Alexia Kleeberg, una ilustradora con alma de narradora

Alexia Kleeberg es una ilustradora, dibujante de cómics y concept artist asentada en Valencia. Acaba de finalizar el grado en Ilustración de la EASD y ya cuenta con un estilo muy personal en el que el uso de la luz, el color y la atmósfera cobran vital importancia a la hora de transmitir una historia e inspirar emociones.

Entrevista a Alexia Kleeberg

¿Cómo se despertó en ti la necesidad o el deseo de dibujar? ¿Cuál es tu primer recuerdo con un lápiz en la mano?

Siempre he sentido la necesidad de dibujar, es algo que me ha acompañado desde que tengo memoria.

Mi primer recuerdo es ver a mi madre, tumbada conmigo, dibujándome a Heidi, y yo intentándolo a su lado.

¿Tienes algún rito especial, alguna manía, cuando te enfrentas a un proyecto creativo?

Cuando trabajo la línea siempre necesito pintar —cuando es en digital— el color y las luces varias veces por encima. Esto se debe a que, para mí, al ser una parte tan importante, necesito saber que la ilustración funciona.

¿Cómo definirías tu estilo?

 Mi estilo se basa mucho en la luz y el color. Me gusta poder presentar atmósferas y sensaciones a través de esos recursos. La narrativa es muy importante en mi obra, y conseguir crearla no solo se basa en una historia, sino en los elementos visuales con los que juegues.

¿Qué técnica o material prefieres a la hora de trabajar?

 Durante mi desarrollo como ilustradora me ha gustado trabajar mucho con todo tipo de materiales. Últimamente trabajo mucho en digital, pero la acuarela, los lápices de colores y el óleo son técnicas que me encantan.

¿Por qué has elegido esta imagen para el Calendario Solidario de La Imprenta CG?

 Pienso que la infancia tiene que ser muchas cosas, pero sobre todo inocencia y felicidad. Este calendario intenta ayudar a niños y familias en situaciones vulnerables, donde la salud juega un papel clave. Mostrar un momento de calma y alegría en una niña creo que es una buena forma de seguir luchando, pero desde un punto de vista positivo.

¿Crees que el trabajo de ilustradora está suficientemente reconocido? ¿Qué harías para mejorar la situación?

 Ser ilustradora, como cualquier otro trabajo dentro del sector de la cultura y el arte, es un empleo que está muy manoseado y desprestigiado. Estas especialidades nacen del deseo de crear, una necesidad enteramente humana. Por eso mismo deberían ser, no solo valoradas, sino impulsadas desde todos los hogares.

Muchas empresas, productos y proyectos carecen de una identidad artística que los haría destacar. El arte y el capitalismo, aunque son temas que pueden ser muy contrarios, ayudarían al bienestar social si estuviesen más unidos. El arte ayuda a luchar, a disfrutar y a compartir. Cosas que últimamente hacen falta.

¿Qué consejo te hubiera gustado recibir cuando empezaste?

 El camino en la vida no es lineal, hay muchas circunstancias que nos atraviesan constantemente. Vivir sin problemas es un privilegio que casi nadie tiene, así que prepárate para las curvas, porque, aunque pueden lastimarte, también son divertidas.

Muchísimas gracias a Alexia Kleeberg por haber participado en nuestro Calendario Solidario. Para el equipo de La Imprenta CG es uno de los proyectos más especiales del año, ya que al objetivo solidario de colaborar con la Fundación Ronald McDonald, se une el deseo de dar a conocer la obra de jóvenes ilustradores.

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Seymour Chwast, un maestro del diseño más revolucionario

Seymour Chwast nació en 1931, en el Bronx de Nueva York. Ya en el instituto demostró su interés por el diseño gráfico, al unirse al club de arte, en el que los alumnos creaban carteles, pancartas y octavillas para eventos del instituto, como bailes y fiestas, y para causas sociales. Con solo 17 años, publicó su primera ilustración en la revista para adolescentes Seventeen.

Posteriormente, Chwast se formó en la escuela Copper Union, donde estudió Bellas Artes y era conocido por su inconformismo. Tras graduarse, y después de algunos intentos fallidos en diferentes departamentos de arte de agencias de publicidad y publicaciones como The New York Times o Esquire, él y sus compañeros de Cooper, Edward Sorel y Milton Glaser, fundaron Push Pin Studios, en 1954 (Reynold Ruffins se unió poco después).

Push Pin fue todo un éxito, gracias en parte a su publicación Monthly Graphic, que se enviaba a 3.000 directores de arte de todo el EE. UU. El estudio se consolidó, manteniendo un espíritu libre y colaborativo.

¿Cuál es el estilo de diseño de Seymour Chwast?

En lo años 60, Seymour Chwast desarrolló un estilo inspirado en el pasado, especialmente en la época victoriana, el art nouveau y el art déco, integrando por completo tipografía e ilustración.

El profundo conocimiento de estilos y movimientos históricos de Chwast le permitió experimentar con el arte popular primitivo, el surrealismo, los grabados expresionistas y el fotomontaje.

Durante estos años, el estudio Push Pin sigue creciendo, y su revista es todo un referente en el ámbito del diseño gráfico. Bajo la dirección artística de Chwast y Glaser, cada número es una muestra del talento del grupo.

En la década de los 70, Seymour Chwast recibe el reconocimiento de la crítica, y es evidente su influencia a nivel global. En 1970, el Musée des Arts Décoratifs del Louvre dedica a Push Pin una exposición retrospectiva, que abarca toda la obra del estudio. Fue la primera vez que el diseño gráfico se exhibía en el famoso museo, y, posteriormente, la exposición viajó por toda Europa y a Japón.
En 1975, Milton Glaser dejó el grupo para fundar su propia agencia, pero Seymour Chwast continuó al frente de Push Pin, liderando el estudio durante los siguientes 40 años.

Durante los años 80, Push Pin continúa creciendo, con trabajos para grandes clientes como American Express, Mobil Oil, The New York Times o Time Warner. En 1985, Seymour Chwast recibió la medalla AIGA.

En los años 90, además de continuar con sus diseños e ilustraciones, Seymour Chwast explora el ámbito artístico, creando no solo ilustraciones, sino también obras a gran escala recortadas en chapa metálica y pintadas con acrílico.

Chwast se describe a sí mismo como un «diseñador que ilustra». Es famoso por sus diseños para clientes comerciales y editoriales, pero su obra fusiona el comentario social y un estilo distintivo de ilustración al que él llama su «Estilo Roxy». Lo que es indiscutible es que sus más de seis décadas de carrera y su estilo apasionado son todo un referente para las nuevas generaciones de diseñadores.

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Las variaciones de Carmen Laffón, en el Thyssen

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza ha programado una gran muestra de la obra de la artista sevillana Carmen Laffón.

Laffón, nacida en 1934, fue la segunda mujer que ingresó como académica de número en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid.

La exposición del Thyssen se centra en el rico mundo figurativo de Laffón, presentando los motivos y temas principales de su obra, que se repitieron como variaciones y series durante los más de sesenta años de trayectoria artística de la pintora y escultora.

Carmen Laffón. Variaciones incluye casi 80 piezas de distinto formato, como óleos, carboncillos y esculturas, organizadas en nueve secciones temáticas, que exploran los temas más frecuentes en la obra de Laffón: la muñeca y la cuna, los bodegones, los objetos, el paisaje urbano, el Coto de Doñana, los armarios, la cal, las viñas y las salinas.

El recorrido de la exposición ofrece un diálogo entra las piezas más antiguas y las más recientes de la artista, lo que permite observar su evolución, desde unos inicios marcados por una perspectiva fundamentalmente realista, hasta llegar casi a alcanzar la abstracción en sus últimas obras.

¿Cuál era el estilo de la artista Carmen Laffón?

Carmen Laffón es una artista cuyo trabajo está cargado de poesía y sentimiento, con un estilo difícil de clasificar.

En la muestra del Thyssen se pueden contemplar las naturalezas muertas y los paisajes de Laffón, los géneros pictóricos principales de su dilatada carrera.

Para Paula Luengo, jefa de Exposiciones del museo y comisaria de la exposición, «Carmen Laffón dedicó la mayor parte de su vida a observar el mundo que la rodeaba, encontrando infinitas variaciones de la luz y el tiempo en el paisaje, en el valor de lo íntimo, en la belleza de lo sencillo».

Buena muestra de ello son las obras en las que la artista retrata interiores repletos de objetos cargados de emoción y significado, como cunas, cestos, máquinas de coser o armarios.

Por otro lado, sus paisajes están circunscritos a su vida en Sevilla y Sanlúcar de Barrameda (Cádiz). En estas piezas las azoteas y las vistas urbanas se combinan con escenas del Coto de Doñana o las espectaculares obras que la artista dedicó a las salinas.

Las piezas sobre las salinas de Bonanza componen la última serie realizada por Carmen Laffón. Elaborada entre 2017 y 2020, tal vez sea su proyecto más ambicioso, tanto por el número de piezas y su gran formato, como por el carácter abstracto de las composiciones, hacia el que se encaminó al final de su carrera.

Sin duda, la muestra que el Museo Thyssen dedica a Carmen Laffón es una ocasión de oro para conocer la obra de una artista inclasificable, con un estilo y una iconografía tan personal como única.

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Ser los Otros, imprimimos la última novela del Cuarteto Somos

Tras Nuestra Sangre, Nuestras Palabras y Nuestras Vidas, José Manuel Díaz García publica Ser los Otros, la cuarta y última entrega del Cuarteto Somos, el proyecto literario con el que el autor ha explorado una misma pregunta: qué nos constituye y hasta qué punto somos el resultado de quienes nos precedieron.

Con esta nueva obra, José Manuel Díaz García culmina un recorrido narrativo en el que memoria, identidad y herencia han dialogado constantemente con la historia y con la experiencia íntima de sus personajes.

¿ De qué trata la novela Ser los Otros?

