UNO CÁ™, un ilustrador amante de la tipografía y los bloques sólidos de color

El ilustrador Nicolás Villalobos se formó en la Universidad Diego Portales de Chile y cursó el Máster en Diseño e Ilustración por la Universitat Politècnica de València. Aunque nacido en Talagante, Chile, actualmente vive y trabaja en València, bajo el seudónimo UNO CÁ™.

Entrevista a Nicolás Villalobos, UNO CÁ™

¿Cómo se despertó en ti la necesidad o el deseo de dibujar? ¿Cuál es tu primer recuerdo con un lápiz en la mano?

Creo que el primer recuerdo que tengo con un lápiz en la mano es jugando con mi padre al «juego de las líneas». Consistía en que alguien trazaba una línea aleatoria —ya fuera abstracta, simbólica o sin un sentido aparente— y el otro debía completarla dibujando lo que quisiera. Ese es mi primer gran recuerdo del dibujo; gracias, papá.

Más adelante, el deseo de dibujar despertó cuando conocí a mi amigo Héctor. Él coleccionaba «croqueras» (unos blocs de dibujo de la marca chilena Torres) y dedicaba todo su tiempo a crear cómics. Yo intenté copiarlo y, aunque nunca logré terminar una historieta, empezar a trabajar en ese formato me inspiró a ser constante y a dibujar siempre. Desde entonces, sigo dibujando.

¿Cómo definirías tu estilo?

Definiría mi estilo como sintético y sólido, prestando mucha atención a las contraformas. Me encantan las manchas y el uso de los colores negros o los bloques sólidos. Además, creo que la tipografía es, por encima de todo, mi mayor fuente de inspiración a la hora de dibujar.

¿Qué técnica o material prefieres a la hora de trabajar?

Mis materiales favoritos son el papel blanco y los lápices negros. Prefiero trabajar con lápices de tinta, idealmente combinando uno de trazo muy grueso con otro más fino, pero que mantenga una presencia clara.

¿Por qué has elegido esta imagen para el Calendario Solidario de La Imprenta CG?

Mi intención era crear algo totalmente nuevo para el calendario (aunque no conocía, ni elegí, el mes que me tocaría), y el periodo de la convocatoria coincidió con un viaje a Chile, por lo que creé la ilustración en el avión durante el vuelo. De alguna forma, mientras dibujaba pensaba en frutas: para mí la naranja es muy valenciana, la manzana es muy alemana y la uva es muy chilena. De esa mezcla surgió la imagen; me pareció una idea muy bonita que un mes del calendario tuviera frutas.

¿Quiénes son tus referentes o influencias en literatura, música, etc.?

En cuanto a la literatura, diría que mi referencia más directa o indirecta es Alejandro Zambra. Me atrae tanto su estilo de escritura que me gustaría poder dibujar de la misma forma en que él escribe. En la música, destacaría a 31 Minutos: me encantaría ser tan divertido como ellos. Y si tuviera que elegir una serie, definitivamente sería The Office (por Michael Scott).

¿Nos recomiendas una peli y un libro?

La película que me gustaría recomendarles es The Roses, con Cumberbatch y Colman. Me encantan las comedias y, aunque no se considere estrictamente cine arte, me resultó muy divertida y, sobre todo, me sorprendió. En cuanto a libros, recomiendo encarecidamente leer a Pedro Lemebel: Tengo miedo torero, Loco afán, Adiós mariquita linda o cualquiera en realidad.

¿Crees que el trabajo de ilustrador/a está suficientemente reconocido? ¿Qué harías para mejorar la situación?

Solo puedo hablar por mi experiencia en València y en Santiago de Chile. Tengo la impresión de que en València el trabajo de ilustración y el diseño está mejor recompensado económicamente, aunque mi trayectoria aquí ha sido más bien breve. En Chile, donde mi trayectoria ha sido mayormente independiente, he notado que el diseño se percibe a veces como un trabajo de «segunda categoría». Sin embargo, la realidad es que es un oficio que, como cualquier otro, debe abordarse con el máximo rigor profesional según la problemática a la que se enfrenta. Tan solo es muy difícil luchar contra la idea de que la profesión del diseño gráfico ha dejado de lado su impacto social para convertirse en una herramienta pasiva del capitalismo y el culto a la personalidad. El reconocimiento necesario pasa por igualar nuestras condiciones a las de otros sectores profesionales. Para mejorar la situación, creo que es fundamental educar a los clientes, compartir conocimientos, ser muy transparentes con nuestros procesos y dejar de mirar tanto la estética y empezar a mirar la realidad política y ética.

¿Qué consejo te hubiera gustado recibir cuando empezaste?

Es el consejo que siempre doy y que me encantaría compartir con la humanidad, aunque busque una forma más suave de decirlo: en el diseño nadie muere. Ningún cliente pierde la vida por no llegar a un plazo. Es un trabajo, y si las cosas se piden «para ayer», es por una falta de organización del cliente. Hay que aprender a relativizar esa urgencia.

Desde La Imprenta CG queremos agradecer a Nicolás Villalobos su generosidad al colaborar con nosotros en nuestro Calendario Solidario.

Los beneficios de la venta del calendario, están destinados a la Fundación Ronald McDonald, que ofrece alojamiento a las familias de fuera de València con hijos hospitalizados en La Fe.

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Tatuando Tus Entrañas, un libro de poesía e ilustración

Diego Portillo Calle ha lanzado Tatuando Tus Entrañas, un libro en el que mezcla viñetas de cómic e ilustraciones con poemas, que busca lanzar preguntas, incomodar un poco y, al mismo tiempo, conectar desde lo sencillo, con un matiz naíf que lo hace muy especial.

Las páginas están llenas de crítica social, pero no desde un lugar oscuro o pesado, sino desde una mirada sencilla y directa, casi minimalista en su forma, que hace que el mensaje llegue incluso más fuerte.

Tatuando Tus Entrañas es un libro a color con 196 páginas, en el que imagen y palabra van de la mano, aunque no de la forma habitual: aquí los poemas no explican los dibujos, ni los dibujos ilustran los poemas sin más. Se acompañan, se contradicen y se complementan, dejando espacio para que cada persona saque sus propias conclusiones.

Diego Portillo Calle, el autor detrás de Tatuando Tus Entrañas

El artista madrileño Diego Portillo Calle es el autor de Tatuando Tus Entrañas. Portillo ha construido un estilo propio, mezclando distintas formas de expresión como la música, la ilustración y la escritura. En el libro se nota esa fusión, convirtiéndolo en una obra directa, honesta y muy libre.

Tatuando Tus Entrañas no es un libro para leer del tirón y olvidar. Es más bien para abrirlo, pararse en una página, pensar, y volver otro día.

Se puede conseguir un ejemplar escribiendo al autor por  instagram en @tatuandopapel, o en el email tatuandopapel@outlook.com.

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Por eso, Patricia Blanco y Javier Álvarez han escrito El dinero no es el problema: es la herramienta que nadie te enseñó a usar: un libro enfocado a la educación financiera básica, accesible y aplicable a la vida diaria.

La educación financiera, un vacío en el sistema educativo

Con el libro El dinero no es el problema: es la herramienta que nadie te enseñó a usar, Patricia Blanco y Javier Álvarez quieren dar respuesta a una necesidad real: Personas que trabajan duro, pero viven con la sensación de no llegar a fin de mes. Gente que gana más, pero nunca consigue avanzar. Familias que quieren organizarse mejor, pero no saben por dónde empezar.

Y es que, durante años, aprendemos matemáticas, historia o idiomas, pero salimos al mundo sin saber cómo funciona el dinero en la práctica. Este es un libro pensado para la vida real, no está dirigido a expertos, sino a aquellas personas que quieran entender, de forma clara y sencilla, cómo empezar a gestionar su dinero.

Con un enfoque claro y accesible, de aplicación práctica, el contenido se divide en dos partes: Una primera parte centrada en la mentalidad financiera: creencias, miedos y errores comunes.

Y una segunda parte orientada a la acción: organización del dinero, ahorro y primeros pasos en inversión.

Patricia Blanco y Javier Álvarez: un tándem perfecto

Patricia Blanco y Javier Álvarez han unido fuerzas para la creación de este libro, que explica de forma didáctica, práctica y amena cómo mejorar la gestión del dinero.

Patricia Blanco es maestra, educadora y logopeda, con más de 25 años de experiencia dedicados al ámbito de la educación y la formación. A lo largo de su trayectoria, se ha especializado en hacer accesibles contenidos complejos, adaptándolos a un lenguaje claro, práctico y comprensible para todo tipo de público.

En El dinero no es el problema: es la herramienta que nadie te enseñó a usar aporta el enfoque pedagógico necesario para comprender la relación con el dinero desde una perspectiva clara, aplicable y transformadora.

Javier Álvarez Fernández es inversor autodidacta, con experiencia en la gestión y crecimiento de su propio patrimonio a través de la aplicación práctica de estrategias financieras.

Su trayectoria se ha basado en el aprendizaje continuo y en la toma de decisiones reales en el ámbito del ahorro y la inversión, lo que le ha permitido desarrollar un enfoque claro, directo y basado en la experiencia.

En este libro es el responsable de la parte más técnica y estratégica, ofreciendo una guía clara y accesible para comenzar a gestionar el dinero y dar los primeros pasos en la inversión.

El dinero no es el problema: es la herramienta que nadie te enseñó a usar es un proyecto que da respuesta a un problema, la falta de educación financiera. Una carencia que, en muchas ocasiones, provoca decisiones equivocadas que salen caras.

Si quieres adquirir un ejemplar, puedes contactar con los autores en sus redes sociales:

• Instagram: @Patriciablanco.oficial
• Tiktok: @Patriciablanco.oficial
• Linkedln: Patricia Blanco Estébanez
• Facebook: Patricia Blanco Estébanez

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La mujer en la obra de Julio González, celebrando el 150º aniversario del artista

La exposición del IVAM ofrece una nueva mirada sobre la obra del artista Julio González, gracias a la selección de la comisaria Brigitte Leal, prestigiosa historiadora del arte y directora adjunta emérita del Museo Nacional de Arte Moderno, Centre Pompidou, de París.

