuita antes de decidir si nos suscribimos. Su calidad generativa es algo inferior al citado midjourney, pero para nuestros propósitos experimentales sirve perfectamente. Aquí utilizaremos regularmente texto común como interface de comunicación y trabajo.

Es posible interactuar con los “bots” en castellano, aunque éstos responden mejor a nuestros deseos si les interpelamos en inglés debido a que la adaptación a otros idiomas va ligeramente por detrás. Podemos probar con ambos y ver qué diferencias hay en el resultado. También podemos utilizar “google translator” para que traduzca nuestro texto al idioma de Shakespeare. Tomemos como ejemplo nuestra petición para crear un fondo para el anuncio de roll-ups.

Texto en castellano:

“Diseño publicitario con un roll-up con la oferta del día en la puerta de una pizzería.”

Traducción simple al inglés mediante “google translator”:

“Advertising design with a roll-up with the offer of the day at the door of a pizzeria.”

Nuestro programa favorito de texto a imagen mediante IA, BlueWillow, nos sorprende casi instantáneamente con estas cuatro versiones:

Para nuestro propósito creativo elegimos la número 2 (arriba derecha) y le pedimos una ampliación. El asistente de imágenes AI nos presenta ésta más que aceptable imagen de 2048×2048 pixels que utilizaremos como base en nuestro anuncio y que será suficiente para cubrir nuestro objetivo.

Continuando con nuestro proceso creativo usando AI, recurriremos a otro conocido programa gratuito de maquetación basado en parte en AI, Canva, para crear esta imagen y sus textos. También nos ofrece una resolución en pixels suficiente que nos permitirá realizar desde una portada hasta un cartel.

Uniendo las dos imágenes mediante conocidas técnicas de tratamiento digital, utilizando en este caso Adobe Photoshop y con algunos pequeños retoques y ajustes, el resultado final queda así:

Asistencia en el proceso creativo

Como venimos apuntando, gracias a que la comprensión de nuestro lenguaje natural está implementada en aplicaciones de IA, ésta interactúa con nosotros para generar textos creativos, realizar resúmenes sobre temas específicos, despejar dudas en asuntos sobre los que no seamos expertos, etc., proporcionando datos precisos de forma más rápida y eficiente que utilizando buscadores web tradicionales o usando la wikipedia, ofreciéndonos también sugerencias relevantes y creativas.Como ejemplo más destacado mencionaremos a chat-GPT, una de las plataformas pioneras AI que también nos ayuda a redactar textos, realizar cálculos, proporcionar códigos de programación…, incluso podemos pedirle que nos cuente un chiste, demostrando que también posee sentido del humor:
—Chat-GPT, cuéntame un chiste.
—¡Por supuesto! Aquí tienes uno:
—¿Cuál es el animal más antiguo?
—La cebra, ¡porque está en blanco y negro! 😄

Es decir, al contrario que los sistemas de programación tradicionales, basados en la escritura de códigos específicos y sintaxis rígida accesible solo a programadores o personal muy experimentado, la IA nos entiende y contesta en nuestro idioma natural, castellano, inglés, francés, portugués, alemán…
Recomendamos este excelente artículo publicado en xataka, en el que se explica cómo utilizar algunos comandos generativos de forma coloquial. En la misma web encontraréis más información y artículos referentes al desarrollo de la AI.

Herramientas y tecnologías de IA para creativos

Como toda nueva tecnología, la IA está en desarrollo y experimentación. Paulatinamente se va implementando en la mayoría de programas que solemos utilizar en el entorno de las Artes Gráficas, Diseño Gráfico, Fotografía, Edición de Vídeo, Animación… Muchos de nuestros tradicionales programas ya la incorporan en las últimas versiones en forma de ayudas que nos facilitan tareas tediosas y repetitivas. Debemos estar al tanto de estas innovaciones e ir interactuando con ellas para aprovechar todo su potencial.

Tratándose de una tecnología emergente, es posible registrarse en multitud de plataformas de forma gratuita para evaluar su potencial y aprender a utilizarlo. Con posterioridad, al igual que sucede con nuestros programas favoritos de tratamiento de imágenes, edición, etc., deberemos satisfacer una cuota para acceder a funciones avanzadas más específicas. Desde aquí recomendamos experimentar primero con los diferentes portales y programas gratuitos para tener un conocimiento amplio antes de decidirnos por una suscripción.

Desafíos y consideraciones éticas

Aunque la IA tiene el potencial de mejorar significativamente el trabajo de los creativos, también plantea desafíos y consideraciones éticas importantes. Algunas preocupaciones comunes incluyen:

Creatividad y originalidad

A medida que la IA se vuelve más sofisticada, existe la preocupación de que los diseños generados por máquinas puedan ser percibidos como menos creativos o incluso como plagio inadvertido de trabajos existentes. Algunos profesionales del sector temen que la IA pueda reemplazar su trabajo. Pensamos que el verdadero potencial es la colaboración entre humanos y máquinas para lograr resultados más innovadores.