La novela Ser los Otros se inicia con la aparición de un cadáver que llevaba años oculto. Las inspectoras Cobos y Peña creen enfrentarse a un caso sin resolver más, uno de tantos que el tiempo ha enterrado. Sin embargo, pronto descubren que no todas las muertes terminan con el último aliento. Algunas permanecen suspendidas, esperando ser comprendidas.

La investigación obliga a las protagonistas a cambiar de perspectiva. Esta vez no bastará con reconstruir los hechos o con señalar a un culpable. Para acercarse a la verdad, deberán adentrarse en la mente de la víctima, recorrer su historia y comprender el camino que la condujo hasta ese final.

A partir de esta premisa, Ser los Otros trasciende los límites de la novela policial para adentrarse en el territorio habitual del Cuarteto Somos: la exploración de aquello que permanece cuando alguien desaparece. Lo que se dice, lo que se oculta y lo que, inevitablemente, dejamos en los demás.

La intriga avanza junto a una reflexión constante sobre la identidad compartida, cerrando el círculo abierto en las novelas anteriores: no solo somos nuestra memoria, sino también la huella que dejamos en quienes nos rodean.

Un final para el Cuarteto Somos

Con Ser los Otros, José Manuel Díaz García culmina un proyecto concebido como una indagación literaria sobre la identidad a través del tiempo.

Desde la búsqueda de los orígenes en Nuestra Sangre, pasando por la reflexión sobre la autoría y los vínculos en Nuestras Palabras, y la herencia histórica en Nuestras Vidas, esta última novela reúne y proyecta todos esos elementos hacia una reflexión final.

El Cuarteto Somos se confirma así como una obra que conecta lo íntimo y lo colectivo, lo vivido y lo heredado, mostrando que ninguna historia individual puede desligarse de las vidas que la preceden y la acompañan.

Al cerrar este ciclo, el autor resume el sentido último del proyecto: «El Cuarteto Somos nació como una indagación sobre la identidad: aquello que nos constituye. La memoria. La culpa. El deseo. La herencia. Los otros. Porque nadie se construye en soledad».

Más allá del argumento de cada novela, el conjunto se plantea como una invitación a mirar el pasado —propio y ajeno— para comprender mejor el presente. Un recorrido en el que los personajes han habitado no solo las páginas, sino también la mirada del lector.

Ser los Otros pone fin a este trayecto, pero deja abierta la pregunta que lo atraviesa desde el comienzo: qué parte de nosotros pertenece realmente a quienes fuimos… y qué parte sigue viviendo en los demás.

Sin duda, un broche de oro para un conjunto de novelas que atrapan al lector, al tiempo que invitan a la reflexión más íntima.

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¿De qué trata Proscripti, la nueva novela de Ian S. Martin?

En su nueva novela, Proscripti, Ian S. Martin se zambulle en un thriller psicológico en el que un grupo de adolescentes señalados por la sociedad son recluidos por sus padres en Refícere, un centro de rehabilitación psicológica perdido en el valle pirenaico de Pineta, donde el aislamiento geográfico no es accidental, sino parte de la arquitectura del control al que se ven sometidos.

Ian S. Martin trabaja en esta ocasión con un grupo de personajes complejos: un tic que nadie entiende, una palabra que se traba antes de salir, un cuerpo que el mundo no perdona, una mente que percibe lo que los demás no quieren ver… El autor los sitúa a todos en un lugar sin escapatoria, bajo vigilancia constante, dejando que la tensión crezca a lo largo de las páginas para revelar la verdad que habita en cada uno de ellos.

Para Ian S. Martin este libro es una herida abierta disfrazada de novela, una historia de ritmo implacable que huele a pino mojado, a hormigón frío y a miedo acumulado durante años.

La novela nos arrastra hasta las entrañas del Pirineo aragonés para preguntarnos, sin anestesia, qué hacemos con quienes la sociedad no quiere o no sabe cómo mirar.

Aunque no es una novela de denuncia, ni una novela de aventuras combina ambos elementos con maestría, al tiempo que despliega un abanico de personajes llenos de matices, alejados de arquetipos manidos: son jóvenes con una interioridad real, con sus propias formas de ver, de resistir, de equivocarse.

Ian S. Martin, un autor que da voz a los que no la tienen

En Proscripti, Ian S. Martin da voz a aquellos que la sociedad señala: al síndrome de Tourette, a la disfemia, al espectro autista, a la obesidad mórbida, a las malformaciones físicas.

El autor no utiliza estas características como recurso dramático ni como metáfora fácil, sino como realidad humana que merece su espacio en la gran literatura.

Proscripti incomoda porque obliga a mirarse: ¿quién es el monstruo aquí? ¿El sistema, los chicos, o el lector que lleva años mirando hacia otro lado? Ian S. Martin ha desplegado en su nuevo libro una prosa precisa, que dota de gran dignidad a sus personajes, a los que da vida desde una proximidad auténtica.

Si quieres hacerte con un ejemplar, puedes hacerlo a través de la web del autor. ¡Es perfecto para leer estas vacaciones!

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¿Quién es la ilustradora y dibujante Núria Tamarit?

Núria Tamarit cursó Bellas Artes en la Universidad Politécnica de València, y continuó su formación con el Máster en Diseño e Ilustración de la misma universidad.

Su carrera se ha desarrollado en el ámbito de la ilustración y el cómic. Como ilustradora, ha trabajado para clientes nacionales e internacionales, así como en diferentes medios de comunicación, editoriales y campañas institucionales.

Núria también se dedica a la docencia y a la impartición de diversos talleres.

Ilustraciones con colores vibrantes y texturas sugerentes

El estilo y las temáticas abordadas por Núria Tamarit han creado un universo gráfico de gran riqueza, en el que las texturas y los colores vibran y sugieren. Los elementos fantásticos, las formas vegetales y las criaturas oníricas, conviven con los fuertes personajes femeninos que protagonizan su trabajo.

En los inicios de su carrera, Núria Tamarit trabajó en equipo junto a Xulia Vicente, con la que participó en fanzines e ilustró la serie de libros Anna Dédalus, de Miguel A. Giner Bou. Junto a Xulia publicó su primer cómic, Duerme Pueblo.

También en 2016 ilustró Avery’s Blues, guionizado por Angux. Gracias a este trabajo recibió el premio a Mejor Autora Revelación en la I edición de los premios Carlos Giménez en los Héroes Comic Con Madrid, el premio a Mejor Portada y las nominaciones en las categorías de Mejor Dibujante Nacional y Mejor Obra Española.

Núria Tamarit ha publicado diversos cómics y libros ilustrados. En 2024 participó junto a otros autores en Ecotopías. Imaginar el futuro para cambiar el presente, una novela editada por Astiberri, vertebrada en torno a la importancia de generar futuros esperanzadores.

Como ilustradora, Núria Tamarit ha trabajado para clientes como la Acadèmia Valenciana de la Llengua, el Ayuntamiento de Sevilla, la Generalitat Valenciana, Google (Doodle), el MuVIM, Metrovalència, el Teatre Nacional de Catalunya (TNC), Usborne Publishing, la Universidad Complutense de Madrid o la Universitat de València, entre otros.

También ha realizado ilustraciones para medios como El Mundo, Fierro, Jot Down, Popular Science, Salvaje o The Valencianer.

A nivel de ilustración editorial, ha colaborado con firmas como Edelvives, Literatura SM, Oxford University o Santillana, entre otras.

Núria Tamarit ha recibido diversos premios y reconocimientos. En 2022 recibió el Prix De’Lire Cambrai y el Lauréate du prix des Lycéens of Poitiers, en 2021, por Toubab. En 2018, fue galardonada con el Premi València Novel·la Gràfica, en 2017 fue reconocida como Autora Revelación Héroes Comic Con Madrid y en 2016 recibió ek Prix Blues sur Seine por Avery’s Blues.

En La Imprenta CG estamos muy agradecidos a Núria Tamarit por haber participado en el Calendario Solidario 2026, un proyecto que ayuda a visibilizar el trabajo de ilustradores valencianos, al tiempo que colabora con la Fundación Ronald McDonald.

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Al igual que con otras sagas artísticas valencianas, como los Capuz, los Benlliure o los Sorolla, la exposición que el IVAM dedica a los Pinazo requiere bucear en las relaciones personales entre ellos, así como la influencia que la figura principal pudo ejercer sobre el resto.

En el caso de los Pinazo, la saga comienza con el gran maestro Ignacio Pinazo Camarlench (1849-1916), que tuvo dos hijos dedicados a disciplinas artísticas: José Pinazo, pintor, e Ignacio Pinazo, escultor.

Aunque la obra de Ignacio Pinazo es muy destacable, para esta muestra se ha optado por incluir la obra de Marisa Pinazo Mitjans (1912-1990), hija de José (1879-1933), para centrar la exposición en la expresión pictórica, y estudiar la evolución de la familia a lo largo de tres generaciones. De este modo, se abarca gran parte del siglo XX, mostrando la influencia de diversas corrientes artísticas.

La obra de Ignacio, José y Marisa Pinazo

A lo largo de la exposición comisariada por Javier Pérez Rojas podemos observar obras de los tres artistas, seleccionadas para apreciar tanto los elementos en común como los rasgos distintivos de cada artista.

Por lo que respecta al precursor de la saga, Ignacio Pinazo Camarlench, fue a través del retrato donde cosechó los mayores éxitos de su carrera, alcanzando reconocimiento y prestigio, convirtiéndose en uno de los referentes dentro de los retratistas de nuestro país.

Por su parte, José Pinazo, sin abandonar los retratos en los que su padre fue maestro, se orientó más hacia la pintura regionalista.

Ubicado dentro del género costumbrista, José Pinazo fue autor de algunas de las piezas más emblemáticas del regionalismo valenciano, como Floreal, una pintura con la que obtuvo una medalla en la Exposición Nacional de 1915. Su obra se vincula a una tendencia alejada del impresionismo, más cercana al realismo moderno.