Leal no solo profundiza en la figura del escultor catalán, también introduce una perspectiva innovadora al situar en el centro del relato a las mujeres que desempeñaron un papel decisivo en su vida y en la preservación de su legado.

De este modo, el museo se convierte en un espacio de recuperación no solo de las mujeres artistas, sino también de reconocimiento a la importancia de comisarias, historiadoras y profesionales que han contribuido a transformar nuestra comprensión del pasado.

¿Cómo se organiza la exposición?

La muestra del IVAM plantea dos recorridos, uno biográfico y otro temático. El primero revela una red femenina determinante desde el ámbito familiar. Proveniente de una familia de artistas, hijo de Pilar Pellicer, hija a su vez del pintor Lluís Pellicer, Julio González creció en un entorno artístico en el que sus hermanas mayores, Pilar y Lola, desempeñaron un papel activo.

Tras la muerte del padre, fueron ellas quienes trasladaron el negocio familiar a París y ambas figuraron como diseñadoras de joyas en las Exposiciones Nacionales de Industrias Artísticas de Barcelona entre 1892 y 1898.

A estas figuras se suma Marie-Thérèse Roux, compañera sentimental del artista, musa y también creadora, joyera que vendía sus piezas a casas de alta costura.

Asimismo, la figura de Roberta González, hija del escultor, adquiere relevancia tanto por su propia producción artística como por su relación con el pintor Hans Hartung.

Por otro lado, el itinerario iconográfico propuesto por Brigitte Leal permite reconsiderar la representación femenina en la obra de González. Partiendo de figuras heredadas de la tradición académica —Eva, la Virgen—, el análisis se desplaza hacia la supuesta dicotomía entre la garçonne y la campesina.

La mujer urbana, culta y moderna, asociada a la lectura y a nuevas relaciones con el cuerpo contrasta con la figura de la campesina, vinculada al trabajo, la maternidad y la perpetuación de la vida.

El carácter pionero de Julio González como artista se pone de manifiesto en su interés por la recuperación de materiales, la incorporación de la soldadura autógena del hierro al lenguaje escultórico y en su reivindicación del campesinado, entre otras facetas.

Para la muestra del IVAM se ha renunciado al omnipresente cubo blanco y se han elegido tonalidades cálidas y terrosas en las salas que albergan las obras, subrayando de este modo la conexión con la materialidad, el acogimiento y la tierra.

¿Dónde se puede encontrar el catálogo de la exposición del IVAM?

En La Imprenta CG hemos tenido el honor de imprimir el catálogo realizado para la exposición de Julio González. Un libro con 228 páginas, encuadernado en cartoné y con textos de Blanca de la Torre, directora del IVAM, y Brigitte Leal, comisaria de la muestra.

Con más de 167 ilustraciones a color, esta edición trilingüe —castellano, valenciano e inglés— es el complemento perfecto para esta innovadora exposición.

El catálogo se puede adquirir en la tienda física del museo, así como en su tienda online.

¿Por qué Julio González es importante para el IVAM?

Para el IVAM, la trascendencia de Julio González no solo se centra en su proyección internacional como pionero de la escultura en hierro y renovador radical de las técnicas escultóricas, sino también porque la donación de un significativo cuerpo de obras marcó el origen del museo, fruto de la generosidad de Carmen Martínez y Vivianne Grimminger, herederas de la hija del artista, Roberta González.

A ellas está dedicada esta muestra, a las herederas del legado familiar que realizaron donaciones fundamentales en 1985, cuando las Cortes Valencianas tramitaban la ley de creación del museo, y en 1992, tres años después de su inauguración en 1989.

Estas donaciones incluían también un conjunto significativo de obras de Roberta González y de Joan González, hija y hermano del escultor.

El IVAM alberga la colección más importante del mundo de obras de González y, a lo largo de los años, ha desarrollado una labor sostenida de investigación, conservación y difusión que ha contribuido decisivamente al conocimiento público del artista.

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¿De qué trata el fotolibro Les petites coses?

Les petites coses es el nuevo fotolibro de Quim Espona, un auténtico reto para el autor, ya que se trata de un recorrido por toda su trayectoria, una cuidada selección entre miles de fotografías que, a lo largo de su dilatada carrera, ha realizado Quim Espona.

Les petites coses es una pequeña muestra de algunas de las colecciones del fotógrafo, unidas por el hilo conductor de las sensaciones que le llevaron a capturar esos instantes.

En este fotolibro no aparecen fotografías de Espona realizadas para periódicos, revistas, libros o encargos profesionales. Las imágenes que forman parte de esta obra corresponden exclusivamente a una selección de fotografías que expresan sentimientos, emociones, percepciones y vivencias personales que, a lo largo de los años, han llevado a Quim Espona a hacer de la fotografía algo más que una afición.

El libro, diseñado por Isabel Espona, es una invitación a recorrer el mundo a través de la mirada personal de Quim, construida a través de la sensibilidad y la experiencia de toda una vida observando, sintiendo y capturando momentos.

Quim Espona, un fotógrafo hecho a sí mismo

Quim Espona lleva desde los siete años capturando el mundo a través de la cámara. Su pasión por la fotografía comenzó con una cámara que le regalaron en 1963 y, con el tiempo, se ha convertido una extensa trayectoria fotográfica que puede descubrirse a través de su web, donde se muestran las diferentes facetas de un autor que conoce los rincones más diversos de la fotografía.

De formación autodidacta, Quim Espona ha desarrollado su carrera profesional como reportero gráfico para publicaciones como La Vanguardia, L’Ausona o El 9 Nou.  Además, ha colaborado con numerosas publicaciones relacionadas con el arte y el medio natural.

Desde mediados de los años noventa, Quim Espona también se ha dedicado a la docencia, impartiendo clases de fotografía para jóvenes y adultos.

En el año 2000 publicó su primera recopilación fotográfica, Sensacions, un fotolibro en el que compartía una selección de vivencias personales e imágenes que invitan a disfrutar de la fotografía.

El trabajo de Quim Espona ha sido expuesto en muestra individuales en Vic, Manlleu y Barcelona, así como en diversas exposiciones colectivas en Cataluña y Madrid. También ha sido parte del jurado en concursos de fotografía.

Si quieres un ejemplar del fotolibro Les petites coses, puedes encontrarlo en librerías de Vic o contactando directamente con el autor a través de su Instagram o de su página web.

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Júlia Cano, el triomf del dibuix a mà alçada

La il·lustradora Júlia Cano és graduada en Filosofia i va cursar el màster em màster en Disseny i Il·lustració per la Universitat Politècnica de València.

Júlia és una il·lustradora en gran part autodidacta, passeja entre el text i el dibuix, explorant amb un traç lliure i de mà alçada on allò quotidià es barreja amb allò imaginat. El seu treball naix de l’observació, la curiositat i el desig de mirar el món una mica més a poc a poc.

El seu treball inclou projectes de cartelleria, editorial i producte. Entre ells es troben el cartell de Ho’oponopono yomimeconmigo a Russafa Escènica, la portada de Circumstàncies possibles (L’Eixam Edicions), il·lustració per a Oxxo Wedding, el calendari solidari 2026 per a l’Associació Contra el Càncer de Mama de Caravaca i l’etiquetatge de productes de Bodega Eras. Actualment experimenta amb el dibuix aplicat a la ceràmica, realitzant altars i taulells il·lustrats.

Entrevista a Júlia Cano

Com es va despertar en tu la necessitat o el desig de dibuixar? Quin és el teu primer record amb un llapis a la mà?

La veritat és que ni tan sols ho recorde. La meua mà mai ha estat lluny d’un llapis. Sempre he tingut al meu voltant fulls i colors que m’han acompanyat mentre somiava i jugava, així que dibuixar ha sigut per a mi una cosa molt natural des de sempre.

Tens algun ritu especial, alguna mania, quan t’enfrontes a un projecte creatiu?

Intente recordar les coses que m’inspiren. Primer pense, després observe i, finalment, ordene. Més que buscar referències noves des del principi, preferisc explorar allò que ja conec i donar-li una volta per transformar-ho en alguna cosa diferent, com si fora un eco nou. Ho faig així per no condicionar massa la meua imaginació.

Com definiries el teu estil?

Diria que el meu estil és prou lliure i de mà alçada, amb un traç viu i gestual. M’interessa que el dibuix conserve moviment i una certa espontaneïtat. Solc combinar línia solta amb taques de color molt lleugeres, encara que no em tanque a res.

Quina tècnica o material prefereixes a l’hora de treballar?

El que més m’agrada és treballar amb llapis, paper i tinta. M’interessa el contacte directe amb els materials i el procés manual. Tot i això, si la idea és interessant, no tinc una tècnica tancada: qualsevol material o eina pot servir-me per a desenvolupar-la.

Per què has triat aquesta imatge per al Calendari Solidari de La Imprenta CG?

He triat aquesta imatge perquè convida a aturar-se i pensar en el seu significat. Planteja una pregunta: què hi havia abans, la trampa o les flors? Saben els óssos que la trampa és perillosa i per això intenten substituir-la per alguna cosa bella? O no ho saben i estan en perill? També suggereix un altre dubte: qui es comporta realment de manera “humana”, qui posa la trampa o qui cuida i rega un jardí? És una imatge que busca provocar reflexió més que donar una resposta tancada.

Qui són els teus referents o influències en literatura, música, etc.? Ens recomanes una pel·li i un llibre?

Crec que aquesta és la pregunta més complicada de totes per a mi, perquè gaudisc tant que em costa triar. Un text que em va canviar la percepció de les coses va ser l’assaig Del paro al ocio de Luis Racionero, junt amb el seu llibre Filosofías del underground.

També vaig gaudir molt amb la imaginació viva d’Irene Solà, però un referent important per a mi és la periodista Leila Guerriero: els seus textos tenen una lucidesa i una precisió admirables; em va fascinar Teoría de la gravedad. Un llibre que pense que tothom hauria de llegir (perquè, a més, és curt) és Esto es agua, de David Foster Wallace.