Privacidad y seguridad de datos

La recopilación y el análisis de datos para personalizar diseños pueden plantear problemas de privacidad y seguridad, especialmente si los datos se utilizan sin el consentimiento adecuado.

Sesgo en los algoritmos

Los algoritmos de IA pueden reflejar sesgos humanos presentes en los datos utilizados para entrenarlos, lo que puede llevar a resultados distintos de los esperados, no deseados o discriminatorios. Hemos de comprender que la IA no es sino un reflejo de aquellos que la han creado y de nosotros que la mejoramos diariamente con nuestras consultas, por lo que ciertas preguntas tendenciosas pueden obtener respuestas inadecuadas o no obtener respuesta alguna.

Conclusión

A pesar de los desafíos que plantea, la IA será una poderosa herramienta para los creativos. La clave para una integración exitosa es la colaboración entre humanos y máquinas. La creatividad humana, la intuición y la capacidad de pensar fuera de lo común son insustituibles. La IA puede mejorar y acelerar procesos, proporcionar inspiración y liberar tiempo para actividades más creativas y estratégicas.

La inteligencia artificial ofrece innumerables oportunidades para la industria del Diseño Gráfico y Artes Gráficas. Al comprender los conceptos básicos y las aplicaciones de la IA, los creativos, ilustradores, maquetadores, fotógrafos, pueden aprovechar esta tecnología para mejorar su trabajo, aumentar la eficiencia y la productividad, y entregar resultados más personalizados y sorprendentes a sus clientes.

La IA no es una amenaza, sino una herramienta poderosa para potenciar la creatividad y elevar el nivel de tus diseños.

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La Nave, un colectivo de diseñadores multidisciplinar

El IVAM expone la muestra La Nave 1984-1991, en la que se pueden contemplar algunos de los proyectos más significativos del colectivo de diseñadores valencianos.

La Nave surgió en València en 1984 de la unión de dos equipos, Caps i Mans y Enebecé. El grupo estaba compuesto por once diseñadores que, compartían espacio de trabajo en una nave industrial y que encaraban los proyectos tanto individualmente como en equipos formados especialmente para los encargos más complejos.

La Nave estaba formada por Eduardo Albors, Paco Bascuñán, José Juan Belda, Carlos Bento, Lorenzo (Quique) Company, Sandra Figuerola, Marisa Gallén, Luis González, Luis Lavernia, Nacho Lavernia y Daniel Nebot.

En su “Manifiesto”, el grupo define su modus operandi a la perfección: “Nos interesan más los lenguajes que los estilos. Admiramos la precisión del políglota que conoce y mezcla distintos lenguajes para decir cosas nuevas, o las de siempre de otra manera. Nos aburre la repetición de tics o modos. Nos seduce más la ambigüedad inteligente que la fe ciega. No hacemos distinción entre styling o racionalismo, entre estética o función, entre moda o diseño, sólo entre buenos y malos resultados.

Y no nos preocupa cambiar de opinión y decir justo lo contrario cuando lo creamos así. Estamos vivos”.

Miembros de la nave y colaboradores, en los años 80.

Logos diseñados en La Nave.

La exposición está comisariada por Nacho Lavernia y Daniel Nebot, Premio Nacional de Diseño en 2012 y 1995, respectivamente.

Para Nuria Enguita, directora del IVAM, la fuerza de La Nave residía en que eran creativos de distintas disciplinas, “cuyo trabajo fue clave en el proceso de modernización de la ciudad de València y en la eclosión del llamado Nou Disseny Valencià”.

Sin duda, el trabajo de La Nave se encuadra en un contexto social de trascendentales cambios políticos, sociales y culturales en el que la sociedad española estaba hambrienta de modernidad.

Además, a nivel gráfico y estético, coincide con un punto de inflexión en la práctica del diseño con la aparición del estilo posmodernista, que representó una liberación formal y la superación definitiva de los rígidos principios del Modern Style sintetizados en el rechazo al ornamento y la máxima de Louis Sullivan «la forma sigue a la función».

El diseño resultante se vio influenciado por los principales movimientos de ruptura de la época: Memphis y Alchimia en Italia; la figura emergente de Philippe Starck; el grafismo de Neville Brody; el trabajo de Sostres o Peret en Barcelona, o el de Tibor Kalman en Estados Unidos.

Algunos de los integrantes de La Nave, durante la presentación de la exposición.

La Nave se disolvió en 1991, cuan­do empezaba a contar con clientes extranjeros como Alessi, en Italia, o Tombow en Japón.

A partir de la disolución de La Nave cada uno de los integrantes continuó su trabajo por separado, cosechando éxitos y premios (la última, Marisa Gallén, Premio Nacional de Diseño en 2019). Sin embargo, la labor docente de gran parte del grupo, su implicación en actividades colectivas y la buena relación personal y las colaboracio­nes que han mantenido a lo largo de los años, ha facilitado que el espíritu de La Nave siga vivo.

Durante los siete años que trabajaron juntos diseñaron objetos, marcas, muebles, publicaciones y espacios para una sociedad que quería dejar atrás el pasado franquista. “La Nave recogió el espíritu de innovación que se vivió en la década de los ochenta en todos los ámbitos, que renovó la imagen de instituciones públicas y privadas”, señaló Daniel Nebot en la presentación de la muestra.