¿Quién fue Marisa Pinazo?

La exposición del IVAM incluye también obras de la más desconocida del clan Pinazo, Marisa Pinazo, muchas de las cuales nunca han sido mostradas en público.

El conjunto de pinturas que aparecen en la exposición nos muestra la evolución de la creadora valenciana, con claras influencias del Art Deco, y sirve para reivindicar la figura de una artista cuya carrera se vio frustrada por la muerte de su padre en 1933 y la Guerra Civil.

La exposición El aura de una saga moderna: Ignacio, José y Marisa Pinazo está abierta al público hasta febrero del próximo año y supone una ocasión perfecta para conocer la obra de los tres pintores Pinazo.

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Fotolibro Madrileños: Historia gráfica del Mercado de la Cebada

El fotolibro Madrileños: Historia gráfica del Mercado de la Cebada muestra una cara diferente de Madrid, frente a la clásica visión monumental o estereotipada. Adolfo Morales, su autor, propone una tesis tan sencilla como contundente: madrileño es aquel que vive y trabaja en Madrid.

Este trabajo documental, concebido desde las entrañas del icónico Mercado de la Cebada, huye de la genealogía para centrarse en la presencia. Además, Adolfo Morales no solo ha documentado el paisaje humano del mercado, sino que forma parte de él, ya que regenta una galería de autor dentro del mismo (Mister Turrión). Gracias a esa posición de proximidad, puede romper la barrera aséptica entre observador y observado.

Las imágenes incluidas en el fotolibro son retratos en un blanco y negro de alto contraste, sobrio y atemporal, con una iluminación lateral sobre fondo blanco imperfecto, que esculpe meticulosamente la cartografía de la piel, la honestidad del gesto y la huella del tiempo.

Todas las imágenes son obra de Adolfo Morales. El diseño y la maquetación ha corrido a cargo del sello independiente 108 shoots y en La Imprenta CG nos hemos encargado de la impresión con toda la calidad y el cuidado al detalle que nos caracteriza.

El fotolibro es una edición de lujo con tapa dura cosida en tela negra, con stamping blanco. Contiene 200 páginas de fotografías en blanco y negro. Impreso con papel Gardapat Klassica de 150 gr.

El objetivo del fotolibro Madrileños: Historia gráfica del Mercado de la Cebada es ofrecer una radiografía honesta, visceral y profundamente humana de quienes definen el ADN de Madrid en pleno siglo XXI.

El proyecto y la galería han sido seleccionados oficialmente dentro del circuito del prestigioso festival PHotoESPAÑA 2026 (PHE26), siendo los puestos 267 y 268 del Mercado de la Cebada la sede física de la exposición entre mayo y septiembre de este año.

¿Cómo conseguir el regalo exclusivo de una lámina original Fine Art?

La campaña de crowdfunding de Verkami del fotolibro Madrileños: Historia gráfica del Mercado de la Cebada ya está activa, y todos los mecenas que adquieran el libro durante la preventa recibirán de regalo exclusivo una Lámina Original Fine Art, tamaño DIN A4, impresa en técnica Giclée con 12 tintas pigmentadas Canon Lucia sobre papel de bambú japonés Awagami de 250 gr. en nuestro taller.

Si eres coleccionista de fotolibros, amante de la fotografía documental y de calle, no puedes dejar escapar este proyecto. Para adquirir un ejemplar, puedes visitar la campaña Verkami del libro o la web del autor.

Adolfo Morales, fotógrafo y observador incansable

Adolfo Morales Martín trabaja la fotografía documental y de autor, con un arraigo profundo en la vida cultural de Madrid.

Vecino y observador de los latidos de la ciudad, actualmente compagina su labor creativa con la gestión de su propia galería de autor, Mister Turrión, ubicada de forma estratégica en el corazón del Mercado de la Cebada (La Latina).

Su trabajo destaca por el uso expresivo y atemporal del blanco y negro de alto contraste y por una búsqueda incansable de la honestidad a través de la mirada humana.

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Muriel Cooper, una diseñadora en el MIT

Muriel Cooper nació en Boston y estudió Artes en la Universidad Estatal de Ohio en 1944. Continuó su formación en el Massachusetts College of Art, donde se licenció en 1948 en Bellas Artes, con especialización en diseño, y en 1951 en Ciencias de la Educación.

Tras completar sus estudios, Muriel comenzó a trabajar en Nueva York en el ámbito de la publicidad, donde coincidió con Paul Rand, que influyó en su manera de encarar la profesión de diseñadora.

En 1952, John Mattill, editor de la recién creada editorial universitaria del Instituto Tecnológico de Massachusetts, la fichó para unirse al equipo de pioneros que más tarde formarían MIT Press.

Muriel Cooper destacó rápidamente y fue nombrada directora de Servicios de Diseño, uno de los primeros programas universitarios de diseño de EE.UU. Cooper contrató a Jacqueline Casey, que con sus diseños revolucionó los carteles del MIT.

Junto a otros creadores como Ralph Coburn y Dietmar Winkler, las dos diseñadoras fueron una gran influencia en el diseño gráfico de la época, con la introducción de la tipografía moderna de estilo suizo en las diferentes publicaciones e imágenes corporativas del instituto.

En 1958, Muriel Cooper recibió una beca Fulbright para ir a Milán, donde continuó su formación con estudios relacionados con el diseño de exposiciones.

¿Quién diseñó el logo de MIT Press?

En 1963, regresó a EE.UU. y creó su propio estudio de diseño gráfico. Desde esa nueva posición volvió a colaborar con MIT Press, en un proyecto muy especial, la creación del logo de la editorial.

Sin duda, se trataba de un trabajo difícil. El mismísimo Paul Rand lo había rechazado y la había recomendado a ella como la diseñadora indicada.

Y así llego a las manos de Muriel Cooper el encargo de realizar el emblema de MIT Press, que ideó para la ocasión un icónico logo: un conjunto abstracto de barras verticales, una especie de juego visual con las letras “mitp» y el efecto que causan varios libros alineados.

En 1967, la diseñadora volvió a su puesto como directora de diseño de la editorial, donde su talento brilló especialmente en proyectos como el libro Bauhaus, de 1969.

Durante esta etapa, Muriel Cooper fomentó la estética modernista, que aplicó en más de 500 libros.

Nuevos retos para una diseñadora sin límites

Muriel Cooper continuó como directora de diseño de MIT Press hasta 1974, puesto que fue dejando de lado para embarcarse en una nueva aventura: la fundación del Visible Language Workshop, junto a Ron MacNeil.

En el taller de lenguaje visual, Cooper trabajó junto a sus alumnos y colaboradores para aplicar las nuevas tecnologías informáticas al diseño.

Fruto de su labor fue el desarrollo de impresoras de gran formato capaces de producir rápidamente gráficos de alta resolución de gran tamaño y, posteriormente, fotografías a color.

En 1985, el taller de Cooper se fusionó con el MIT Architecture Machine Group y el Center for Advanced Visual Studies (CAVS), formando el MIT Media Lab.

En el nuevo centro de creación del MIT, Cooper formó a numerosos estudiantes, que luego se convirtieron en destacados diseñadores digitales. En el MIT Media Lab se experimentaba con tipografías dinámicas, interactivas y computarizadas, anticipándose a las necesidades futuras de desarrollo de interfaces de usuario en diversos dispositivos electrónicos.

La influencia y el legado de Muriel Cooper va mucho más allá de sus diseños, y reside en su visión global del diseño y su aplicación en las tecnologías. Como ella misma afirmó, su interés «siempre se ha centrado en los comienzos y los procesos. Más en el cambio y la tecnología y su significado para la comunicación humana que en la teoría y el estilo rigurosos del diseño gráfico».

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Judit Balbastre, imatges simbòliques, colors contundents i narratives visuals directes

La il·lustradora Judit Balbastre és graduada en Disseny i Tecnologíes Creatives i ha cursat el Máster en Disseny i Il·lustració, ambdós per la Universitat Politècnica de València. El seu treball com a il·lustradora es desenvolupa en l’àmbit de la imatge digital. A través de composicions simbòliques, colors contundents i narratives visuals directes, desenvolupa un univers gràfic propi des d’una perspectiva sensible i comunicativa. Entén la seua pràctica com una eina capaç de generar connexió i diàleg, situant la creativitat al servei dels contextos i les realitats que ens travessen.

Entrevista a Judit Balbastre

Com es va despertar en tu la necessitat o el desig de dibuixar? Quin és el teu primer record amb un llapis a la mà?

És una cosa que sempre m’ha acompanyat. Des de ben menuda, era més feliç quan tenia alguna cosa per a dibuixar i alguna superfície on fer-ho. No recorde exactament quan vaig començar a agafar un llapis, però el primer record que conserve relacionat amb el dibuix és el de jugar a crear formes al passadís de casa amb el fil dental dels meus pares.

Tens algun ritual especial o alguna mania quan t’enfrontes a un projecte creatiu?

Diria que soc una mica impacient quan dibuixe. Quan tinc una imatge al cap, necessite veure-la acabada com més prompte millor, i soc capaç de passar-me hores —fins i tot tot el dia— treballant sense parar. Com a mania, odie el procés d’esbossar: tire quatre gargots mal fets en un paper i, en qüestió de minuts, ja estic davant de l’ordinador intentant donar-li la forma definitiva que tinc al cap.

Com definiries el teu estil?

El meu estil combina una línia clara i definida amb paletes de color molt deliberades, cada projecte té la seua pròpia identitat cromàtica. M’interessa molt la narrativa, les meues il·lustracions sempre intenten contar alguna cosa o generar una posició, no només decorar. Treballe còmoda en registres molt diferents, des de la il·lustració editorial fins al cartell o el còmic, però crec que hi ha una veu consistent darrere de tot.

Quina tècnica o material prefereixes a l’hora de treballar?