Si parlem de música, encara es complica més l’assumpte, però crec que entre les meues bandes favorites hi ha The Stone Roses, The Smiths, The Durutti Column o Talk Talk. La música és un paisatge. No puc dir quin paisatge és millor: tots són diferents.

En pel·lícules ja em fa por entrar. Ho deixem ací.

Creus que el treball d’il·lustrador està prou reconegut? Què faries per millorar la situació?

No, el treball d’il·lustradora està poc reconegut. És un sector molt mal pagat, amb molta precarietat i condicions desiguals, on la majoria de professionals treballen com a autònoms i assumeixen una gran inestabilitat.

A més, el treball creatiu sovint està infravalorat. Per millorar la situació faria falta una major regulació del sector, tarifes més justes i una major consciència sobre el valor del treball creatiu.

Quin consell t’hauria agradat rebre quan vas començar?

Considere que encara estic començant. Diria: tingueu paciència, envolteu-vos de bons amics, parleu bé dels vostres companys i ajudeu-vos molt entre vosaltres, perquè creieu-me: cal ajuda per avançar en aquest món enrevessat.

A La Imprenta CG estem molt agraïts a Júlia Cano per haver participat al nostre calendari solidari.

Els beneficis de la venda estan destinats a la Fundación Ronald McDonald, que ofereix allotjament gratuït a les famílies els fills de les quals estan hospitalitzats a València.

A més, el nostre calendari solidari té com a objectiu visibilitzar el treball d’il·lustradors valencians, tant dels més consagrats com dels joves que comencen.

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¿Tienes un proyecto editorial y no sabes cómo financiarlo?

Crear un libro, cómic o cualquier proyecto creativo requiere tiempo, dedicación… y también presupuesto.
El crowdfunding se ha convertido en una de las formas más efectivas para financiar un libro sin inversión inicial, validando tu idea y creando comunidad desde el primer día.
En La Imprenta CG, queremos ayudarte a lanzar tu proyecto con éxito. Por eso hemos preparado esta guía completa sobre cómo hacer un crowdfunding en España, qué plataformas elegir y cómo preparar tus recompensas para que tu campaña funcione.

¿Qué es y cómo funciona el crowdfunding?

Que no te asuste el palabro. Crowdfunding es, simplemente, un sistema de financiación colectiva online en el que muchas personas, a los que se les conoce como mecenas, realizan pequeñas aportaciones económicas para que un proyecto salga adelante.

¿Cómo funciona una campaña de crowdfunding?

Si quieres crear un libro, un cómic o cualquier otro proyecto que tengas en mente y no tienes presupuesto, puedes hacer un proyecto de crowdfunding, y así financiar su lanzamiento.

Estos son los pasos básicos que debes seguir:

1. Creas tu proyecto en una plataforma especializada.
2. Defines la cantidad que necesitas para financiar tu libro.
3. Ofreces recompensas según el importe de cada aportación.
4. Lanzas la campaña (normalmente con fecha límite).
5. Si alcanzas el objetivo → recibes el dinero y puedes imprimir tu libro.
6. Si no lo alcanzas → la plataforma devuelve el dinero a los mecenas.

Al crear este proyecto en cualquiera de las webs que existen para trabajar con este método de financiación, podrás ofrecer distintas recompensas según la aportación que hagan los mecenas.

Por ejemplo, puedes poner que:

– si alguien te dona 30€ le das el libro + un marcapáginas
– si alguien te dona 45€ entonces le enviarás el libro + el marcapáginas + libreta cosida
– si alguien te dona 85€ entonces le envías el libro + el marcapáginas + la libreta + una camiseta

Así estas ofreciendo recompensas por un incremento de la donación, cuanto más donan más reciben.
La clave está en calcular bien precios y márgenes para no perder ni un euro durante la producción.

¿Cómo ayuda La Imprenta CG a tu proyecto de crowdfunding?

En La Imprenta CG  somos especialistas en la impresión de libros, láminas, postales, libretas, calendarios y todo tipo de productos perfectos para recompensas.

Ventajas de imprimir tus recompensas con nosotros

Queremos que tu campaña tenga el mejor resultado posible. Por eso, si necesitas ayuda con tus recompensas te asesoraremos con todos los productos que necesites y obtendrás:

• Asesoramiento personalizado: para elegir materiales, formatos y acabados que encajen con tu presupuesto. Nuestro comerciales te ayudarán a encontrar el producto perfecto.
• Presupuestos rápidos y adaptados: nuestros presupuesto se ajustarán en todo momento a tus necesidades.
• Condiciones especiales en reimpresiones: si tu campaña supera objetivos, y necesitas más cantidades de algún producto ya impreso con nosotros te ofrecemos ofertas y promociones.
• Opciones de impresión sostenible, ideales para proyectos con enfoque ecológico. Nuestra imprenta cumple con la normativa FSC + ISO 14000 + ISO 9001, somos sostenibles.
• Muestras de materiales: tenemos un muestrario de papeles que te facilitaremos gratis para ayudarte a decidir antes de lanzar tu campaña. También podrás adquirir una maqueta con la impresión de tu libro o cualquier otro producto principal del proyecto.
• Descuentos y promociones: en la impresión de recompensas: láminas, postales, agendas, libretas, marcapáginas, calendarios, para entregar el pack adquirido por el mecenas.

Pide aquí el presupuesto del producto principal y las recompensas antes de lanzar la campaña

Con este presupuesto podrás calcular con precisión el objetivo económico de tu crowdfunding y ajustar las recompensas para que sean rentables.
Es fundamental que te fijes objetivos realistas, si empiezas la campaña con antelación puedes medir la demanda de tu proyecto antes de imprimirlo, y así ajustar las cantidades que tienes que pedir a la imprenta y no pagar de más.

Al final, lo importante es que tu proyecto se convierta en algo tangible que llegue al mayor número de personas. Por eso queremos acompañarte en todo el proceso, para que el resultado sea el mejor y más rentable posible.

No dudes en preguntarnos, contacta con nosotros, y te asesoraremos de qué recompensas son las mejores y más rentables para tu proyecto.

¡Lánzate y haz realidad el sueño de lanzar tu libro o cualquier otro proyecto que tengas en mente!

Descarga aquí la guía gratuita para planificar tu campaña de crowdfunding y asegúrate de no olvidarte nada importante

Existen tantas formas de planificar una campaña de crowdfunding, como autores y creativos. Cada proyecto es diferente y la campaña que se realice para conseguir financiación debe estar adaptada a sus circunstancias.

Aunque hay estrategias que funcionan en casi todas las campañas:

1. Empieza antes de tener el libro impreso
Es recomendable comenzar antes de tener terminado los productos que vas a ofrecer, esto te sirve para ir narrando paso a paso los avances y cómo el proyecto se va convirtiendo en realidad.

De este modo, generas interacciones y confianza, creas una comunidad activa y aumentas la expectación.

2. Crea una página de campaña visual y atractiva
Es importante hacer una campaña visualmente atractiva, que llame la atención.

Incluye fotos, maquetas impresas, ilustraciones y un vídeo corto explicando tu proyecto. Esto aumenta la conversión.

3. Escribe una descripción original y clara
Las descripciones del proyecto deben ser originales y claras, que enganchen al público para conseguir contribuciones.

Explica el proceso creativo, el valor del proyecto y por qué deberían apoyarte.

4. Actualiza la campaña con frecuencia
Interactúa al máximo con tus posibles mecenas, contesta los mensajes rápidamente y actualiza el estado del proyecto con regularidad.

Cuanta más comunicación crees, más apoyo obtendrás.

5. Diseña recompensas equilibradas
Las recompensas (descuentos, promociones, regalos o detalles, primicias, publicaciones especiales solo para mecenas, etc.) son un modo muy efectivo de conseguir las aportaciones.

6. Incluye opciones básicas, intermedias y premium.
Asegúrate de que cubran los costes de producción + envío + margen de seguridad.

Tipos de Crowdfounding

Crowdfunding de recompensas: Es el más utilizado cobre todo para proyectos creativos. Se ofrece un producto o servicio a cambio de la aportación. Pueden ser descuentos, regalos, avances exclusivos, etc.
Crowdfunding de donación: Este tipo de recaudación de fondos no supone ningún retorno monetario para los donantes, que realizan su aportación de manera altruista, simplemente por el hecho de apoyar un proyecto que les apasiona o una causa con la que se solidarizan.
Crowdfunding de inversión: En este tipo de micromecenazgo el donante obtendrá acciones o parte de los beneficios del proyecto una vez finalizado.
Crowdfunding de préstamo: Es más parecido a una financiación bancaria tradicional, ya que los donantes obtendrán el retorno de la cantidad aportada, más una cantidad extra, que se determinará por un tipo de interés.

¿Qué plataforma de crowdfunding elegir?

Para que los mecenas que aportan su capital sepan que un proyecto es digno de confianza y su dinero no va a desaparecer sin más, existen numerosas plataformas online que se encargan de ponerles en contacto con los creadores, automatizando el proceso y haciéndolo mucho más fiable y rápido, al tiempo que dan visibilidad a proyectos independientes.

Encontrar la plataforma crowdfunding que más se ajuste a las necesidades y particularidades de un proyecto es un paso básico. Estas son algunas de las más populares:

• Verkami: El crowdfunding creativo por excelencia. Es una plataforma con mucho éxito en España, con una comunidad muy activa, y con un gran número de proyectos creativos.
• Kickstarter: Es una de las plataformas más conocidas a nivel internacional. Gracias a las donaciones de sus mecenas han salido adelante películas, APPs, videojuegos, libros, juguetes y un sinfín de proyectos. Se basa en el crowdfunding de recompensas.

• Gofundme: Es otro de los gigantes del crowdfunding en todo el mundo. Es más conocida por sus campañas de recaudación para causas sociales, emergencias, de investigación o benéficas.

• Indiegogo: Plataforma con proyectos de lo más variado, no necesariamente centrados en la creatividad artística, sino que podemos encontrar inventos de todo tipo.

• Goteo: Es una plataforma que no solo se centra en las aportaciones monetarias, sino que también fomenta el intercambio de saberes, habilidades y tareas. De ese modo, los donantes pueden colaborar de manera activa en los proyectos.