El trabajo de La Nave ha marcado a varias generaciones de diseñadores. Sus imáge­nes creadas para organismos públicos o para empresas privadas no sólo tuvieron gran tras­cendencia entre los profesionales del momento, sino que han perdurado a lo largo de los años, un ejemplo de cómo el diseño bien hecho está por encima de modas y tenden­cias.

Estos trabajos avalaron la percepción pos­terior de La Nave como un referente de calidad y de rigor profesional. Y la exposición del IVAM lo demuestra.

Hinchable creado a partir de la tarjeta de visita del grupo.

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Una clase práctica de cómo se imprime un fotolibro

Hace un par de semanas visitaron las instalaciones de La Imprenta CG los alumnos del segundo curso del Diploma de Estudios Fotográficos de la escuela Espai d’art fotogràfic.

El objetivo de esta visita era que los futuros fotógrafos conozcan todo el proceso de creación de un fotolibro: desde la idea, la toma, la entrega en una imprenta y su publicación.

En Espai d’art fotogràfic se imparten cursos de fotografía desde hace 20 años y son conscientes de la importancia que tiene para la formación de un fotógrafo profesional el aprender cómo hay que entregar las fotografías a imprenta y todos los pasos por los que van a pasar hasta su publicación en forma de libro.

Espai d’art fotogràfic, una escuela con la fotografía como eje principal

La escuela Espai d’art fotogràfic fue fundada en 2002 en Valencia con el objetivo principal de ofrecer una formación, tanto teórica como práctica, que posibilite un desarrollo profesional y una visión crítica de la fotografía. Además, en la escuela se fomenta el compromiso social y ético de los futuros profesionales.

En Espai d’art fotogràfic se imparten clases de distintas vertientes del arte fotográfico (moda, retrato, fotoperiodismo, paisaje, etc.), para que los alumnos finalicen su formación con una amplia gama conocimientos y técnicas.

Para el equipo de La Imprenta CG ha sido un placer colaborar en esta jornada didáctica y explicar de manera práctica a los futuros profesionales de la fotografía cómo se trabaja en una imprenta y cómo deben preparar su obra para ser impresa.

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Vicent Ramon Pascual estudió en la Escuela de Arte de Alcoy y, tras trabajar en estudios de diseño e imprentas, en 2003 crea su propio estudio de diseño en Bocairent (València).

Desde su estudio, Vicent Ramon desarrolla proyectos principalmente centrados en campañas de comunicación, imagen gráfica, identidad corporativa, ilustración y diseño editorial.

Su actividad se centra en ámbitos culturales e institucionales. Habitualmente realiza la imagen de fiestas, festivales, ferias y eventos turísticos y culturales.

En este ámbito, destacan sus trabajos para la Generalitat Valenciana, el Patronato Provincial de Turismo de València (València Turisme), la Diputación de València, la Diputación de Castelló, la Mostra de Cine del Mediterrani de València o los ayuntamientos de las Palmas de Gran Canaria, Burgos, Mislata, Bocairent y Gandia, entre otros.

Además, sus ilustraciones han aparecido publicados en revistas y libros como Experimenta, Gràffica, DissenyCV, así como también en diferentes libros de la Editorial “index Book” (en sus colecciones “Basic” y “Select”).

Ha participado en diferentes exposiciones colectivas, entre ellas “Edetanos ilustrados” en l’Espai Rambleta (2015), “Creadors valencians pels Drets Humans” en La Nau de l’Universitat de València (2018), “Prohibit fixar cartells, REA. Cartells valencians 2000_2020” en el Centro de Carmen (2020), Exposición conmemorativa del 50 aniversario del “Woodstock Festival” con título “The Magic Bus and the Walker Poster Society”, Méxic (2021) y “From Spain With Design Identidad y Territorio”, en 2022.

Entrevista a Vicent Ramon Pascual

¿Cómo se despertó en ti la necesidad o el deseo de ilustrar? ¿Cuál es tu primer recuerdo con un lápiz en la mano?

Desde que tengo recuerdos del colegio, mis cuadernos y libros de texto estaban llenos de dibujos, en el caso de las libretas los dibujos empezaban por las últimas páginas y en los libros siempre encontraba algún espacio en blanco por algún margen para personalizarlos.

Como anécdota, cada vez que me encuentro con alguna de las profesoras que tuve en esos años de infancia, aún me recuerdan que siempre estaba dibujando y que ya desde muy pequeño ganaba premios de los concursos de dibujo escolar.

En aquellos momentos no era consciente de que esa afición por el dibujo podría convertirse en profesión, pero años más tarde, cuando llegó el momento de decidir a qué quería dedicarme tuvo peso en la decisión esta afición por el dibujo que tenía desde siempre y me matriculé en lo que es ahora la EASD Alcoi, donde fui descubriendo mi interés por el diseño gráfico, principalmente el diseño de carteles, disciplina que me permitía dar difusión a mis trabajos y contar historias o lanzar mensajes.