Treballe principalment en digital, ja que és el mitjà amb què em sent més còmoda i àgil. Tot i això, sempre que tinc l’oportunitat d’incorporar algun element artesanal al procés, ho gaudisc especialment. Treballar amb les mans requereix una atenció i un temps diferents; és un ritme més pausat que t’obliga a estar present i que, al mateix temps, resulta gratificant.

Per què has triat aquesta imatge per al Calendari Solidari de La Imprenta CG?

Vaig voler participar en el calendari amb una imatge creada expressament per a l’ocasió. La convocatòria em va arribar en ple estiu i, casualment, en aquells dies estava escoltant molt Pájaros de Barro, de Manolo García. És una cançó que, especialment quan comença a arribar la calor, té la capacitat de transportar-me al cotxe vell de mon pare, camí de la platja, travessant els canyars propers a la costa mentre sonava a la ràdio. És un record senzill però molt tendre, i una de les imatges que, per a mi, representen millor l’estiu.

Qui són els teus referents o influències en literatura, música, etc.?

Pel que fa a la literatura, he de reconéixer que soc menys llegida del que m’agradaria. Això sí, soc una gran aficionada a la novel·la gràfica i, en aquest terreny, no tinc massa manies: qualsevol estil gràfic que em cride l’atenció ja té moltes paperetes per enganxar-me.

Musicalment, soc bastant eclèctica. Al matí puc estar escoltant als Dire Straits, a la vesprada The Prodigy i, a la nit, uns bons passodobles. Tot i això, si haguera de destacar alguns grups especialment estimats, serien els Talking Heads i The Smiths. Últimament també estic molt amb The Magnetic Fields. Tenen una sensibilitat molt particular que inevitablement em desperta imatges al cap.

Ens recomanes una pel·li i un llibre?

Un llibre, “La alegre vida del triste perro Cornelius, de Marc Torices.

En quant a pel·li, si soc honesta, El Señor de los Anillos, especialment Las Dos Torres en versió estesa. Sempre n’he sigut molt fan.

Quin consell t’haguera agradat rebre quan vas començar?

Considere que just estic començant, però si hi ha una cosa que he anat observant és la importància de moure’s i crear xarxa. Compartir el que fas, conéixer altra gent creativa i participar en projectes o espais comuns acaba obrint moltes portes. Al mateix temps, crec que també és important perdre la por a mostrar el teu treball, una cosa que jo mateixa continue intentant aplicar-me en el dia a dia.

Moltes gràcies a Judit Balbastre per col·laborar amb nosaltres en el nostre calendari solidari. Este projecte té una doble vessant, d’una banda servix per a promoure el treball d’il·lustradors valencians i, d’altra banda, els beneficis obtinguts de la seua venda està destinats a la Fundación Ronald McDonald.

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Imprimimos el nuevo fotolibro de Andrés Ferrer

En La Imprenta CG estamos encantados de haber impreso el nuevo fotolibro de Andrés Ferrer, La soledad de las ventanas. La Escuela de Arte de Zaragoza, en el que documenta el abandono del mítico edificio, al tiempo que explora temas como el recuerdo y la ausencia o la conexión entre el interior y el exterior.

Las fotografías de Andrés Ferrer están acompañadas por textos de Eva Puyó, Enrique Cebrián y Fernando Sanmartín.

La edición consta de 56 ejemplares firmados y numerados y 14 no venales. El fotolibro está diseñado por el propio Andrés Ferrer y editado por Miranda del Moral.

Un viaje al abandono de la Escuela de Artes y Oficios de Zaragoza

La soledad de las ventanas es un viaje a las luces y sombras de la Escuela de Artes y Oficios de Zaragoza, un edificio concebido por Félix Navarro e inaugurado en 1908, coincidiendo con la Exposición Hispano Francesa.

Las ventanas son el hilo conductor de este proyecto, y actúan como una metáfora de la mirada en sí misma y que sugiere un lugar donde, sin vida, hay olvido.

Las fotografías destacan por el tratamiento de la luz, con características propias del tenebrismo pictórico del Barroco: las sombras cobran importancia, potenciando la sensación de ausencia, vacío y abandono.

La soledad de las ventanas es también un homenaje a un espacio de máxima importancia en la escena artística de Zaragoza, y un testimonio de su actual deterioro.

Andrés Ferrer, un fotógrafo con una amplia trayectoria

Andrés Ferrer (1952) es un fotógrafo afincado en Zaragoza, con trece fotolibros publicados, y que ha expuesto su trabajo en numerosas ocasiones tanto en muestras colectivas como individuales.

Su obra se encuentra en el Museo Grabado Español Contemporáneo de Marbella, la CDAN Fundación Beulas de Huesca, las Cortes de Aragón de Zaragoza, la Colección Josep Mª Civit de Barcelona, en la Comunidad de Madrid, la Galería Lausín Blasco de Zaragoza, la Diputación Foral de Álava de Vitoria, la Colección Ibercaja de Zaragoza, la Diputación Provincial de Zaragoza y el IAACC Pablo Serrano de Zaragoza; así como en varias colecciones particulares.

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¿Quién es el artista Paco Camallonga?

Paco Camallonga es ilustrador, diseñador y escultor digital. Se formó en Arquitectura en la Universidad Politécnica de Valencia y cursó el Master de Animación del estudio FrameOver, mientras continuaba formándose como ilustrador y escultor digital.

En la actualidad, es uno de los diseñadores más reputados y reconocidos de fallas y hogueras, actividad que combina con la creación de cómics y con su trabajo para el mercado americano.

Entre sus influencias dentro del sector de la ilustración se cuentan figuras internacionales como Matteo Scalera, Sean Gordon Murphy, Tony Moore y su principal referente, Akira Toriyama, creador de Dragon Ball.

Por lo que respecta a su vertiente fallera, es un gran admirador del trabajo de Ramón Pla, Carlos Corredera y del ingenio de los Santaeulalia.

Paco Camallonga comienza a colaborar con el mundo de las fallas y hogueras en 2015, iniciando una trayectoria repleta de diseños icónicos, un estilo muy reconocible y grandes éxitos, como el primer premio de categoría especial adulta en las Hogueras de Alicante en 2025, dos primeros premios de hogueras en categoría especial infantil, en 2018 y 2019, un primer premio en sección 1A en València (2021), tres ninots indultats infantiles por votación popular en València (2019, 2024 y 2025) y un ninot indultat adulto por votación popular en Alicante (2024).

A ese impresionante palmarés hay que sumar varios podios en la sección especial, tanto en fallas grandes como en fallas infantiles. Además, este año ha sido el encargado de diseñar la Falla infantil de la Plaza del Ayuntamiento de València.

Una exposición que combina fallas y cómic

La exposición del Centre del Carme mostraba al público sus ninots indultats, maquetas de los monumentos en 3D y más de 200 dibujos, entre bocetos y cómics.

En el ámbito del cómic, Paco Camallonga ha desarrollado una sólida y coherente trayectoria en la que destacan títulos como Cachorro, una novela negra ambientada en la riada de 1957; Reencuentro en Burdeos o Bordell, además de realizar carteles, portadas, premios y múltiples encargos gráficos.

Camallonga colabora habitualmente con la industria americana del cómic con portadas para Scout Comics o uno de sus últimos trabajos para Titan Books, que ha publicado libros como Batman vs. Superman: El amanecer de la justicia.

En la prestigiosa editorial Titan Books está realizando una adaptación del famoso videojuego de ciencia ficción Borderlands, entre otros proyectos en EEUU.

El recorrido expositivo acaba con un viaje por la faceta artística más personal de Camallonga, gracias a una pieza audiovisual en la que se muestra el proceso creativo del artista desde el dibujo digital, pasando por la tinta hasta llegar a la ilustración a color.

La exposición se completa con el catálogo que hemos impreso en La Imprenta CG y que cuenta con textos de Ángel Romero y fotografías de las piezas expuestas, obra de Juan R. Peiró. Está diseñado y maquetado por Pau Soriano y MacDiego.

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Una exposición que recorre la última década de Tàpies

La Fundación Bancaja acoge, hasta el 30 de agosto, la exposición Tàpies. Última década. 2002-2012, en la que profundiza en el trabajo de uno de los artistas más influyentes del siglo XX.

La muestra monográfica se centra en la obra de Tàpies desde 2002, hasta su muerte en 2012, con 22 piezas de gran formato, muchas expuestas por primera vez.

El comisario de la exposición, Fernando Castro Flórez, ha reunido un conjunto de obras que condensan la esencia del artista, realizadas en el periodo más desconocido de sus seis décadas de carrera.

Tàpies es una de las figuras más preeminentes del informalismo, que en su última etapa abordaba con la misma pasión de siempre la experimentación con la materia y los símbolos. En sus obras, el artista continúa incluyendo objetos cotidianos, maderas, telas, cuerdas o fragmentos de muebles, integrando lo real con lo pictórico.

En la exposición están representados tres motivos fundamentales en la trayectoria de Tàpies: el cuerpo humano, los símbolos (cruces, letras, formas) y los objetos integrados en la obra.

Las obras de la muestra —excepto una, propiedad de la Fundación Bancaja— proceden íntegramente de la familia. “Con el paso del tiempo, uno comprende que custodiar la obra de un artista no significa solo conservar objetos, sino cuidar una manera de mirar el mundo. En el caso de Antoni Tàpies, esa mirada fue siempre exigente y profundamente humana.

Por ello, esta exposición tiene también un carácter excepcional: incluye varias obras inéditas, piezas que nunca se habían mostrado al público y que se presentan aquí por primera vez. Al contemplarlas en conjunto, se hace evidente que Tàpies seguía trabajando como siempre, con la misma intensidad, la misma curiosidad y la misma necesidad interior.

Su última década no es una despedida, sino una continuidad llevada hasta su límite: un lugar donde el lenguaje se afina, la emoción se vuelve más contenida, pero no menos poderosa”, asegura Toni Tàpies, hijo del artista.