¿Qué costes debe incluir el presupuesto de tu campaña de crowdfunding?

Uno de los errores más comunes en el crowdfunding es subestimar los costes reales del proyecto. Una campaña bien planificada necesita un cálculo detallado que incluya todos los gastos asociados a la producción, logística y comisiones. Aquí te detallamos cada punto para que puedas construir un objetivo económico sólido y sin sorpresas.

Descarga el kit completo: Guia Profesional Para hacer Una Campaña De Crowdfunding

Coste de impresión del libro

Es el gasto principal en la mayoría de proyectos editoriales.

Debe incluir imprescindiblemente:

• Tipo de impresión (digital u offset)
• Número de páginas
• Tipo de papel interior y de cubierta
• Encuadernación
• Tintas y acabados especiales (barniz, stamping, laminado, troquelados…)
• Cantidad total a imprimir

Por qué es importante

El coste unitario varía mucho según el volumen. En crowdfunding, normalmente imprimirás justo las unidades necesarias para los mecenas + un pequeño excedente para venta posterior.

Por eso es imprescindible pedir presupuesto a la imprenta antes de lanzar la campaña

Coste de las recompensas adicionales

Además del libro, la mayoría de campañas ofrecen:

• Marcapáginas
• Láminas
• Postales
• Libretas cosidas
• Pegatinas
• Camisetas
• Merchandising especial

Estos productos deben incluir impresión + manipulado + empaquetado.

Consejo
Elige recompensas que:
– sean económicas de producir
– encajen con el estilo de tu libro
– no aumenten demasiado el coste de envío
– hacerlas con el mismo proveedor (abarata costes)

Por eso es importante escoger bien las recompensas

Envío

Este apartado suele quedar corto si no se calcula bien, y es donde te puede hacer perder dinero.

Incluye:

• Envíos nacionales
• Envíos internacionales (si los ofreces)
• Embalajes (sobres reforzados, cajas, burbujas…)
• Etiquetas y manipulado
• Subida de tarifas según peso y volumen

Recomendación
– define el envío como recompensa separada si hay muchas variaciones por zona.
– usa un proveedor de envíos que puedas prever con antelación.

Comisiones de la plataforma

Este punto también es muy importante y a muchos se les suele olvidar poner este coste en el presupuesto de la campaña. Todas las plataformas de crowdfunding aplican comisiones.

En general:
– Plataforma: 5% aprox.
– Pasarela de pago (Stripe, PayPal…): 2%–3% aprox.
Es decir, calcula entre un 7% y 8% del total recaudado. Estudialo bien para no pillarte los dedos y así no tendrás que echar mano de tu bolsillo.

Impuestos

Esto depende de tu situación fiscal y del tipo de producto.

En la mayoría de casos:
– Los libros tributan al 4% de IVA en España. Recuerda preguntar en la imprenta si tu proyecto puede hacerse con este IVA o tienes que aplicar el 21% (siempre depende del tipo de libro que realices).
– Resto de recompensas (láminas, camisetas, merchandising): 21% de IVA.

Importante
Una parte del dinero recaudado se deberá declarar como ingreso, por lo que es necesario incluir los impuestos en el objetivo económico de la campaña.

Margen de seguridad

El margen de seguridad es imprescindible en cualquier crowdfunding bien planteado. Se recomienda añadir entre 10% y 20% adicional al presupuesto final para cubrir:

– Reimpresiones por errores o defectos
– Unidades dañadas en el envío
– Incrementos de materiales
– Mecenas que piden cambios de dirección
– Tarifas variables de transporte
– Comisiones imprevistas

Un crowdfunding sin margen = riesgo de pérdidas.

¿Qué consigues planificando así?

– Un objetivo económico realista
– Una campaña viable y rentable
– Evitar sorpresas desagradables
– Poder entregar las recompensas sin sobrecostes
– Transmitir profesionalidad a tus mecenas

Recuerda pedir presupuesto antes de fijar el objetivo económico

Errores comunes a evitar en una campaña de crowdfunding y cómo solucionarlos

Aunque el crowdfunding es una forma fantástica de financiar un libro o cualquier proyecto creativo, hay errores habituales que pueden comprometer el éxito de la campaña. Aquí te explico los más comunes y cómo evitarlos.

Evita errores costosos desde el principio: Descarga el Checklist pro de campaña y planifica como un profesional

Poner recompensas complejas o difíciles de producir

Un error frecuente es diseñar recompensas demasiado elaboradas, con muchos elementos o procesos de producción poco realistas.

Suelen fallar por:

• Costes imprevistos
• Tiempos de producción demasiado largos
• Proveedores que no pueden asumir ciertas cantidades
• Dificultad para almacenar o enviar productos voluminosos

Cómo evitarlo
– Elige recompensas que puedas producir fácilmente y con un proveedor fiable.
– Calcula tiempos de impresión y entrega reales.
– Haz pruebas previas o prototipos.
– Prioriza productos sencillos, útiles y rentables: libros, láminas, marcapáginas, libretas, postales.

Recuerda que tienes toda nuestra ayuda para decidir que recompensas utilizar en tu campaña

No calcular bien los márgenes

Muchos creadores subestiman los costes reales, lo que provoca que la campaña sea un éxito… pero que el creador pierda dinero.

Costes que a menudo se olvidan:

• IVA y comisiones de la plataforma (Verkami, Kickstarter, etc.)
• Coste del embalaje y envío
• Reimpresiones imprevistas
• Incrementos de precio según el volumen final
• Tiempo de preparación o manipulado

Cómo evitarlo
– Pide un presupuesto cerrado de todos los productos antes de fijar el objetivo económico.
– Añade siempre un margen de seguridad del 10–20%.
– Calcula correctamente los costes de envío nacional e internacional.
– Revisa las comisiones de la plataforma (suelen ser entre 5%–8%).

No hacer pruebas de impresión antes de lanzar la campaña

Las plataformas de crowdfunding funcionan mejor cuando el creador muestra fotos reales del producto o incluso un prototipo.

Muchos proyectos fracasan porque las imágenes parecen poco profesionales o no representan la calidad final.

Cómo evitarlo
– Solicita un prototipo del libro, lámina o producto principal.
– Muestra fotos de detalle: papel, encuadernación, textura, portada.
– Lleva el prototipo a ferias, eventos o redes sociales para enseñar el avance.

Hacer una campaña visualmente pobre

En plataformas como Verkami o Kickstarter, lo visual es el 70% del éxito.

Un diseño pobre transmite poca confianza, incluso aunque el proyecto sea fantástico.

Problemas habituales:

• Fotos oscuras o sin edición
• Diseño gráfico improvisado
• Vídeo de mala calidad
• Páginas de campaña con demasiado texto y poca estructura

Cómo evitarlo
– Usa buenas fotografías, iluminación y fondos neutrales.
– Crea una identidad visual coherente (colores, tipografías, ilustraciones).
– Añade un vídeo breve (30–60 segundos) explicando el proyecto: aumenta la conversión.
– Divide el texto en secciones claras, con títulos y bullets.

No comunicar los avances de forma regular

El silencio en un crowdfunding se interpreta como una falta de avance o compromiso.
Esto afecta directamente a la confianza del mecenas.

Cómo evitarlo
– Publica actualizaciones cada 3–5 días durante la campaña.
– Comparte avances reales: diseño, impresión de pruebas, bocetos, hitos alcanzados.
– Responde rápido a comentarios y mensajes.
– Activa recordatorios y avisos cuando estés cerca de un objetivo.

No tener una comunidad mínima antes del lanzamiento

Uno de los errores más grandes es pensar que la plataforma atraerá todo el tráfico.
La realidad es que entre el 60% y 80% de las aportaciones vienen de tu propia comunidad, al menos al principio.

Si lanzas sin audiencia, la campaña empieza sin impulso… y la plataforma no te dará visibilidad.

Cómo evitarlo
– Crea una pequeña comunidad antes del lanzamiento:

– seguidores en redes
– newsletter
– contactos profesionales
– grupos de ilustración, lectura, cómic, escritura

– Anuncia el proyecto semanas antes de publicarlo.
– Pide a tu círculo cercano que participen en las primeras 48 horas (clave para posicionarte en la plataforma).
– Prepara un pre-lanzamiento con contenido en redes, email y web.

¿Por qué apostar por el crowdfunding?

Estos son algunos de los motivos por los que hacer una campaña de crowdfunding es una buena idea.
– Financiación sin inversión inicial
El crowdfunding te permite producir tu proyecto sin adelantar grandes cantidades. Los mecenas apoyan tu idea y tú puedes centrarte en crear.
– Validación real de tu propuesta
Una campaña exitosa demuestra que existe un público interesado. Es una forma eficaz de medir la demanda antes de imprimir.
– Más visibilidad para tu trabajo
Las páginas de crwodfunding te facilitan la interacción con su comunidad, ya creada y activa, así tu campaña puede llegar a personas que aún no te conocen.
– Libertad creativa
Tú decides el formato, los materiales y el enfoque. No hay intermediarios que condicionen tu obra.
– Conexión con tus mecenas
El crowdfunding genera un vínculo especial: no solo compran un producto, sino que participan en hacerlo realidad.

¿Listo para hacer realidad ese proyecto impreso que estás esperando lanzar pero que no has podido aún hacerlo realidad porque te resulta costoso? La Imprenta CG te lo pone fácil.
Ya tienes lo más difícil, conocer cómo funciona el sistema crowfounding y cómo hacer que tenga éxito, así que no lo pienses más, da el siguiente paso: dar visibilidad a tu proyecto.

Imprime tus recompensas con nosotros

Aquí tienes algunos crowfounding que ya están teniendo éxito para que te inspires al crear tu campaña.
El pacto de Goya 2/2
Lazarillo de Tormes, el Cómic
TERAPUKE – La agenda para gestionar tus emociones y bienestar mental
Libro de ajedrez de Alfonso X el Sabio

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Descarga el Kit para crear una campaña crowdfunding de éxito

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La grieta reina, una historia sobre la falta de afecto

Editada por Urbiko Ediciones, La grieta reina es la nueva obra de Arantza Álava. Es una novela sobre la falta de afectos, que sumerge al lector en una historia poderosa.