¿Tienes algún rito especial, alguna manía, cuando te enfrentas a un proyecto creativo?

Una de las cosas que siempre hago son muchos bocetos a lápiz, folios y folios de bocetos con infinidad de ideas, anotando palabras y conceptos de forma muy esquemática hasta llegar a una idea que me ayude a comunicar o sugerir el mensaje que quiero transmitir.

Una vez decido por qué camino conceptual va a ir el trabajo, sigo abocetando para darle forma a la idea, al mismo tiempo que voy decidiendo el lenguaje, detalles y formas con la premisa de la síntesis. A partir de aquí, empiezo a darle forma a la idea informáticamente donde acabo de pulir detalles como el color.

¿Qué es lo que más raro que has llegado a dibujar-realizar?

Puede que no raro, pero sí diferente fue el diseño de un pedestal-monumento conmemorativo de una efeméride para una rotonda.

Fue un trabajo que, a diferencia de los trabajos habituales, traspasa las dos dimensiones del papel o las pantallas para convertirse en un objeto en tres dimensiones. Además, va a sobrevivir a la inmediatez de las campañas de imágenes gráficas o carteles que suelen tener una vida muy corta en la calle.

¿Quiénes son tus referentes o influencias en literatura, música, etc.?

En cuanto a la música, me gustan las canciones de David Bowie, también Queen y Red Hot Chili Peppers así como algún grupo más actual como Love of Lesbian, también, y sobre todo cuando quiero estar concentrado, me gusta escuchar bandas sonoras de películas.

¿Nos recomiendas una peli y un libro?

«El libro de las preguntas» de Pablo Neruda y con ilustraciones de Isidro Ferrer, una delicia.

En cuanto a películas es muy difícil quedarme solo con una, pero voy a destacar tanto por el atrevimiento e innovación del momento como por los pocos medios que se disponían en el año 1927 y por todo lo que puede transmitir me quedo con la película, “Metropolis”.

Esta película tiene además de un trasfondo humano y social, habla del capitalismo y las clases obreras, la industrialización… También me fascina la estética retro-futurista así como la serie de carteles y rótulos que se diseñaron.

¿Crees que el trabajo de ilustrador está suficientemente reconocido?

Creo que no, a mí aún me pasa de vez en cuando que muchas de las personas que no se dedican al sector no saben exactamente cuál es mi trabajo, saben que hago carteles, dibujos o logos, pero no mucho más.

Tampoco se tiene una idea de lo que se puede tardar en realizar un trabajo, solo se ve un resultado final y como lo ven aparentemente sencillo se hacen la idea de que no cuesta mucho de hacer y no ven el trabajo que hay detrás para llegar a ese resultado sencillo.

¿Qué harías para mejorar la situación?

La verdad es que no hay una solución fácil. Por mi parte lo único que puedo hacer es seguir trabajando duro y tener mucha paciencia.

¿Qué consejo te hubiera gustado recibir cuando empezaste?

Creo que estuve bien asesorado, trabajé en una imprenta unos meses, también en un estudio de diseño y desde joven tuve la suerte de tener amigos del sector con bastante más experiencia que yo de los que recibí muy buenos consejos.

Cuando decidí trabajar por mi cuenta mi familia me apoyó y ayudó a hacer posible esta ilusión, así que sólo puedo dar gracias. Al final soy un afortunado, estoy trabajando en algo que me apasiona y muchas veces esto hace que te olvides que es un trabajo.

Al ser autónomo, sí que me hubiera gustado que me asesoraran desde el primer día con todo lo relacionado con los costes, facturación, pagos… y sobre todo inversiones de futuro.

Muchas gracias a Vicent Ramon Pascual por colaborar con nosotros, ¡su trabajo es un auténtico broche de oro para nuestro calendario 2022!

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CranioDsgn: de Valencia a Nike USA

Álex García Ibáñez es un ilustrador y diseñador gráfico valenciano. Tras varios años trabajando en estudios y agencias de publicidad en Castellón, Valencia y Barcelona, obtuvo un encargo de Nike USA que le abrió las puertas del mercado internacional.

Durante estos años, ha trabajado para clientes tan destacados como Warner Bros, Nike, Audi, Netflix, Prime Video, Microsoft, Newsweek, Red Bull, Espn, FIFA, Fox, Playstation, Variety, Fortune, Forbes, The Hollywood Reporter, Entertainment Weekly, GQ France, Adweek, Telepizza, Cinemanía, El País, Movistar+, etc.

Su estilo es muy reconocible y se distingue por sus pasiones: el retrato, el arte pop de Andy Warhol y Roy Lichtenstein, los cómics de DC y Marvel, el mundo del skateboard, el cine o la música.

Entrevista a CranioDsgn, protagonista de noviembre en nuestro calendario

¿Cómo se despertó en ti la necesidad o el deseo de ilustrar?

Pues no lo sé, creo que me viene de familia. Mi padre, siempre que estábamos en la mesa, lo recuerdo dibujando motivos y ornamentos de cerámica en papel y retablos de cerámica.