Además de las obras de Antoni Tàpies, en la muestra se pueden observar las fotografías de la casa del artista en Campins (Barcelona). En esas imágenes se aprecia la importancia de ese entorno en su proceso de creación durante esta etapa.

Como complemento audiovisual, la Fundación Bancaja proyecta el documental de RTVE Materia en forma de Tàpies, filmado en 2024 con motivo del centenario de su nacimiento.

Catálogo de la exposición Tàpies. Última década. 2002-2012

La Imprenta CG ha sido la encargada de imprimir el catálogo realizado expresamente para la exposición. La publicación ha sido diseñada y maquetada por el Estudio Lina Vila.

El catálogo se compone de la reproducción en imágenes de alta calidad de las obras expuestas, obra de Roser Vilallonga y Tena Martí Gasull Avellán.

Cuenta con textos de Toni Tàpies Barba y de Fernando Castro Flórez, e incluye también una entrevista realizada por el comisario a Antoni Tàpies en 1990.

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UNO CÁ™, un ilustrador amante de la tipografía y los bloques sólidos de color

El ilustrador Nicolás Villalobos se formó en la Universidad Diego Portales de Chile y cursó el Máster en Diseño e Ilustración por la Universitat Politècnica de València. Aunque nacido en Talagante, Chile, actualmente vive y trabaja en València, bajo el seudónimo UNO CÁ™.

Entrevista a Nicolás Villalobos, UNO CÁ™

¿Cómo se despertó en ti la necesidad o el deseo de dibujar? ¿Cuál es tu primer recuerdo con un lápiz en la mano?

Creo que el primer recuerdo que tengo con un lápiz en la mano es jugando con mi padre al «juego de las líneas». Consistía en que alguien trazaba una línea aleatoria —ya fuera abstracta, simbólica o sin un sentido aparente— y el otro debía completarla dibujando lo que quisiera. Ese es mi primer gran recuerdo del dibujo; gracias, papá.

Más adelante, el deseo de dibujar despertó cuando conocí a mi amigo Héctor. Él coleccionaba «croqueras» (unos blocs de dibujo de la marca chilena Torres) y dedicaba todo su tiempo a crear cómics. Yo intenté copiarlo y, aunque nunca logré terminar una historieta, empezar a trabajar en ese formato me inspiró a ser constante y a dibujar siempre. Desde entonces, sigo dibujando.

¿Cómo definirías tu estilo?

Definiría mi estilo como sintético y sólido, prestando mucha atención a las contraformas. Me encantan las manchas y el uso de los colores negros o los bloques sólidos. Además, creo que la tipografía es, por encima de todo, mi mayor fuente de inspiración a la hora de dibujar.

¿Qué técnica o material prefieres a la hora de trabajar?

Mis materiales favoritos son el papel blanco y los lápices negros. Prefiero trabajar con lápices de tinta, idealmente combinando uno de trazo muy grueso con otro más fino, pero que mantenga una presencia clara.

¿Por qué has elegido esta imagen para el Calendario Solidario de La Imprenta CG?

Mi intención era crear algo totalmente nuevo para el calendario (aunque no conocía, ni elegí, el mes que me tocaría), y el periodo de la convocatoria coincidió con un viaje a Chile, por lo que creé la ilustración en el avión durante el vuelo. De alguna forma, mientras dibujaba pensaba en frutas: para mí la naranja es muy valenciana, la manzana es muy alemana y la uva es muy chilena. De esa mezcla surgió la imagen; me pareció una idea muy bonita que un mes del calendario tuviera frutas.

¿Quiénes son tus referentes o influencias en literatura, música, etc.?

En cuanto a la literatura, diría que mi referencia más directa o indirecta es Alejandro Zambra. Me atrae tanto su estilo de escritura que me gustaría poder dibujar de la misma forma en que él escribe. En la música, destacaría a 31 Minutos: me encantaría ser tan divertido como ellos. Y si tuviera que elegir una serie, definitivamente sería The Office (por Michael Scott).

¿Nos recomiendas una peli y un libro?

La película que me gustaría recomendarles es The Roses, con Cumberbatch y Colman. Me encantan las comedias y, aunque no se considere estrictamente cine arte, me resultó muy divertida y, sobre todo, me sorprendió. En cuanto a libros, recomiendo encarecidamente leer a Pedro Lemebel: Tengo miedo torero, Loco afán, Adiós mariquita linda o cualquiera en realidad.

¿Crees que el trabajo de ilustrador/a está suficientemente reconocido? ¿Qué harías para mejorar la situación?

Solo puedo hablar por mi experiencia en València y en Santiago de Chile. Tengo la impresión de que en València el trabajo de ilustración y el diseño está mejor recompensado económicamente, aunque mi trayectoria aquí ha sido más bien breve. En Chile, donde mi trayectoria ha sido mayormente independiente, he notado que el diseño se percibe a veces como un trabajo de «segunda categoría». Sin embargo, la realidad es que es un oficio que, como cualquier otro, debe abordarse con el máximo rigor profesional según la problemática a la que se enfrenta. Tan solo es muy difícil luchar contra la idea de que la profesión del diseño gráfico ha dejado de lado su impacto social para convertirse en una herramienta pasiva del capitalismo y el culto a la personalidad. El reconocimiento necesario pasa por igualar nuestras condiciones a las de otros sectores profesionales. Para mejorar la situación, creo que es fundamental educar a los clientes, compartir conocimientos, ser muy transparentes con nuestros procesos y dejar de mirar tanto la estética y empezar a mirar la realidad política y ética.

¿Qué consejo te hubiera gustado recibir cuando empezaste?

Es el consejo que siempre doy y que me encantaría compartir con la humanidad, aunque busque una forma más suave de decirlo: en el diseño nadie muere. Ningún cliente pierde la vida por no llegar a un plazo. Es un trabajo, y si las cosas se piden «para ayer», es por una falta de organización del cliente. Hay que aprender a relativizar esa urgencia.

Desde La Imprenta CG queremos agradecer a Nicolás Villalobos su generosidad al colaborar con nosotros en nuestro Calendario Solidario.

Los beneficios de la venta del calendario, están destinados a la Fundación Ronald McDonald, que ofrece alojamiento a las familias de fuera de València con hijos hospitalizados en La Fe.

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Tatuando Tus Entrañas, un libro de poesía e ilustración

Diego Portillo Calle ha lanzado Tatuando Tus Entrañas, un libro en el que mezcla viñetas de cómic e ilustraciones con poemas, que busca lanzar preguntas, incomodar un poco y, al mismo tiempo, conectar desde lo sencillo, con un matiz naíf que lo hace muy especial.

Las páginas están llenas de crítica social, pero no desde un lugar oscuro o pesado, sino desde una mirada sencilla y directa, casi minimalista en su forma, que hace que el mensaje llegue incluso más fuerte.

Tatuando Tus Entrañas es un libro a color con 196 páginas, en el que imagen y palabra van de la mano, aunque no de la forma habitual: aquí los poemas no explican los dibujos, ni los dibujos ilustran los poemas sin más. Se acompañan, se contradicen y se complementan, dejando espacio para que cada persona saque sus propias conclusiones.

Diego Portillo Calle, el autor detrás de Tatuando Tus Entrañas

El artista madrileño Diego Portillo Calle es el autor de Tatuando Tus Entrañas. Portillo ha construido un estilo propio, mezclando distintas formas de expresión como la música, la ilustración y la escritura. En el libro se nota esa fusión, convirtiéndolo en una obra directa, honesta y muy libre.

Tatuando Tus Entrañas no es un libro para leer del tirón y olvidar. Es más bien para abrirlo, pararse en una página, pensar, y volver otro día.

Se puede conseguir un ejemplar escribiendo al autor por  instagram en @tatuandopapel, o en el email tatuandopapel@outlook.com.

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Por eso, Patricia Blanco y Javier Álvarez han escrito El dinero no es el problema: es la herramienta que nadie te enseñó a usar: un libro enfocado a la educación financiera básica, accesible y aplicable a la vida diaria.

La educación financiera, un vacío en el sistema educativo

Con el libro El dinero no es el problema: es la herramienta que nadie te enseñó a usar, Patricia Blanco y Javier Álvarez quieren dar respuesta a una necesidad real: Personas que trabajan duro, pero viven con la sensación de no llegar a fin de mes. Gente que gana más, pero nunca consigue avanzar. Familias que quieren organizarse mejor, pero no saben por dónde empezar.

Y es que, durante años, aprendemos matemáticas, historia o idiomas, pero salimos al mundo sin saber cómo funciona el dinero en la práctica. Este es un libro pensado para la vida real, no está dirigido a expertos, sino a aquellas personas que quieran entender, de forma clara y sencilla, cómo empezar a gestionar su dinero.

Con un enfoque claro y accesible, de aplicación práctica, el contenido se divide en dos partes: Una primera parte centrada en la mentalidad financiera: creencias, miedos y errores comunes.

Y una segunda parte orientada a la acción: organización del dinero, ahorro y primeros pasos en inversión.

Patricia Blanco y Javier Álvarez: un tándem perfecto

Patricia Blanco y Javier Álvarez han unido fuerzas para la creación de este libro, que explica de forma didáctica, práctica y amena cómo mejorar la gestión del dinero.

Patricia Blanco es maestra, educadora y logopeda, con más de 25 años de experiencia dedicados al ámbito de la educación y la formación. A lo largo de su trayectoria, se ha especializado en hacer accesibles contenidos complejos, adaptándolos a un lenguaje claro, práctico y comprensible para todo tipo de público.

En El dinero no es el problema: es la herramienta que nadie te enseñó a usar aporta el enfoque pedagógico necesario para comprender la relación con el dinero desde una perspectiva clara, aplicable y transformadora.

Javier Álvarez Fernández es inversor autodidacta, con experiencia en la gestión y crecimiento de su propio patrimonio a través de la aplicación práctica de estrategias financieras.