Arantza Álava es autora del poemario Esencia urbana (2020) y de los libros de relatos Peces de terraza (2021) y Viento sin norte (2023), género en el que fue ganadora del Concurso Ciudad de Orduña 2020.

La grieta reina confirma su madurez narrativa y consolida una voz literaria personal, atenta a las fisuras de lo íntimo y a la complejidad de los vínculos afectivos.

Después de sus magníficos volúmenes de relatos, que llegaron a toda España a través de las distribuidoras más importantes del país y tuvieron muy buena acogida, La grieta reina supone un salto de calidad para una autora que no deja indiferente, que es capaz de entrar en el alma del lector, haciéndole sentir protagonista de sus historias.

¿De qué trata la novela La grieta reina?

La grieta reina es la historia de un descubrimiento en la infancia, una grieta que revelará a Yoli secretos inconfesables. Una búsqueda —de razones, de aceptación, de amor— en la que el mar aparece como una imagen recurrente, entre lo dicho y lo que permanece en silencio, como un final que se insinúa más que se anuncia.

Demostrando un profundo conocimiento de la psicología humana, Arantza Álava ha construido una novela conmovedora y poderosa. A través de una prosa ágil, descarnada y sin artificios, la autora nos ofrece un viaje vital del que no regresaremos ilesos.

La cubierta del libro es obra de Beatriz Deza Trujillo, fotógrafa fuenlabreña que vuelve a colaborar con Arantza después de Viento sin norte, su anterior trabajo.

Al igual que todas las obras de la autora, La grieta reina ha sido impresa en los talleres de La imprenta CG.

La grieta reina y el resto de bibliografía de Arantza Álava están disponibles en todas las librerías de España, físicas y virtuales. Si quieres un ejemplar dedicado o simplemente dejarle tus impresiones sobre el libro, puedes ponerte en contacto con la autora a través de Instagram.

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¿De qué trata el libro Cómo me la maravillaría yo?

Cómo me la maravillaría yo, escrito por Aitor Domingo, cuenta mucho más que una historia, despliega todo un mundo ante el lector. Es literatura que se habita, en la que el autor no se limita a narrar, sino que ofrece todo un territorio emocional, imaginario y generacional en el que se adentra sin mirar atrás.

Cómo me la maravillaría yo comienza con un padre explicando el mundo a su hija de dos años y ese es el punto de partida de un viaje íntimo, hacia atrás y hacia delante en el tiempo, repleto de preguntas que no sabía que tenía.

¿Qué es criar, educar, recordar y reinventar? Cómo me la maravillaría yo es una exploración luminosa y delirante, una novela de tono tierno, irónico y vulnerable, en la que el protagonista, desbordado, se enfrenta a la tarea imposible de traducir el mundo para una criatura que lo mira todo por primera vez.

Y en ese intento de explicar el mundo, la realidad empieza a comportarse de maneras inesperadas: la memoria se abre como un portal, los sueños se vuelven transitables, la genealogía se convierte en mitología, y lo cotidiano —un centro comercial, un cuento improvisado, una conversación antes de dormir— se transforma en aventura, rito y revelación.

La novela avanza con un ritmo rápido y rítmico, mezclando con maestría lo que duele con lo que hace reír, lo que pesa con lo que libera. Es una novela en la que el humor es una pieza fundamental: absurdo, tierno, afilado. Hay ternura, pero nunca empalagosa. Hay crítica social, pero sin caer en el panfleto. Hay fantasía, pero nunca escapista. Y, sobre todo, hay una mirada profundamente humana que convierte cada página en un acto de resistencia contra el cinismo.

Este libro es también una celebración de la imaginación como herramienta de supervivencia. Frente a un mundo que a veces parece diseñado para aplastar, el narrador elige maravillarse. Elige transformar la herencia —con sus luces y sus sombras— en un relato que su hija pueda habitar sin miedo. Y en ese gesto, la novela se convierte en algo más que ficción: se convierte en un acto de amor radical.

Cómo me la maravillaría yo no es un libro sobre la paternidad, sino sobre lo que nos hace humanos: la memoria, el humor, la fragilidad, la épica secreta de las familias, la belleza inesperada de lo cotidiano, la necesidad de contar historias para no perdernos.

En las páginas del libro, el autor dialoga con la tradición del realismo mágico, con la literatura del yo, con la fábula, con el mito, con el sueño, con la comedia y con la filosofía.

Cómo me la maravillaría yo es una invitación a mirar el mundo con otros ojos, a recordar que incluso en el cansancio hay maravilla, a aceptar que la vida es un caos hermoso que solo se ordena cuando lo contamos. Un libro que no explica el mundo, sino que lo reinventa. Un libro que no busca respuestas, sino que abre puertas.

Cómo me la maravillaría yo es un libro en el que la ternura es una forma de valentía, la imaginación una forma de verdad y la maravilla una forma de estar vivo. Sin duda, algo muy necesario en los tiempos que corren.
Si quieres hacerte con un ejemplar, puedes contactar con el autor a través de este email.

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El Espejo Roto, una novela sobre los años 80 en el Vallès Oriental

El Espejo Roto, obra de Ian S. Martin, es un libro de marcado carácter social, una historia dramática ambientada en el Vallès Oriental (Barcelona) de principios de los años 80, y que aborda los problemas y retos de la emigración interior española de esa época.

El autor aborda el lento deterioro del sueño de prosperidad en el barrio obrero de Canovelles, un suburbio construido con las promesas rotas que el régimen franquista hizo a los jornaleros llegados del Sur.

La historia se centra en Tony, un niño testigo de la precariedad y la violencia doméstica que se ciernen sobre su familia, y cómo esa impotencia infantil moldea al hombre roto que está destinado a ser.

El Espejo Roto es una novela perfecta para adultos y adolescentes, que explora temas de memoria obrera, conciencia de clase, pérdida de identidad; así como la violencia estructural y el desarraigo que acechan a los personajes. Todo ello con un tono de realismo crudo y atmosférico que utiliza la geografía del suburbio —el humo de las fábricas, las vías del tren, el moho en las paredes— como un personaje más.

¿Quién es Ian S. Martin, autor de El Espejo Roto?

El Espejo Roto es obra de Ian S. Martin, un autor de imaginación desbordante, apasionado por inventar historias y situaciones, que plasma en novelas, cuentos y otros formatos literarios.

Su escritura combina la crítica social con un estilo detallista, pulcro, directo, de vocabulario rico; con un toque cinemático y muy sensorial, buscando siempre una conexión profunda con el lector.

El autor es una persona comprometida con su entorno y el voluntariado, especialmente con personas mayores, y cultiva un espíritu sensible a las injusticias.  Debido a su conciencia social, el maltrato, los abusos de poder o el acoso son temas recurrentes en su obra, que tiene como objetivo generar emoción, reflexión, esperanza, denuncia e identificación en el lector.

El Espejo Roto es un libro perfecto para adultos y adolescentes que quieran conocer cómo era la vida de barrio en el Vallès Oriental de los años 80. Si quieres comprar un ejemplar, puedes hacerlo a través de la web del autor. ¡Esperamos que os guste tanto como a nosotros!

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Tete Chumi ilustra marzo en nuestro calendario solidario

Tete Chumi se formó como ilustrador en la Escuela de Artes y Oficios de Valencia y desde hace años se encarga de la creatividad publicitaria del grupo de rock Doctor Divago, donde también toca la armónica.

Entrevista a Tete Chumi

¿Cómo se despertó en ti la necesidad o el deseo de dibujar? ¿Cuál es tu primer recuerdo con un lápiz en la mano?

De nano me gustaba mucho garabatear y sobre todo hacer guerretas en las libretas, mientras daban clase. Dibujaba unos muñecos muy esquemáticos, rollo el “Bueno de Cuttlas” (del gran Calpurnio), batallones de infantería, nidos de ametralladora y tanques que luego hacia estallar en el folio… Más de una vez me castigaron al descubrirme, por reproducir el ruido de las explosiones y el repiqueteo de las metralletas… ¡Lo pasaba booomba!

¿Tienes algún rito especial, alguna manía, cuando te enfrentas a un proyecto creativo?

Soy muy desordenado, pero a la hora de dibujar me gusta tener la mesa de trabajo limpia, sacapuntas, goma de borrar a la vista y dos o tres lápices siempre bien afilados.

¿Cómo definirías tu estilo?

Línea guarra… ¡Va! Sucia, mejor… ¡Je, je, je!

¿Qué técnica o material prefieres a la hora de trabajar?

Prefiero técnicas tradicionales y mancharme de tinta, acrílico o témpera. En ocasiones, también coloreo con programas digitales e investigo… Aunque siempre suelo hacer contornos y figuras con lápices que después escaneo.

¿Por qué has elegido esta imagen para el Calendario Solidario de La Imprenta CG?

Es un regalo que le hice a un colega que volvía, como tantos otros en la reclusión de la pasada pandemia, a tocar la guitarra. Si os fijáis bien pone hasta la dedicatoria… ¡Siiií! Es muy cursi.

En aquella época miraba con envidia cómo los animales disfrutaban de la libertad, y de vez en cuando aparecía algún pajarete en el balcón a recordarnos burlón que en ese momento el cielo era suyo.

¿Quiénes son tus referentes o influencias en literatura, música, etc.?

Soy un apasionado del blues y practicante del rock desde hace más de 35 años, por la gracia de Doctor Divago.

Boixcar, Crumb, Tardi, Moebius, Pratt y Ana Penyas, como referentes gráficos.

¿Nos recomiendas una peli y un libro?

El Emperador del Norte, de 1973. La protagonizan dos de mis actores preferidos: Lee Marvin y Ernest Borgnine. Refleja la dura vida de los vagabundos intentándose colar en trenes de mercancías durante la gran depresión en EE.UU.

Un comic: Paracuellos, crónica esencial, del gran Carlos Giménez. Para quien quiera conocer la realidad de los niños en la cruda posguerra franquista.

En La Imprenta CG estamos encantados de haber contado con Tete Chumi para ilustrar nuestro calendario solidario, cuyos beneficios de la venta están destinados a la Fundación Ronald McDonald.