Tengo muy presente el recuerdo de los botes de colores y los pinceles que utilizaba para pintar estos cuadros, probablemente la necesidad o el deseo tenga ese punto de partida.

¿Cuál es tu primer recuerdo con un lápiz en la mano?

Pues exactamente no lo recuerdo, estoy intentando hacer memoria, pero me vienen muchos flashes dibujando He-Man, las Tortugas Ninja, Caballeros del Zodiaco, Dragon Ball, la Pantera Rosa… Lo que está claro es que los dibujos marcaron mucho y tienen mucho peso en lo que es hoy mi profesión.

¿Tienes algún rito especial, alguna manía, cuando te enfrentas a un proyecto creativo?

No especialmente, con un buen briefing y un par de referencias de mi trabajo basta.

Pero lo que sí que aprecio es que la comunicación con el cliente sea lo más fluida posible y TODO lo que se hable sea vía email, así queda todo por escrito, que (a veces) las palabras se las lleva el viento.

¿Qué es lo que más raro que has llegado a dibujar?

Lo más raro… Lo más habitual es que los encargos sean retratos o composiciones tipo cartel o portadas de libros, pero lo más raro que me han encargado fue la ilustración de un trofeo de la NFL, el cliente era NIKE USA, y concretamente lo que quería era la ilustración de un balón de fútbol americano tallado en cristal, nada que ver con lo hecho hasta el momento.

¿Quiénes son tus referentes o influencias en literatura, música, etc…?

En literatura Stephen King & Michael Crichton. En música… hay mucha más variedad, crecí escuchando a The Beatles, Queen, clásicos italianos, blues y jazz… y actualmente, bueno, desde hace ya más de 25 años, soy fiel al punk-rock americano y de vez en cuando me dejo caer en las atmósferas sonoras del Post-Rock Instrumental.

¿Nos recomiendas una peli y un libro?

No soy muy de recomendar la verdad, cada persona tiene gustos diferentes y algo que le pueda encantar a alguien o a mí mismo, puede que la otra persona no le guste.

Pero sí puedo decir la última película que he visto, “12 Hombres sin Piedad”, y el último libro que he leído, “Enhorabuena por tu fracaso” de Arturo Gonzalez-Campos.

¿Crees que el trabajo de ilustrador está suficientemente reconocido?

Creo ahora parece que hay una tendencia positiva, y poco a poco los presupuestos van mejorando, pero en general pienso que queda mucho por hacer, la gran mayoría de veces tengo que explicar que “hago dibujos para revistas o publicidad” porque no queda muy claro cuál es el oficio de ilustrador.

¿Qué harías para mejorar la situación?

Pues seguir trabajando duro como hasta ahora.

¿Qué consejo te hubiera gustado recibir cuando empezaste?

Pues creo que ninguno, igual que no soy de recomendar pelis, series, etc., tampoco soy de dar consejos, otra cosa es que me pidas que te cuente mi experiencia con alguna cosa en concreto, en ese caso contaré lo que me ha pasado y como lo he afrontado, solucionado…

Lo que sí que digo a la gente que está empezando o me pide consejo por email (que suelen ser bastantes) es que la clave para poder llegar a trabajar de ilustrador es practicar, practicar y practicar.

Como en cualquier profesión, todo necesita un periodo de experimentación, ver referencias, y sobre todo el respeto a estas mismas, ya que es muy tentador el copiar o plagiar el trabajo de otros.

Muchas gracias Álex García Ibáñez, CranioDsgn, por participar nuestro proyecto de calendario solidario, os recordamos que los beneficios del calendario están destinados a la Fundación Ronald MacDonald.

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Teresa Lanceta, una tejedora en busca de lo inesperado

La artista Teresa Lanceta es una pionera en el arte textil contemporáneo en España. La exposición que le dedica el IVAM recorre su trabajo desde los años setenta hasta la actualidad a través de 150 obras, incluyendo una amplia selección de sus tapices, lienzos, pinturas, dibujos, escritos, audios y vídeos.

Se trata de la mayor retrospectiva dedicada a la artista que, tras su paso por el Macba, se expone en el IVAM hasta el 12 de febrero de 2023.

Para la artista, tejer es una activación crítica de la imaginación que va más allá de los límites materiales. Para ella, es un código abierto de ruptura y repetición desde el transmitir un conocimiento siempre complejo y plural.

Tejer es un modo de crear sin bocetos previos, en el que imagen y fondo, objeto y lenguaje, se construyen a la vez; asumiendo lo imprevisto, los errores y los aciertos.

Para Teresa Lanceta, aceptar lo inesperado es un modo de aprendizaje de un código primigenio y universal que manifiesta claramente una ley interna; una ley que traspasa fronteras físicas y culturales.

El oficio y arte de tejer se basa en un conocimiento técnico, que varía según el contexto geográfico, cultural y humano. Ya sea en el barrio del Raval en Barcelona o el Atlas, Lanceta regresa movida por su interés por el trabajo de las mujeres, a través de la comunicación no verbal de historias y afectos.