Su trayectoria se ha basado en el aprendizaje continuo y en la toma de decisiones reales en el ámbito del ahorro y la inversión, lo que le ha permitido desarrollar un enfoque claro, directo y basado en la experiencia.

En este libro es el responsable de la parte más técnica y estratégica, ofreciendo una guía clara y accesible para comenzar a gestionar el dinero y dar los primeros pasos en la inversión.

El dinero no es el problema: es la herramienta que nadie te enseñó a usar es un proyecto que da respuesta a un problema, la falta de educación financiera. Una carencia que, en muchas ocasiones, provoca decisiones equivocadas que salen caras.

Si quieres adquirir un ejemplar, puedes contactar con los autores en sus redes sociales:

• Instagram: @Patriciablanco.oficial
• Tiktok: @Patriciablanco.oficial
• Linkedln: Patricia Blanco Estébanez
• Facebook: Patricia Blanco Estébanez

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La mujer en la obra de Julio González, celebrando el 150º aniversario del artista

La exposición del IVAM ofrece una nueva mirada sobre la obra del artista Julio González, gracias a la selección de la comisaria Brigitte Leal, prestigiosa historiadora del arte y directora adjunta emérita del Museo Nacional de Arte Moderno, Centre Pompidou, de París.

Leal no solo profundiza en la figura del escultor catalán, también introduce una perspectiva innovadora al situar en el centro del relato a las mujeres que desempeñaron un papel decisivo en su vida y en la preservación de su legado.

De este modo, el museo se convierte en un espacio de recuperación no solo de las mujeres artistas, sino también de reconocimiento a la importancia de comisarias, historiadoras y profesionales que han contribuido a transformar nuestra comprensión del pasado.

¿Cómo se organiza la exposición?

La muestra del IVAM plantea dos recorridos, uno biográfico y otro temático. El primero revela una red femenina determinante desde el ámbito familiar. Proveniente de una familia de artistas, hijo de Pilar Pellicer, hija a su vez del pintor Lluís Pellicer, Julio González creció en un entorno artístico en el que sus hermanas mayores, Pilar y Lola, desempeñaron un papel activo.

Tras la muerte del padre, fueron ellas quienes trasladaron el negocio familiar a París y ambas figuraron como diseñadoras de joyas en las Exposiciones Nacionales de Industrias Artísticas de Barcelona entre 1892 y 1898.

A estas figuras se suma Marie-Thérèse Roux, compañera sentimental del artista, musa y también creadora, joyera que vendía sus piezas a casas de alta costura.

Asimismo, la figura de Roberta González, hija del escultor, adquiere relevancia tanto por su propia producción artística como por su relación con el pintor Hans Hartung.

Por otro lado, el itinerario iconográfico propuesto por Brigitte Leal permite reconsiderar la representación femenina en la obra de González. Partiendo de figuras heredadas de la tradición académica —Eva, la Virgen—, el análisis se desplaza hacia la supuesta dicotomía entre la garçonne y la campesina.

La mujer urbana, culta y moderna, asociada a la lectura y a nuevas relaciones con el cuerpo contrasta con la figura de la campesina, vinculada al trabajo, la maternidad y la perpetuación de la vida.

El carácter pionero de Julio González como artista se pone de manifiesto en su interés por la recuperación de materiales, la incorporación de la soldadura autógena del hierro al lenguaje escultórico y en su reivindicación del campesinado, entre otras facetas.

Para la muestra del IVAM se ha renunciado al omnipresente cubo blanco y se han elegido tonalidades cálidas y terrosas en las salas que albergan las obras, subrayando de este modo la conexión con la materialidad, el acogimiento y la tierra.

¿Dónde se puede encontrar el catálogo de la exposición del IVAM?

En La Imprenta CG hemos tenido el honor de imprimir el catálogo realizado para la exposición de Julio González. Un libro con 228 páginas, encuadernado en cartoné y con textos de Blanca de la Torre, directora del IVAM, y Brigitte Leal, comisaria de la muestra.

Con más de 167 ilustraciones a color, esta edición trilingüe —castellano, valenciano e inglés— es el complemento perfecto para esta innovadora exposición.

El catálogo se puede adquirir en la tienda física del museo, así como en su tienda online.

¿Por qué Julio González es importante para el IVAM?

Para el IVAM, la trascendencia de Julio González no solo se centra en su proyección internacional como pionero de la escultura en hierro y renovador radical de las técnicas escultóricas, sino también porque la donación de un significativo cuerpo de obras marcó el origen del museo, fruto de la generosidad de Carmen Martínez y Vivianne Grimminger, herederas de la hija del artista, Roberta González.

A ellas está dedicada esta muestra, a las herederas del legado familiar que realizaron donaciones fundamentales en 1985, cuando las Cortes Valencianas tramitaban la ley de creación del museo, y en 1992, tres años después de su inauguración en 1989.

Estas donaciones incluían también un conjunto significativo de obras de Roberta González y de Joan González, hija y hermano del escultor.

El IVAM alberga la colección más importante del mundo de obras de González y, a lo largo de los años, ha desarrollado una labor sostenida de investigación, conservación y difusión que ha contribuido decisivamente al conocimiento público del artista.

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¿De qué trata el fotolibro Les petites coses?

Les petites coses es el nuevo fotolibro de Quim Espona, un auténtico reto para el autor, ya que se trata de un recorrido por toda su trayectoria, una cuidada selección entre miles de fotografías que, a lo largo de su dilatada carrera, ha realizado Quim Espona.

Les petites coses es una pequeña muestra de algunas de las colecciones del fotógrafo, unidas por el hilo conductor de las sensaciones que le llevaron a capturar esos instantes.

En este fotolibro no aparecen fotografías de Espona realizadas para periódicos, revistas, libros o encargos profesionales. Las imágenes que forman parte de esta obra corresponden exclusivamente a una selección de fotografías que expresan sentimientos, emociones, percepciones y vivencias personales que, a lo largo de los años, han llevado a Quim Espona a hacer de la fotografía algo más que una afición.

El libro, diseñado por Isabel Espona, es una invitación a recorrer el mundo a través de la mirada personal de Quim, construida a través de la sensibilidad y la experiencia de toda una vida observando, sintiendo y capturando momentos.

Quim Espona, un fotógrafo hecho a sí mismo

Quim Espona lleva desde los siete años capturando el mundo a través de la cámara. Su pasión por la fotografía comenzó con una cámara que le regalaron en 1963 y, con el tiempo, se ha convertido una extensa trayectoria fotográfica que puede descubrirse a través de su web, donde se muestran las diferentes facetas de un autor que conoce los rincones más diversos de la fotografía.

De formación autodidacta, Quim Espona ha desarrollado su carrera profesional como reportero gráfico para publicaciones como La Vanguardia, L’Ausona o El 9 Nou.  Además, ha colaborado con numerosas publicaciones relacionadas con el arte y el medio natural.

Desde mediados de los años noventa, Quim Espona también se ha dedicado a la docencia, impartiendo clases de fotografía para jóvenes y adultos.

En el año 2000 publicó su primera recopilación fotográfica, Sensacions, un fotolibro en el que compartía una selección de vivencias personales e imágenes que invitan a disfrutar de la fotografía.

El trabajo de Quim Espona ha sido expuesto en muestra individuales en Vic, Manlleu y Barcelona, así como en diversas exposiciones colectivas en Cataluña y Madrid. También ha sido parte del jurado en concursos de fotografía.

Si quieres un ejemplar del fotolibro Les petites coses, puedes encontrarlo en librerías de Vic o contactando directamente con el autor a través de su Instagram o de su página web.

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Júlia Cano, el triomf del dibuix a mà alçada

La il·lustradora Júlia Cano és graduada en Filosofia i va cursar el màster em màster en Disseny i Il·lustració per la Universitat Politècnica de València.

Júlia és una il·lustradora en gran part autodidacta, passeja entre el text i el dibuix, explorant amb un traç lliure i de mà alçada on allò quotidià es barreja amb allò imaginat. El seu treball naix de l’observació, la curiositat i el desig de mirar el món una mica més a poc a poc.

El seu treball inclou projectes de cartelleria, editorial i producte. Entre ells es troben el cartell de Ho’oponopono yomimeconmigo a Russafa Escènica, la portada de Circumstàncies possibles (L’Eixam Edicions), il·lustració per a Oxxo Wedding, el calendari solidari 2026 per a l’Associació Contra el Càncer de Mama de Caravaca i l’etiquetatge de productes de Bodega Eras. Actualment experimenta amb el dibuix aplicat a la ceràmica, realitzant altars i taulells il·lustrats.

Entrevista a Júlia Cano

Com es va despertar en tu la necessitat o el desig de dibuixar? Quin és el teu primer record amb un llapis a la mà?

La veritat és que ni tan sols ho recorde. La meua mà mai ha estat lluny d’un llapis. Sempre he tingut al meu voltant fulls i colors que m’han acompanyat mentre somiava i jugava, així que dibuixar ha sigut per a mi una cosa molt natural des de sempre.

Tens algun ritu especial, alguna mania, quan t’enfrontes a un projecte creatiu?

Intente recordar les coses que m’inspiren. Primer pense, després observe i, finalment, ordene. Més que buscar referències noves des del principi, preferisc explorar allò que ja conec i donar-li una volta per transformar-ho en alguna cosa diferent, com si fora un eco nou. Ho faig així per no condicionar massa la meua imaginació.

Com definiries el teu estil?

Diria que el meu estil és prou lliure i de mà alçada, amb un traç viu i gestual. M’interessa que el dibuix conserve moviment i una certa espontaneïtat. Solc combinar línia solta amb taques de color molt lleugeres, encara que no em tanque a res.

Quina tècnica o material prefereixes a l’hora de treballar?