La Fundación realiza una labor muy especial, ya que facilita alojamiento gratuito a las familias cuyos hijos están ingresados en el Hospital La Fe de València.

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Rob Janoff: el creador del logo de Apple

Rob Janoff nació en Culver City, California. Se formó como diseñador industrial en la San Jose State University, aunque posteriormente cambió de rumbo y se centró en el diseño gráfico, tras descubrir que la rama industrial no le atraía.

Al finalizar su formación en 1970, Rob Janoff comenzó a trabajar en pequeños estudios y agencias publicitarias de Silicon Valley, una zona que comenzaba a despuntar por la concentración de proyectos que aunaban creatividad e innovación.

En 1977, Rob comenzó a trabajar en Regis McKenna, una agencia especializada en marketing asentada en Palo Alto, y que contribuyó de manera muy destacada en crear la imagen de marca de Apple.

De hecho, los responsables de Apple no estaban muy contentos con el nombre, y valoraban cambiarlo por uno más parecido a IBM, más serio y tecnológico. Sin embargo, fue el propio Regis McKenna, fundador de la agencia, quien convenció a Steve Jobs de mantener el nombre Apple, para diferenciarse de sus principales competidores y lograr una imagen de marca única y totalmente reconocible.

El mismo año en el que Rob Janoff se incorporó al equipo de Regis McKenna, le encargaron el diseño de la identidad corporativa de Apple. El diseñador fue elegido principalmente por su experiencia con clientes de empresas tecnológicas y su talento para lograr captar en imágenes conceptos abstractos.

Cuando Rob se reunió con sus nuevos clientes, Apple Computer era una pequeña empresa, con tres socios: Steve Jobs, Steve Wozniak y Mike Markkula.

Además, querían que la nueva identidad visual de la empresa coincidiera con el lanzamiento del primer ordenador personal de la firma: el Apple II.

El proceso de creación del logo y la imagen corporativa solo le llevó A Rob Janoff dos semanas y presentó dos propuestas de su famosa manzana, una con el mordisco y otra sin él.

Nadie tuvo dudas: la manzana mordida con franjas de colores fue un flechazo instantáneo y rápidamente aceptada por Steve Jobs, que quería que el nuevo logo estuviera listo para la presentación del Apple II en abril.

La manzana mordida se multiplicó por anuncios de prensa, catálogos, carteles, los propios ordenadores de la marca y los disquetes de software. Y así se mantuvo durante más de 20 años, cuando abandonó el color para pasar a ser monocromático.

¿Por qué el logo de Apple es una manzana mordida?

A la hora de comenzar a pensar en una identidad corporativa para Apple, Rob Janoff lo tuvo claro, una manzana era el logo obvio.

Sin embargo, una manzana esquemática y sin detalles podría ser confundida con una cereza, ante la falta de referencias en cuanto a tamaño.

Una manzana mordida no solo distinguía al logo de cualquier otra fruta y daba escala a la imagen, sino que añadía capas de significado, al relacionar la fruta mordida con conceptos como el pecado, la tentación y el conocimiento; el sueño dorado de cualquier publicista.

Las líneas de colores de la manzana le daban un toque moderno, poco habitual en la época, y representaban a la perfección otro punto diferenciador de los ordenadores de Apple: sus pantallas eran a todo color, muy lejos de las clásicas pantallas en negro y verde de las primeras computadoras personales.

Los colores fueron cuidadosamente elegidos, realizados con mezclas personalizadas. El propio Steve Jobs se implicó profundamente en este tema, ya que confiaba mucho en el poder visual de los colores para despertar reacciones en los consumidores.

La carrera de Rob Janoff tras el éxito de logo de Apple

Tras abandonar la Costa Oeste, Rob Janoff cruzó el país y trabajó para diferentes agencias de alto nivel en Nueva York y Chicago, y para clientes como Citibank, Kraft, IBM o John Deere.

Finalmente, fundó su propia agencia junto a su socio Joel Bohm, desde la que sigue trabajando para importantes cuentas.

Rob Janoff viaja constantemente, ofreciendo clases magistrales y charlas, además de impartir clases en diferentes centros educativos.

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Exposición “El Prado multiplicado: la fotografía como memoria compartida”

Hasta el 5 de abril se podrá visitar en el Museo del Prado la exposición “El Prado multiplicado: la fotografía como memoria compartida” en la que, a través de más de 40 obras se puede recorrer visualmente la pinacoteca tal y como era hace siglos.

Sorprende la disposición apelotonada de las obras, el mobiliario, la calefacción y lo vacías que se ven las salas, incluso las que hoy en día baten récords de visitas.

Comisariada por Beatriz Sánchez Torija, la exposición cede el protagonismo total a la fotografía, destacando la importancia de este arte, tanto en los museos como en la sociedad.

Los fondos fotográficos del museo abarcan más de 10.000 obras, fundamentalmente imágenes de piezas de la colección. De forma aproximada, la documentación organizada de las piezas comenzó alrededor de 1860.

Se trata de copias realizadas a la albúmina, al carbón o a la gelatina, así como reproducciones fotomecánicas en formatos como tarjetas estereoscópicas o postales, con las que se puede observar la evolución de los procesos fotográficos. Como las técnicas e instrumentos de la época tenían muchas limitaciones, en ocasiones era necesario trasladar las obras para poder ser captadas con luz natural.

Con esas primigenias fotografías, comenzaron a circular imágenes del Prado entre los visitantes y coleccionistas. Fue a principios del siglo XX cuando se generalizó el uso de las tarjetas postales con imágenes, y ese auge permitió que las obras del museo viajaran por todo el mundo, aunque fuera en versión reducida.

Entre los pioneros de la fotografía en el Prado destacan profesionales y empresas como Juan Laurent, José Lacoste, Braun, Moreno, Anderson o Hanfstaengl. Todos ellos fueron fundamentales para la difusión de la imagen del museo y las obras que contiene, generando interés y expectación entre el público.

Una exposición en pequeño formato

La exposición “El Prado multiplicado: la fotografía como memoria compartida” tiene como objetivo resaltar el papel de esas fotografías como herramienta de difusión de los fondos del museo, al tiempo que reivindica su propio valor como obras de arte.

La muestra forma parte de Almacén abierto, un programa de pequeñas exposiciones celebradas en la sala 60, centrado en el siglo XIX, con piezas que no suelen estar expuestas y que indagan en diferentes perspectivas artísticas y técnicas.

Una ocasión perfecta para adentrarnos en los entresijos del Museo del Prado.

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Un libro sobre la investigación histórica de la Orden de San Francisco en Olivenza

El libro Convento de São Francisco de Olivença / Olivenza – Entre o velho e o novo explora la importancia de la Orden de San Francisco en el entorno de Olivenza, indagando sobre las dinámicas de poder, la fe y el arte que ayudaron a el desarrollo de la identidad de la zona, situada entre Extremadura y el Alentejo portugués.

Los autores han optado por un riguroso enfoque histórico, y a lo largo del libro se relata el nacimiento del convento original, de principios del XVI, y su traslado al centro de la urbe a finales del mismo siglo.

Ayudados por numerosa documentación inédita, los autores proponen una visión total sobre esta comunidad, ofreciendo numerosos detalles, relatando tradiciones antiguas, con imágenes de capillas y aspectos novedosos y curiosos sobre el patrimonio de la Orden.

El libro ha sido editado en portugués, ya que gran parte de la extensa documentación en la que se basa la investigación está en ese idioma.

José Antonio González Carrillo y Mário Rui Simões Rodrigues, autores del libro

El libro Convento de São Francisco de Olivença / Olivenza – Entre o velho e o novo ha sido editado por los autores, José Antonio González Carrillo y Mário Rui Simões Rodrigues, ambos con una amplia trayectoria en la publicación de investigaciones históricas en España y Portugal.

José Antonio González Carrillo, nacido en Olivenza, tiene formación en publicidad y diseño, así como en áreas como la fotografía, la ilustración y la edición.

Especializado en conservación histórica, la mayor parte de su obra se centra en libros en los que el diseño gráfico y la creatividad comparten protagonismo con la narración histórica.

La temática de sus publicaciones indaga sobre el contexto cultural e histórico de su entorno más próximo. Es autor de las siguientes obras: Saudade; Olivenza oculta; La herencia portuguesa en las cofradías de Olivenza; Almas da Magdalena; Cuando ya no estemos; Ruas e aldeias de Olivença.

También es coautor de Oliventinos y El Foral Manuelino de Olivenza.

Mário Rui Simões Rodrigues, nacido en Angola en 1967, es licenciado en Historia por la Facultad de Letras de la Universidad de Coímbra y en Derecho por la Facultad de Derecho del mismo centro educativo.

Es autor de: Olivença na Conferência da Paz de 1919; Viagens pela História de Alvaiázere; Da Estrada Romana ao Telégrafo Visual: Dois mil anos de viagens e comunicações por terras de Alvaiázere; O Diário «Perdido» da Viagem de José Cornide por Espanha e Portugal em 1772; Sinóptica proposição para a autoria d’O Couseiro.

Si estás interesado en los entresijos de la historia, en los documentos inéditos y en la zona de Olivenza, puedes adquirir este libro en librerías seleccionadas de Extremadura y de Portugal, así como solicitándolo en esta página web.

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Sergio Pérez ilustra febrero en el calendario solidario

Tras completar sus estudios en Integración Social, Sergio Pérez Yarnoz decidió retomar el gusto por el dibujo y comenzó el grado de Ilustración en la Escola d’Art i Superior de Disseny de València (EASD).

Dentro del área de la ilustración, el interés de Sergio se orienta al sector editorial, especialmente el cómic y cualquier forma de narrativa que utilice el dibujo como herramienta, así como los trabajos relacionados con la literatura, la prensa y la actualidad.

Entrevista a Sergio Pérez Yarnoz

¿Cómo se despertó en ti la necesidad o el deseo de dibujar? ¿Cuál es tu primer recuerdo con un lápiz en la mano?

Es un hábito que, como muchos, tengo desde niño. Recuerdo que copiaba cómics de Mortadelo.