Teresa Lanceta construye a través de sus obras una narrativa popular, a través de las técnicas tradicionales de tejido en el Atlas Medio, que visitó durante tres décadas, que miran lo popular, lo ancestral, la cotidianidad de lo sensible y se acercan a la representación material de lo intangible.

Tejer como código abierto, una exposición tejida

La exposición Teresa Lanceta. Tejer como código abierto no sigue un orden cronológico, sino que propone una aproximación a una serie de proyectos con la intención de mostrar la voz de la artista.

El punto de partida es una primera sala donde se presentan piezas de gran formato suspendidas, como flotando en el aire, realizadas desde los años setenta hasta la actualidad.

A partir de esta introducción, la exposición se organiza en cinco salas y su recorrido se ordena a partir de parejas de conceptos, en otro tiempo antagónicos, presentes en la producción de Lanceta: colectividad y autoría, remediación e historia, performatividad y materia y oralidad y biografía, que ponen de manifiesto las enseñanzas feministas según las cuales el arte es una práctica de vida.

En este sentido, el trabajo de Lanceta es un trabajo memorable: su potencial crítico reside en su capacidad para construir memoria.

El trabajo colaborativo para Teresa Lanceta

Teresa Lanceta ha explorado a lo largo de su carrera diferentes formatos colaborativos, a partir del diálogo con otros artistas como Olga Diego, Pedro G. Romero y Xabier Salaberria; la comisaria Leire Vergara; el colectivo La Trinxera o la cineasta Virginia García del Pino.

Junto al artista y pensador Nicolas Malevé, los educadores del MACBA y los alumnos y docentes del IES Miquel Tarradell, lleva varios años desarrollando el proyecto Los oficios del Raval.

El proyecto Cartografía compartida de los oficios del Raval consiste en la elaboración de un mapa digital basado en las historias de trabajo, las experiencias, los recursos y afectos de los participantes y de sus familias.

Pretende mostrar las múltiples miradas y trayectorias que conforman la experiencia compartida de un lugar importante, el Raval de Barcelona, para cada participante. El proyecto pretende trazar un mapa de la experiencia laboral y las competencias que se desplazan cuando la gente se traslada a otro lugar.

Cartografía compartida de los oficios del Raval es un proyecto artístico y educativo, en el que los participantes han desarrollado conocimientos de cartografía y manejo de herramientas informáticas. Gracias a ello, han dado forma a las diferentes formas de trabajo y habilidades que se encuentran en el espacio-tiempo que habitan cada día.

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Las mujeres en la imprenta valenciana

La exposición Mujeres en la imprenta Valenciana. Siglos XVI al XXI está comisariada por los expertos Aránzazu Guerola Inza y Enrique Fink Hurtado y se centra en la presencia de mujeres en las Artes Gráficas valencianas desde la llegada de la imprenta a la Península Ibérica en el siglo XV hasta la actualidad.

Aunque sus nombres propios quedaban muchas veces ocultos tras los términos como viuda, hija, heredera o sucesora de, siempre ha habido mujeres impresoras en las tierras valencianas, primero en la capital del Reino en el momento en que fue el gran núcleo inicial de la imprenta española y, más tarde, en Castellón y Alicante.

Mujeres todo terreno

Durante mucho tiempo, las mujeres de impresores, al enviudar se hacían cargo de los talleres hasta que se volvían a casar o sus hijos estaban en condiciones de tomar el relevo al mando de la imprenta. El éxito de estas mujeres indica que no partían de cero y que ya estaban muy implicadas en el funcionamiento de la imprenta antes de que sus maridos fallecieran.

Por ejemplo, Vicenta Devís, viuda de Laborda, mantuvo la imprenta desde finales del siglo XVIII hasta que se la cedió a su hija María Teresa a principios del XIX.

Las impresoras valencianas no solo dirigían, sino que trabajaban en todas las tareas que implicaba el oficio de imprimir, desde la fabricación de las tintas, la labor de cajista, el montaje de los pliegos y su costura y encuadernación hasta la venta de ejemplares, si la librería estaba anexa a la imprenta.

Protagonismo femenino en las Artes Gráficas

La exposición del Centro Cultural La Nau ofrece un recorrido desde la llegada de la imprenta a Valencia hasta la actualidad teniendo como protagonistas a estas mujeres.

Gracias a la investigación del bibliófilo y erudito José Enrique Serrano Morales se conocen algunos de sus nombres y apellidos. Una de las figuras protagonistas de la muestra es Jerónima Galés, que en el siglo XVI se hizo cargo de la imprenta familiar con gran éxito, aunque su nombre nunca llegó a figurar en los pies de imprenta. Un hecho generalizado, desgraciadamente.

El recorrido expositivo ofrece una cuidada selección de impresos producidos en los talleres valencianos, trabajos en cuya elaboración participaron mujeres activamente, aunque sin reconocimiento público.

Un reconocimiento que hoy en día sí tienen las mujeres impresoras, herederas de aquellas mujeres emprendedoras; que nos sorprenden con un papel más activo del que imaginábamos en la sociedad de siglos atrás.

Jerónima Galés.