El que més m’agrada és treballar amb llapis, paper i tinta. M’interessa el contacte directe amb els materials i el procés manual. Tot i això, si la idea és interessant, no tinc una tècnica tancada: qualsevol material o eina pot servir-me per a desenvolupar-la.

Per què has triat aquesta imatge per al Calendari Solidari de La Imprenta CG?

He triat aquesta imatge perquè convida a aturar-se i pensar en el seu significat. Planteja una pregunta: què hi havia abans, la trampa o les flors? Saben els óssos que la trampa és perillosa i per això intenten substituir-la per alguna cosa bella? O no ho saben i estan en perill? També suggereix un altre dubte: qui es comporta realment de manera “humana”, qui posa la trampa o qui cuida i rega un jardí? És una imatge que busca provocar reflexió més que donar una resposta tancada.

Qui són els teus referents o influències en literatura, música, etc.? Ens recomanes una pel·li i un llibre?

Crec que aquesta és la pregunta més complicada de totes per a mi, perquè gaudisc tant que em costa triar. Un text que em va canviar la percepció de les coses va ser l’assaig Del paro al ocio de Luis Racionero, junt amb el seu llibre Filosofías del underground.

També vaig gaudir molt amb la imaginació viva d’Irene Solà, però un referent important per a mi és la periodista Leila Guerriero: els seus textos tenen una lucidesa i una precisió admirables; em va fascinar Teoría de la gravedad. Un llibre que pense que tothom hauria de llegir (perquè, a més, és curt) és Esto es agua, de David Foster Wallace.

Si parlem de música, encara es complica més l’assumpte, però crec que entre les meues bandes favorites hi ha The Stone Roses, The Smiths, The Durutti Column o Talk Talk. La música és un paisatge. No puc dir quin paisatge és millor: tots són diferents.

En pel·lícules ja em fa por entrar. Ho deixem ací.

Creus que el treball d’il·lustrador està prou reconegut? Què faries per millorar la situació?

No, el treball d’il·lustradora està poc reconegut. És un sector molt mal pagat, amb molta precarietat i condicions desiguals, on la majoria de professionals treballen com a autònoms i assumeixen una gran inestabilitat.

A més, el treball creatiu sovint està infravalorat. Per millorar la situació faria falta una major regulació del sector, tarifes més justes i una major consciència sobre el valor del treball creatiu.

Quin consell t’hauria agradat rebre quan vas començar?

Considere que encara estic començant. Diria: tingueu paciència, envolteu-vos de bons amics, parleu bé dels vostres companys i ajudeu-vos molt entre vosaltres, perquè creieu-me: cal ajuda per avançar en aquest món enrevessat.

A La Imprenta CG estem molt agraïts a Júlia Cano per haver participat al nostre calendari solidari.

Els beneficis de la venda estan destinats a la Fundación Ronald McDonald, que ofereix allotjament gratuït a les famílies els fills de les quals estan hospitalitzats a València.

A més, el nostre calendari solidari té com a objectiu visibilitzar el treball d’il·lustradors valencians, tant dels més consagrats com dels joves que comencen.

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¿Tienes un proyecto editorial y no sabes cómo financiarlo?

Crear un libro, cómic o cualquier proyecto creativo requiere tiempo, dedicación… y también presupuesto.
El crowdfunding se ha convertido en una de las formas más efectivas para financiar un libro sin inversión inicial, validando tu idea y creando comunidad desde el primer día.
En La Imprenta CG, queremos ayudarte a lanzar tu proyecto con éxito. Por eso hemos preparado esta guía completa sobre cómo hacer un crowdfunding en España, qué plataformas elegir y cómo preparar tus recompensas para que tu campaña funcione.

¿Qué es y cómo funciona el crowdfunding?

Que no te asuste el palabro. Crowdfunding es, simplemente, un sistema de financiación colectiva online en el que muchas personas, a los que se les conoce como mecenas, realizan pequeñas aportaciones económicas para que un proyecto salga adelante.

¿Cómo funciona una campaña de crowdfunding?

Si quieres crear un libro, un cómic o cualquier otro proyecto que tengas en mente y no tienes presupuesto, puedes hacer un proyecto de crowdfunding, y así financiar su lanzamiento.

Estos son los pasos básicos que debes seguir:

1. Creas tu proyecto en una plataforma especializada.
2. Defines la cantidad que necesitas para financiar tu libro.
3. Ofreces recompensas según el importe de cada aportación.
4. Lanzas la campaña (normalmente con fecha límite).
5. Si alcanzas el objetivo → recibes el dinero y puedes imprimir tu libro.
6. Si no lo alcanzas → la plataforma devuelve el dinero a los mecenas.

Al crear este proyecto en cualquiera de las webs que existen para trabajar con este método de financiación, podrás ofrecer distintas recompensas según la aportación que hagan los mecenas.

Por ejemplo, puedes poner que:

– si alguien te dona 30€ le das el libro + un marcapáginas
– si alguien te dona 45€ entonces le enviarás el libro + el marcapáginas + libreta cosida
– si alguien te dona 85€ entonces le envías el libro + el marcapáginas + la libreta + una camiseta

Así estas ofreciendo recompensas por un incremento de la donación, cuanto más donan más reciben.
La clave está en calcular bien precios y márgenes para no perder ni un euro durante la producción.

¿Cómo ayuda La Imprenta CG a tu proyecto de crowdfunding?

En La Imprenta CG  somos especialistas en la impresión de libros, láminas, postales, libretas, calendarios y todo tipo de productos perfectos para recompensas.

Ventajas de imprimir tus recompensas con nosotros

Queremos que tu campaña tenga el mejor resultado posible. Por eso, si necesitas ayuda con tus recompensas te asesoraremos con todos los productos que necesites y obtendrás:

• Asesoramiento personalizado: para elegir materiales, formatos y acabados que encajen con tu presupuesto. Nuestro comerciales te ayudarán a encontrar el producto perfecto.
• Presupuestos rápidos y adaptados: nuestros presupuesto se ajustarán en todo momento a tus necesidades.
• Condiciones especiales en reimpresiones: si tu campaña supera objetivos, y necesitas más cantidades de algún producto ya impreso con nosotros te ofrecemos ofertas y promociones.
• Opciones de impresión sostenible, ideales para proyectos con enfoque ecológico. Nuestra imprenta cumple con la normativa FSC + ISO 14000 + ISO 9001, somos sostenibles.
• Muestras de materiales: tenemos un muestrario de papeles que te facilitaremos gratis para ayudarte a decidir antes de lanzar tu campaña. También podrás adquirir una maqueta con la impresión de tu libro o cualquier otro producto principal del proyecto.
• Descuentos y promociones: en la impresión de recompensas: láminas, postales, agendas, libretas, marcapáginas, calendarios, para entregar el pack adquirido por el mecenas.

Pide aquí el presupuesto del producto principal y las recompensas antes de lanzar la campaña

Con este presupuesto podrás calcular con precisión el objetivo económico de tu crowdfunding y ajustar las recompensas para que sean rentables.
Es fundamental que te fijes objetivos realistas, si empiezas la campaña con antelación puedes medir la demanda de tu proyecto antes de imprimirlo, y así ajustar las cantidades que tienes que pedir a la imprenta y no pagar de más.

Al final, lo importante es que tu proyecto se convierta en algo tangible que llegue al mayor número de personas. Por eso queremos acompañarte en todo el proceso, para que el resultado sea el mejor y más rentable posible.

No dudes en preguntarnos, contacta con nosotros, y te asesoraremos de qué recompensas son las mejores y más rentables para tu proyecto.

¡Lánzate y haz realidad el sueño de lanzar tu libro o cualquier otro proyecto que tengas en mente!

Descarga aquí la guía gratuita para planificar tu campaña de crowdfunding y asegúrate de no olvidarte nada importante

Existen tantas formas de planificar una campaña de crowdfunding, como autores y creativos. Cada proyecto es diferente y la campaña que se realice para conseguir financiación debe estar adaptada a sus circunstancias.

Aunque hay estrategias que funcionan en casi todas las campañas:

1. Empieza antes de tener el libro impreso
Es recomendable comenzar antes de tener terminado los productos que vas a ofrecer, esto te sirve para ir narrando paso a paso los avances y cómo el proyecto se va convirtiendo en realidad.

De este modo, generas interacciones y confianza, creas una comunidad activa y aumentas la expectación.

2. Crea una página de campaña visual y atractiva
Es importante hacer una campaña visualmente atractiva, que llame la atención.

Incluye fotos, maquetas impresas, ilustraciones y un vídeo corto explicando tu proyecto. Esto aumenta la conversión.

3. Escribe una descripción original y clara
Las descripciones del proyecto deben ser originales y claras, que enganchen al público para conseguir contribuciones.

Explica el proceso creativo, el valor del proyecto y por qué deberían apoyarte.

4. Actualiza la campaña con frecuencia
Interactúa al máximo con tus posibles mecenas, contesta los mensajes rápidamente y actualiza el estado del proyecto con regularidad.

Cuanta más comunicación crees, más apoyo obtendrás.

5. Diseña recompensas equilibradas
Las recompensas (descuentos, promociones, regalos o detalles, primicias, publicaciones especiales solo para mecenas, etc.) son un modo muy efectivo de conseguir las aportaciones.

6. Incluye opciones básicas, intermedias y premium.
Asegúrate de que cubran los costes de producción + envío + margen de seguridad.

Tipos de Crowdfounding

Crowdfunding de recompensas: Es el más utilizado cobre todo para proyectos creativos. Se ofrece un producto o servicio a cambio de la aportación. Pueden ser descuentos, regalos, avances exclusivos, etc.
Crowdfunding de donación: Este tipo de recaudación de fondos no supone ningún retorno monetario para los donantes, que realizan su aportación de manera altruista, simplemente por el hecho de apoyar un proyecto que les apasiona o una causa con la que se solidarizan.
Crowdfunding de inversión: En este tipo de micromecenazgo el donante obtendrá acciones o parte de los beneficios del proyecto una vez finalizado.
Crowdfunding de préstamo: Es más parecido a una financiación bancaria tradicional, ya que los donantes obtendrán el retorno de la cantidad aportada, más una cantidad extra, que se determinará por un tipo de interés.