¿Tienes algún rito especial, alguna manía, cuando te enfrentas a un proyecto creativo?

No tengo ninguno en particular. Lo único que mantengo es comenzar siempre desde el dibujo analógico.

¿Cómo definirías tu estilo?

Me adapto a las necesidades del proyecto. Tengo preferencia por el dibujo tradicional, aunque también me gustan los trabajos más conceptuales.

¿Qué técnica o material prefieres a la hora de trabajar?

Me gusta mucho el lápiz y la tinta.

¿Por qué has elegido esta imagen para el Calendario Solidario de La Imprenta CG?

Decidí realizar esta ilustración como muestra de apoyo al pueblo palestino.

¿Quiénes son tus referentes o influencias en literatura, música, etc.?

Mientras dibujo, suelo escuchar rock. Por otro lado, siempre me ha gustado el cine, aunque me cuesta elegir una sola película. Algunos autores que me interesan y que combinan estas dos cosas son Keko y Juarma.

¿Nos recomiendas una peli y un libro?

Los domingos y Limónov.

¿Crees que el trabajo de ilustrador/a está suficientemente reconocido? ¿Qué harías para mejorar la situación?

No tengo soluciones, pero tengo la sensación de que en ocasiones cuesta verlo como una profesión. Esto a veces se traduce en la falta de contratos seguros, salarios dignos , informalidad, etc.

¿Qué consejo te hubiera gustado recibir cuando empezaste?

Que hubiese empezado antes a trabajar en ello.

En La Imprenta CG estamos muy agradecidos a Sergio Pérez Yarnoz por participar en nuestro calendario solidario 2026.

Los beneficios de la venta del calendario están destinados a la Fundación Ronald McDonald, al tiempo que da visibilidad al trabajo de jóvenes y destacados ilustradores.

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Ya no soy guiri, fotografía para retratar la inmigración

Madrid siempre ha tenido un aura de ciudad acogedora, abierta a personas de todas las edades y procedencias, cada con su propia historia y bagaje cultural.

El aterrizaje en una gran ciudad y un nuevo país no siempre es fácil. El choque cultural es inevitable y se alternan los momentos de alegría y enriquecimiento con los desafíos y obstáculos.

Las migraciones son también interacción cultural, una experiencia que confronta diferentes formas de vida, valores y tradiciones, y que moldea a cada persona de una manera única.

Ya no soy guiri, obra de Katharina Kupri, es un proyecto que presenta a veinte personas provenientes de distintos países, abarcando la totalidad del mundo (África, América del Sur, América del Norte, Asia, Oceanía y Europa), y nos las acerca tal como son actualmente, destacando la nueva identidad que ha surgido como resultado de la fusión de dos culturas a lo largo de los años.

Reviviendo sus inicios en la ciudad, el libro incluye retratos tomados en 2023, en sus lugares de residencia originales en Madrid. Junto con las sesiones fotográficas, se realizaron entrevistas grabadas en vídeo con 20 preguntas relacionadas con sus experiencias, que constituyen el trasfondo de las imágenes en blanco y negro. Estas fotografías monocromáticas fueron tomadas en distintos lugares de la ciudad y reflejan las emociones, tanto positivas como negativas, experimentadas por los protagonistas durante sus encuentros culturales iniciales, bajo la mirada subjetiva de la autora.

Katharina Kupri, una fotógrafa que ya no es guiri

La propia autora del fotolibro, Katharina Kupri, es de origen alemán y está afincada en España, por lo que conoce de primera mano lo que es sentirse extranjero y construir una nueva identidad, más allá de nacionalidades de origen y de acogida.

Para Katharina, haber vivido en diferentes países y regiones de Alemania, despertó desde muy temprano su interés por las personas, las culturas y los entornos que las rodean. Esta trayectoria vital define el enfoque de su trabajo fotográfico.

Para Katharina, viajar es parte de su ser y de su mirada. Es lo que le permite acercarse a otras realidades, convivir con contextos distintos y que esas experiencias inspiren de manera natural su trabajo.

El trabajo de Katharina combina fotografía artística y documental contemporánea. En palabras de la autora, la fotografía artística «me permite explorar lo abstracto, reinterpretar la realidad y crear atmósferas; la documental se desarrolla a través de proyectos a medio y largo plazo, realizados tanto en Madrid como durante mis viajes, centrados en las personas, los espacios que habitan y cómo estos contextos configuran su vida cotidiana».

Para la fotógrafa, es fundamental abordar los temas culturales y sociales, con especial atención a la identidad, la pertenencia y la experiencia personal, desde una mirada humanista.

A lo largo de su carrera, Katharina Kupri ha presentado su trabajo en diversas exposiciones individuales y colectivas, tanto en España como otros países, como Francia o Argentina.

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España oculta, exposición de Cristina García Rodero en el IVAM

Hasta el próximo 8 de febrero se puede visitar en el IVAM la exposición España oculta, que reúne la serie completa de más de 150 fotografías que conforman el libro España oculta, de Cristina García Rodero.

España oculta posiblemente sea el proyecto más importante en la trayectoria de García Rodero, y las imágenes que lo componen muestran fiestas, ceremonias, ritos y tradiciones de numerosos pueblos durante más de 15 años, desde 1973 hasta 1989.

Cristina García Rodero pudo emprender España oculta gracias a una beca de creación artística de la Fundación Juan March, y a lo largo de los años documentó el modo de vida de diversos pueblos españoles: «Me propongo realizar un trabajo antológico de las costumbres de España, tanto en su abertura y progreso, como en su ocultamiento y tradición, que dan fruto a su idiosincrasia. Para ello utilizaré el medio más actual y representativo de mi época: la expresión fotográfica», explicaba la fotógrafa en la memoria de la beca.

En España oculta, la fotógrafa manchega captó un momento clave de la historia de España, los últimos años del Franquismo, la Transición y el inicio de la democracia.

En 2024 se reeditó el libro España oculta, con el que Cristina García Rodero intentó «fotografiar el alma misteriosa, verdadera y mágica de la España popular, con su pasión, el amor, el humor, la ternura, la rabia, el dolor, con su verdad; y los momentos más intensos y plenos en la vida de los personajes, tan simples como irresistibles, con toda su fuerza interior, en un desafío personal que me dio fuerza y comprensión y en el que puse todo mi corazón», afirma la fotógrafa.

Cristina García Rodero, un referente de la fotografía contemporánea

Cristina García Rodero es una de las fotógrafas más prestigiosas de la actualidad. Es la primera española en pertenecer a la mítica agencia Magnum, y ha sido galardonada con el Premio Nacional de Fotografía en 1996, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes en 2005 y la Medalla de Oro al Mérito en el Trabajo en 2014. También ha sido nombrada doctora honoris causa por la Universidad de Castilla La Mancha en 2018, entre otras muchas distinciones.

Sin duda, García Rodero es un referente para todo amante de la fotografía y la exposición que le dedica el IVAM es la ocasión perfecta para conocer uno de sus trabajos más emblemáticos.

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Dolors Muntané, una vida dedicada a la comunicación

Dolors Muntané es una escritora y periodista científica catalana, especializada en Salud, Medicina y Sanidad. Una autora todoterreno que también ha trabajado como guionista y reportera para RTVE y como directora de comunicación en diversas entidades sanitarias.

Dolors Muntané lleva publicando con La Imprenta CG desde 2019, en nuestros talleres se han impreso sus libros Mediterrània, La Fina ho tenia molt clar y la autobiografía Reus, París, BCN. Viatge al fons de mí mateixa.

Además, Muntané es autora de muchos libros de divulgación médica, crítica artística y feminismo.

Muntané también es socia fundadora de la Asociación de Críticos de Arte de Cataluña (ACAC) y fue secretaria de la Asociación de Mujeres Artistas de Cataluña (DONARTCAT). Dentro de este ámbito, se ha dedicado a la docencia en la Escola Elisava de Disseny y en la Facultat de Belles Arts de la Universitat de Barcelona. También ha escrito varios libros de arte y biografías de artistas.

Para Dolors Muntané la literatura siempre ha sido su gran pasión. George Sand y Safo de Lesbos son las autoras que más la han marcado y sobre ellas ha escrito varios libros: Safo de Lesbos. La estética como religión, Mediterrània y Lélia contra Consuelo. Retrato de George Sand.

Al matí de la meva vida, un libro inspirado en George Sand

Al matí de la meva vida es el nuevo libro de Dolors Muntané, escrito en prosa poética, combina obras de arte de la autora con textos, haciendo un paralelismo con la obra de George Sand, Lélia.

En este libro, la autora ha querido captar la atmósfera matutina, ese momento en el que todo es pasión, amor e ilusión; en contraposición al mediodía, en el que la rabia, la lucha y la presión toman el poder, y el atardecer, con el que llega la amistad y el perdón.

Este nuevo libro se suma a la larga trayectoria de Dolors Muntané, una autora polifacética que ya está preparando su nueva obra.

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Hasta el 18 de enero de 2026 puede visitarse en la Fundación Mapfre la exposición dedicada a Raimundo de Madrazo y Garreta, el pintor español que triunfó en Francia y Estados Unidos a finales del siglo XIX, gracias a sus retratos de la alta burguesía.

El arte preciosista y burgués de Raimundo de Madrazo

La Fundación Mapfre dedica a Raimundo de Madrazo una gran exposición, comisariada por Amaya Alzaga, con más de un centenar de obras que recorren toda su trayectoria. De este modo, se quiere reivindicar el legado de un gran pintor, al que el desembarco de las vanguardias borró de la historiografía artística.

Raimundo de Madrazo es miembro de una de las sagas de artistas más influyentes y reconocidas del arte español del siglo XIX. Nieto del pintor neoclásico José de Madrazo e hijo de Federico de Madrazo, destacado retratista del Romanticismo, Raimundo era también cuñado y amigo de Mariano Fortuny.

Las hijas del Cid, 1865.

Sus tíos fueron los pintores Luis de Madrazo y Pedro de Madrazo, así como el arquitecto Juan de Madrazo. Además, en la familia de su abuela, los Kuntz, también se encuentran afamados pintores.