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Marika Vila, el cómic con perspectiva de género

Marika Vila es, además de una excelente ilustradora e historietista, Doctora en Construcción y Representación de las Identidades Culturales de Género (Facultad de Filología de la Universidad de Barcelona), Máster en Estudios de Mujeres, Género y Ciudadanía (UB) y Licenciada en Humanidades (UOC).

Con un currículum impresionante, Marika Vila es también articulista, divulgadora y especialista en la investigación y el análisis del lenguaje y el género en el cómic. Ha sido profesora en el Máster de Género y Comunicación de la UAB, comisaria de exposiciones (CCCB/ Museo de San Cugat/ Saló del Cómic BCN/ DIBA), conferenciante en  la Université Paris, las universidades de Zaragoza, Tenerife, Valencia y Sevilla; así como en la Biblioteca Nacional de España.

Como historietista e ilustradora, Marika es una de las primeras autoras en aportar una mirada vanguardista y feminista al discurso del cómic adulto español.

Su trabajo se ha difundido en numerosas publicaciones como:  BANG! /Trocha, Butifarra, El Periódico de Cataluña, El País (Quadern de Cultura), Troya, Rambla, Rampa, Totem, El Papus, El Jueves, Gimlet, Repórter, Gaceta Ilustrada, Viva, Siesta, Práctica, Totem El Cómix, Virus, Equip, Amaika, Ikusager, Teide y Planeta DeAgostini Cómics; entre otros.

Una dibujante pionera

Marika comenzó su carrera como dibujante para Europa en 1970, a través de las agencias Selecciones Ilustradas, Bardon Art y Norma, pero es en la transición cuando inicia su camino autoral.

En 1975 forma parte de la llamada «Generación del Compromiso» comprometida en el rescate de la historieta en su valor artístico y de comunicación. Pertenece a los diversos grupos fundadores del cómic de autor español: “El Colectivo de la Historieta», equipo «Butifarra», «La Astronave Pirata» y al estudio de animación “Equip”.

Durante los años 90, Marika es la coordinadora y realizadora de Dragon Ball/Bola de Drac y de parte de la línea manga en Planeta DeAgostini Cómics (1992-2001). Durante esos años alterna su producción gráfica con la realización editorial. En 2003 crea el grupo Icónikas (proyectos gráficos).

En 2010, inicia la investigación que culmina en la tesis doctoral «El cos okupat. iconografies del cos  femení com a  espai de la transgressió masculina en el còmic», en la que analiza el discurso del medio desde una perspectiva de género y rescata a las autoras invisibles, de la República a la actualidad.

Actualmente, Marika combina la investigación, la docencia y la difusión con la ilustración y el cómic. Sus últimas novelas gráficas son Mata-Hari (M. Vila & A. Martín, Isla de Nabumbu, 2019) y Mil Brujas (AA.VV. Serendipia, 2022).

Entrevista a Marika Vila

¿Cómo se despertó en ti la necesidad o el deseo de ilustrar? ¿Cuál es tu primer recuerdo con un lápiz en la mano?

Leyendo otros cómics… En primer lugar, en mi infancia, enamorándome del dibujo de los profesionales de referencia en la época, las y los autores de cómic femenino.

Más adelante y transcendiendo el género, leyendo todo cómic que cayera en mis manos: aventura, ciencia ficción, bélico, terror, histórico, humor, etc. normalmente dirigido a los chicos…

Me enamoré de la forma especial de síntesis comunicativa que posee el cómic. Descubrir que este medio posee un lenguaje propio (compuesto de imagen, secuencia, movimiento y texto) que combina la emoción con la racionalidad, me pareció un proceso mágico y no he parado de experimentar con él desde entonces, a la búsqueda de producir reflexión.

Mi primer y más antiguo recuerdo me lleva a la niña que copiaba los dibujos románticos de María Pascual, pero que enseguida pasó a trabajar con fotografías, experimentando en el realismo desde Selecciones Ilustradas, al empezar a trabajar para el mercado europeo: hacía ilustraciones a carbón y más tarde cómic romántico para Inglaterra, Escocia, Italia y Francia.

Un tiempo después, ya instalada en la profesión trabajé con mis compañeros en la recuperación de la autoría y la responsabilidad sobre el mensaje en el “cómic adulto”, o “de autor” que impulsamos en la transición a la democracia (1975/2000).

Nos llamaron la generación del compromiso, nos comprometíamos con la dignificación artística del medio y con la recuperación del cómic como espejo de los movimientos sociales: nuestras historias así lo reflejaron. Las mías, claro, a partir de la necesidad de un cambio de mirada sobre el discurso machista del medio.

La perspectiva feminista se impuso en mi trabajo y desde entonces sigo picando piedra: desde las historias cortas de humor (TANGOS) a las deconstructoras de estereotipos (REFLEJOS, MODERNA SECRETA o MATA HARI) o en las últimas participaciones en proyectos colectivos como VIVRE LE CORPS En Pulp Festival o MIL BRUJAS. Lo mismo sigo haciendo en mi trabajo como comisaria de exposiciones, articulista o investigadora.

¿Tienes algún rito especial, alguna manía, cuando te enfrentas a un proyecto creativo?