Con esta herencia familiar, el joven Raimundo pronto destacó en el dibujo y la pintura. Con solo trece años, ingresa en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, y se convierte en la gran esperanza de la familia, que ve en él el continuador del legado artístico de los Madrazo, repleto de grandes obras históricas, destinadas a las grandes exposiciones nacionales o internacionales.

Tras su paso por la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, en 1862, Raimundo se traslada a París, donde continúa su formación con el pintor Léon Cogniet y en la École des Beaux-Arts. Durante estos primeros años en París, el joven sigue tratando de complacer a su padre y seguir su estela; sin embargo, en 1866, abandona el academicismo y la temática histórica.

En esta nueva etapa, Raimundo de Madrazo comienza su andadura como pintor de género y retratista, logrando un gran éxito gracias a sus tableautins, obras de pequeño formato con escenas costumbristas o domésticas.

Su talento como retratista, su ojo para el color, y su destreza para reflejar brillantes interiores y texturas hacen de él uno de los pintores favoritos de la alta sociedad parisina y estadounidense, que le visita en su taller de la capital francesa.

Clotilde de Candamo y su hijo, 1874.

Entre las nuevas tendencias y el academicismo, el juste milieu

Raimundo de Madrazo vivió el torbellino artístico de París del último tercio del siglo XIX, en el que convivía el academicismo más recalcitrante, junto a nuevas corrientes como el impresionismo. En este contexto, la obra de Raimundo de Madrazo se sitúa en un camino intermedio, el juste milieu, que gozó de gran éxito comercial y de crítica.

El cenit de su carrera tuvo lugar en la Exposición Universal de 1878, donde obtuvo una Primera medalla y la concesión de la Cruz de Caballero de la Legión de Honor. Madrazo presentó catorce piezas, entre las que destacan los retratos del actor Benoît-Constant Coquelin y el Retrato de niña con vestido rosa.

Constant Coquelin, 1875-1878.

Sin embargo, a finales del siglo XIX y principios del XX, el mundo del arte está en plena ebullición y en 1900, su obra se ve anticuada. Tras su participación en la Exposición Universal de París de ese año, Raimundo es consciente de que su estilo ya no resulta atractivo, por lo que viaja a América, donde su obra detallista aún goza de reconocimiento y mercado entre la alta sociedad de la Gilded Age, como los Vanderbilt.

Salidad del baile de máscaras, 1878.

Raimundo de Madrazo, un artista a reivindicar

Raimundo de Madrazo es un gran desconocido para el gran público, ya que su figura se vio eclipsada por la llegada de las nuevas corrientes artísticas de finales del XIX. El estilo preciosista de Raimundo de Madrazo fue relegado por parte de la crítica y de los historiadores del arte, que lo situaron en un lugar menor, y solo recientemente ha comenzado a gozar del reconocimiento que merece.

La exposición que le dedica la Fundación Mapfre pretende llenar ese vacío y reivindicar su obra, gracias a la participación de instituciones y colecciones particulares nacionales e internacionales, entre las que figuran el Museo Nacional del Prado; The Metropolitan Museum of Art, de Nueva York; el Clark Art Institute, de Massachusetts; The Hispanic Society of America, de Nueva York, o el Musée d’Orsay, de París.

Una ocasión de oro para descubrir a un artista de gran éxito en su época, pero injustamente ignorado por el canon artístico moderno.

En este enlace se puede disfrutar de una visita virtual.

Muchachas en la ventana, 1875.

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Daniella Martí ilustra enero en nuestro calendario solidario

Daniella Martí estudió Artes Visuales en la Pontificia Universidad Javeriana de Cali y desarrolla su carrera profesional como ilustradora y viñetista. Además, es autora de varias publicaciones, como Así es la vida o al menos así la veo yo (Bruguera, Penguin Random House, 2019), Quiero pensar que no es demasiado tarde (Bruguera, Penguin Random House, 2021), El Presente (Bridge Books, 2022) o Conversaciones conmigo misma (TBR editorial, 2023).

Su trabajo se desenvuelve en el ámbito de la ilustración de prensa y publicitaria, con un marcado enfoque crítico.

Ha colaborado con distintas instituciones y empresas como Danone, Casa de América, Penguin Random House, Amnistía internacional, Acción contra el hambre y El País, entre otros.

Desde 2022 publica semanalmente en el suplemento Ideas en El País.

Entrevista a Daniella Martí

¿Cómo se despertó en ti la necesidad o el deseo de dibujar? ¿Cuál es tu primer recuerdo con un lápiz en la mano?

Dibujé en la infancia como todos los niños, y no paré de dibujar porque era algo que me gustaba mucho hacer. Entonces no recuerdo el momento en el que sentí la necesidad de dibujar o de haber cogido conscientemente un lápiz. Siento que es algo que siempre ha sido parte de mí.

¿Tienes algún rito especial, alguna manía, cuando te enfrentas a un proyecto creativo?

La verdad es que siento que no hago nada especial cuando tengo que trabajar, pero lo que suelo hacer es escribir ideas en el bloc de notas del móvil o en una libreta, y voy creando bocetos que luego dejo en “reposo” de un día para otro o varios días, y luego vuelvo a mirarlos o a leer esas ideas.

Me da perspectiva, me ayuda a enfocar mejor el proyecto, en lugar de sentarme una mañana dibujando sin parar. Entonces, trabajo en un mismo proyecto durante varios días, sin importar el tamaño del proyecto.

¿Cómo definirías tu estilo?

Constantemente estoy cuestionando mi forma de dibujar, porque siento que siempre está evolucionando. Lo que me ha caracterizado en mi carrera es el uso de un dibujo visualmente minimalista en la línea, en los detalles, la ausencia de fondos y color.

Me interesa mucho la ilustración editorial de prensa, y me resulta estimulante condensar ideas o conceptos en ilustraciones simples.

¿Qué técnica o material prefieres a la hora de trabajar?

Últimamente, estilógrafo y papel.

¿Por qué has elegido esta imagen para el Calendario Solidario de La Imprenta CG?

La elegí porque pensé que podría quedar bien en el calendario en un mes de frío, como ha pasado finalmente. Además, representa un momento de mi vida en el que necesité darle la vuelta a lo que ya venía haciendo en mi trabajo y explorar cosas nuevas. Me gusta que haya quedado en el mes de enero, porque de alguna manera, los inicios de año nos hacen cambiar la mentalidad, con la idea de que se trata de un nuevo comienzo.

¿Quiénes son tus referentes o influencias en literatura, música, etc.?

Mis influencias van cambiando con el tiempo. Pero siempre estoy pendiente de la cultura popular. Últimamente estoy leyendo más ensayos y libros de divulgación sobre sociología; también estoy constantemente leyendo sobre diseño y arquitectura.

Y de música, lo que más escucho últimamente es a Olivia Dean y a Raye. Creo que, al final, todo influye en lo que hacemos.

¿Nos recomiendas una peli y un libro?

Una película: La gran belleza, de Paolo Sorrentino.

Un libro: Un mundo feliz, de Aldous Huxley.

¿Crees que el trabajo de ilustradora está suficientemente reconocido? ¿Qué harías para mejorar la situación?

No creo que esté lo suficientemente reconocido, es un trabajo precario, como muchos otros trabajos creativos. En estos momentos, los avances de la IA suponen un problema para muchas creadoras. La regularización del uso de la IA es urgente.

Desde La Imprenta CG queremos agradecer a Daniella Martí su colaboración con nosotros en el calendario solidario 2026.

Como todos los años, los beneficios obtenidos de su venta están destinados íntegramente a la Fundación Ronald McDonald.

Esta institución cumple con una importante labor social, al proporcionar alojamiento gratuito a las familias cuyos hijos están hospitalizados en València, facilitando su vida y ofreciendo un entorno amable en tan dura situación.

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Libros infantiles recomendados para regalar en Reyes 2026

Diario de Greg. 20. Aguafiestas, de Jeff Kinney. Penguin Books.

Con más de 300 millones de libros vendidos, las aventuras de Greg llegan a su entrega número 20 en plena forma. Un clásico de la literatura infantil que ha aficionado a la lectura a niños en todo el mundo.
En esta ocasión, el pringao más total se encarga de organizar una fiesta de cumpleaños para sí mismo… ¿Qué puede salir mal?

Caperucita en Manhattan, de Carmen Martín Gaite.  Siruela.

Con motivo del centenario del nacimiento de la gran Carmen Martín Gaite, se ha reeditado su obra Caperucita en Manhattan, un libro perfecto para niños a partir de 10 años.

La maestría de la escritora salmantina brilla en todo su esplendor en esta adaptación del cuento infantil de Caperucita, que transmite como ninguna el vértigo del paso a la vida adulta.

Los duendecillos, de Camille Romanetto. Errata Naturae.

Una auténtica preciosidad de libro, apto para los más chiquitines de la casa. Una historia llenar de ternura, ilustrada de manera magistral, que invita a lectores de todas las edades a compartir la magia de los cuentos.

Las ilustraciones, realizadas íntegramente a plumilla y acuarela, tienen el sabor de los clásicos. Perfecta para leer en voz alta, con sofá y mantita.

Harold y el lápiz morado, de Crockett Johnson. Editorial Wonder Ponder.

La editorial Wonder Ponder recupera para su colección Libros para rumiar el clásico de 1955, Harold y el lápiz morado. Su autor, Crockett Johnson es también el creador de Ellen y el león.

Un libro ideal para leer a niños a partir de 3 años, y que es una estupenda lectura para los niños que acaban de aprender a leer.

La muy catastrófica visita al zoo, de Joël Dicker. Alfaguara.

El multilaureado autor y éxito de ventas Joël Dicker se ha lanzado a la aventura de crear un libro que atrape sin piedad a lectores de 7 a 120 años.

Ambientada en los días previos a Navidad, la historia de una desastrosa visita escolar al zoo se convierte en una novela divertidísima y emocionante, para leer en familia y recuperar el placer de la lectura. ¡Perfecta para las vacaciones navideñas!

Esperamos que os gusten nuestros libros recomendados para pequeños grandes lectores, ¡seguro que son un éxito!

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