No, no en especial, más allá de generar un caos creativo; es decir una lluvia de ideas fruto de la recopilación de documentación e imágenes sobre el tema que quiero trabajar y la inmersión en el proceso hasta ir perfilando el proyecto que surge de todo ello.

¿Qué es lo que más raro que has llegado a dibujar-realizar?

Quizás mi participación en la “Cena Transgresora” (UPF, 2016) que realizamos 30 artistas de diversas disciplinas en homenaje al “Dinner Party” de Judy Chicago (con motivo del aniversario de las primeras Jornadas Feministas Catalanas, UB,1976).

Una performance en la que simulamos una mesa con 30 platos diferentes. El mío fue la deconstrucción del Príncipe Azul “Coctel RanAzul Frappé”. Un plato de cristal permite ver la historieta en el mantel, en la que el príncipe azul no convence y ella concluye “Besar al sapo siempre sale rana… me gustaba más el sapo”. Los cubiertos están hechos a partir de la deconstrucción de una rana de plástico y un muñeco Ken. Con los restos, sumergidos en purpurina y gelatina solidificada en copa de cristal, se crea el coctel. La parte sólida del plato es el beso del sapo…

¿Quiénes son tus referentes o influencias en literatura, música, etc.?

Evidentemente, influenciada por mi época, soy hija de Woody Allen y los tópicos y las vanguardias del siglo XX: Munch o Egon Schiele, Picasso, Joan Brossa, Umberto Eco, Andy Warhol, Moebius, Hugo Prat o Luis García, Jean Luc Godard o Alain Resnais.

Me influyeron todos en las formas de comunicación y el experimento… pero también tengo una mirada muy crítica sobre ellos desde el feminismo.

Estoy más cerca de Kate Kollwitz, Patricia Highsmith, Trina Robbins, Roberta Gregory o Chantal Montellier, Núria Pompeia, Virginia Wolf o Colette, Agnes Warda o Margaret Von Trotta, Teresa de Lauretis o Françoise Colin.

Me acompaña la música de Santana, Lou Reed, Leonard Cohen o Eric Clapton, Janice Joplin o Patti Smith, junto a Beatles y Rolling Stones, Serrat, Lluis Llach o Katrina and the waves, Sílvia Pérez Cruz…

En fin, lista interminable, soy fruto de la mezcla y de ella me sigo nutriendo.

¿Con qué artista o creador/a te correrías una juerga?

Con Enrique Ventura y Andreu Martín sería una eterna juerga de juegos de palabras, con Augusto Tharrats (Tha), que es un gran músico, viviría una noche de Jazz increíble, con la humorista Isabel Franc nos partiríamos de risa, como con Laura Pérez Vernetti, Antonia Santolaya, Ana Peñas, Flavita Banana… etc.

Con cualquier compañera o compañero de la profesión hablaríamos interminablemente del cómic usando la risa contra sus problemas… (sí, ya sé que no parece una juerga, pero las nuestras suelen ser así y garantizo que son divertidas).

¿Nos recomiendas una peli y un libro?

Monty Python’s “El sentido de la vida”

“Otras Miradas. Voces y formas de la creación feminista desde los años 60 en el estado español” C. Jareño y A.C. Sanz (dirs.) Bellaterra Ed. (2021).

¿Crees que el trabajo de ilustrador/a está suficientemente reconocido?

Seguramente no, pero también será eso lo que les debe parecer a los profesionales de otras disciplinas… nunca está suficientemente reconocida ni apoyada la cultura ni el arte… Desde fuera parece que se vive como un privilegio.

¿Qué harías para mejorar la situación?

No es nada fácil, no tengo ninguna solución mágica, más allá de lo que ya vengo activando en toda mi carrera.

De cualquier modo, pienso que debemos trabajar en pro de su reconocimiento y su inclusión en el discurso artístico, especialmente al cómic y aún más especialmente a las voces de las mujeres dentro de un territorio tan tradicionalmente dominado y colonizado por el masculino como ha sido este.

¿Qué consejo te hubiera gustado recibir cuando empezaste?

Lo cierto es que fui afortunada en este sentido, me dieron muy buenos consejos, entre ellos que acumulara paciencia y no dejara nunca de aprender.

También me dieron buenas armas, como fue el acceso a las diversas técnicas del dibujo clásico y del producto comercial, que es bueno dominar, para después abandonarlas o trascenderlas desde la experimentación… y la mejor de todas, la constancia (o tozudez convencida) en averiguar si hay algo que necesites decir… Yo aconsejaría lo mismo.

Para nosotros ha sido todo un privilegio poder contar con Marika para nuestro calendario solidario y le agradecemos enormemente que haya compartido con nosotros su experiencia como dibujante. ¡Todo un lujo!

Os recordamos que los beneficios del calendario están destinados a la Fundación Ronald MacDonald. Podéis haceros con vuestro ejemplar del calendario 2022 en nuestra web, en la Librería Bangarang y en la Fundación Ronald McDonald (Carrer de la il.lusió nº 6, junto al hospital Nueva Fe).

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