¿Qué plataforma de crowdfunding elegir?

Para que los mecenas que aportan su capital sepan que un proyecto es digno de confianza y su dinero no va a desaparecer sin más, existen numerosas plataformas online que se encargan de ponerles en contacto con los creadores, automatizando el proceso y haciéndolo mucho más fiable y rápido, al tiempo que dan visibilidad a proyectos independientes.

Encontrar la plataforma crowdfunding que más se ajuste a las necesidades y particularidades de un proyecto es un paso básico. Estas son algunas de las más populares:

• Verkami: El crowdfunding creativo por excelencia. Es una plataforma con mucho éxito en España, con una comunidad muy activa, y con un gran número de proyectos creativos.
• Kickstarter: Es una de las plataformas más conocidas a nivel internacional. Gracias a las donaciones de sus mecenas han salido adelante películas, APPs, videojuegos, libros, juguetes y un sinfín de proyectos. Se basa en el crowdfunding de recompensas.

• Gofundme: Es otro de los gigantes del crowdfunding en todo el mundo. Es más conocida por sus campañas de recaudación para causas sociales, emergencias, de investigación o benéficas.

• Indiegogo: Plataforma con proyectos de lo más variado, no necesariamente centrados en la creatividad artística, sino que podemos encontrar inventos de todo tipo.

• Goteo: Es una plataforma que no solo se centra en las aportaciones monetarias, sino que también fomenta el intercambio de saberes, habilidades y tareas. De ese modo, los donantes pueden colaborar de manera activa en los proyectos.

¿Qué costes debe incluir el presupuesto de tu campaña de crowdfunding?

Uno de los errores más comunes en el crowdfunding es subestimar los costes reales del proyecto. Una campaña bien planificada necesita un cálculo detallado que incluya todos los gastos asociados a la producción, logística y comisiones. Aquí te detallamos cada punto para que puedas construir un objetivo económico sólido y sin sorpresas.

Descarga el kit completo: Guia Profesional Para hacer Una Campaña De Crowdfunding

Coste de impresión del libro

Es el gasto principal en la mayoría de proyectos editoriales.

Debe incluir imprescindiblemente:

• Tipo de impresión (digital u offset)
• Número de páginas
• Tipo de papel interior y de cubierta
• Encuadernación
• Tintas y acabados especiales (barniz, stamping, laminado, troquelados…)
• Cantidad total a imprimir

Por qué es importante

El coste unitario varía mucho según el volumen. En crowdfunding, normalmente imprimirás justo las unidades necesarias para los mecenas + un pequeño excedente para venta posterior.

Por eso es imprescindible pedir presupuesto a la imprenta antes de lanzar la campaña

Coste de las recompensas adicionales

Además del libro, la mayoría de campañas ofrecen:

• Marcapáginas
• Láminas
• Postales
• Libretas cosidas
• Pegatinas
• Camisetas
• Merchandising especial

Estos productos deben incluir impresión + manipulado + empaquetado.

Consejo
Elige recompensas que:
– sean económicas de producir
– encajen con el estilo de tu libro
– no aumenten demasiado el coste de envío
– hacerlas con el mismo proveedor (abarata costes)

Por eso es importante escoger bien las recompensas

Envío

Este apartado suele quedar corto si no se calcula bien, y es donde te puede hacer perder dinero.

Incluye:

• Envíos nacionales
• Envíos internacionales (si los ofreces)
• Embalajes (sobres reforzados, cajas, burbujas…)
• Etiquetas y manipulado
• Subida de tarifas según peso y volumen

Recomendación
– define el envío como recompensa separada si hay muchas variaciones por zona.
– usa un proveedor de envíos que puedas prever con antelación.

Comisiones de la plataforma

Este punto también es muy importante y a muchos se les suele olvidar poner este coste en el presupuesto de la campaña. Todas las plataformas de crowdfunding aplican comisiones.

En general:
– Plataforma: 5% aprox.
– Pasarela de pago (Stripe, PayPal…): 2%–3% aprox.
Es decir, calcula entre un 7% y 8% del total recaudado. Estudialo bien para no pillarte los dedos y así no tendrás que echar mano de tu bolsillo.

Impuestos

Esto depende de tu situación fiscal y del tipo de producto.

En la mayoría de casos:
– Los libros tributan al 4% de IVA en España. Recuerda preguntar en la imprenta si tu proyecto puede hacerse con este IVA o tienes que aplicar el 21% (siempre depende del tipo de libro que realices).
– Resto de recompensas (láminas, camisetas, merchandising): 21% de IVA.

Importante
Una parte del dinero recaudado se deberá declarar como ingreso, por lo que es necesario incluir los impuestos en el objetivo económico de la campaña.

Margen de seguridad

El margen de seguridad es imprescindible en cualquier crowdfunding bien planteado. Se recomienda añadir entre 10% y 20% adicional al presupuesto final para cubrir:

– Reimpresiones por errores o defectos
– Unidades dañadas en el envío
– Incrementos de materiales
– Mecenas que piden cambios de dirección
– Tarifas variables de transporte
– Comisiones imprevistas

Un crowdfunding sin margen = riesgo de pérdidas.

¿Qué consigues planificando así?

– Un objetivo económico realista
– Una campaña viable y rentable
– Evitar sorpresas desagradables
– Poder entregar las recompensas sin sobrecostes
– Transmitir profesionalidad a tus mecenas

Recuerda pedir presupuesto antes de fijar el objetivo económico

Errores comunes a evitar en una campaña de crowdfunding y cómo solucionarlos

Aunque el crowdfunding es una forma fantástica de financiar un libro o cualquier proyecto creativo, hay errores habituales que pueden comprometer el éxito de la campaña. Aquí te explico los más comunes y cómo evitarlos.

Evita errores costosos desde el principio: Descarga el Checklist pro de campaña y planifica como un profesional

Poner recompensas complejas o difíciles de producir

Un error frecuente es diseñar recompensas demasiado elaboradas, con muchos elementos o procesos de producción poco realistas.

Suelen fallar por:

• Costes imprevistos
• Tiempos de producción demasiado largos
• Proveedores que no pueden asumir ciertas cantidades
• Dificultad para almacenar o enviar productos voluminosos

Cómo evitarlo
– Elige recompensas que puedas producir fácilmente y con un proveedor fiable.
– Calcula tiempos de impresión y entrega reales.
– Haz pruebas previas o prototipos.
– Prioriza productos sencillos, útiles y rentables: libros, láminas, marcapáginas, libretas, postales.

Recuerda que tienes toda nuestra ayuda para decidir que recompensas utilizar en tu campaña

No calcular bien los márgenes

Muchos creadores subestiman los costes reales, lo que provoca que la campaña sea un éxito… pero que el creador pierda dinero.

Costes que a menudo se olvidan:

• IVA y comisiones de la plataforma (Verkami, Kickstarter, etc.)
• Coste del embalaje y envío
• Reimpresiones imprevistas
• Incrementos de precio según el volumen final
• Tiempo de preparación o manipulado

Cómo evitarlo
– Pide un presupuesto cerrado de todos los productos antes de fijar el objetivo económico.
– Añade siempre un margen de seguridad del 10–20%.
– Calcula correctamente los costes de envío nacional e internacional.
– Revisa las comisiones de la plataforma (suelen ser entre 5%–8%).

No hacer pruebas de impresión antes de lanzar la campaña

Las plataformas de crowdfunding funcionan mejor cuando el creador muestra fotos reales del producto o incluso un prototipo.

Muchos proyectos fracasan porque las imágenes parecen poco profesionales o no representan la calidad final.

Cómo evitarlo
– Solicita un prototipo del libro, lámina o producto principal.
– Muestra fotos de detalle: papel, encuadernación, textura, portada.
– Lleva el prototipo a ferias, eventos o redes sociales para enseñar el avance.

Hacer una campaña visualmente pobre

En plataformas como Verkami o Kickstarter, lo visual es el 70% del éxito.

Un diseño pobre transmite poca confianza, incluso aunque el proyecto sea fantástico.

Problemas habituales:

• Fotos oscuras o sin edición
• Diseño gráfico improvisado
• Vídeo de mala calidad
• Páginas de campaña con demasiado texto y poca estructura

Cómo evitarlo
– Usa buenas fotografías, iluminación y fondos neutrales.
– Crea una identidad visual coherente (colores, tipografías, ilustraciones).
– Añade un vídeo breve (30–60 segundos) explicando el proyecto: aumenta la conversión.
– Divide el texto en secciones claras, con títulos y bullets.

No comunicar los avances de forma regular

El silencio en un crowdfunding se interpreta como una falta de avance o compromiso.
Esto afecta directamente a la confianza del mecenas.

Cómo evitarlo
– Publica actualizaciones cada 3–5 días durante la campaña.
– Comparte avances reales: diseño, impresión de pruebas, bocetos, hitos alcanzados.
– Responde rápido a comentarios y mensajes.
– Activa recordatorios y avisos cuando estés cerca de un objetivo.

No tener una comunidad mínima antes del lanzamiento

Uno de los errores más grandes es pensar que la plataforma atraerá todo el tráfico.
La realidad es que entre el 60% y 80% de las aportaciones vienen de tu propia comunidad, al menos al principio.

Si lanzas sin audiencia, la campaña empieza sin impulso… y la plataforma no te dará visibilidad.

Cómo evitarlo
– Crea una pequeña comunidad antes del lanzamiento:

– seguidores en redes
– newsletter
– contactos profesionales
– grupos de ilustración, lectura, cómic, escritura

– Anuncia el proyecto semanas antes de publicarlo.
– Pide a tu círculo cercano que participen en las primeras 48 horas (clave para posicionarte en la plataforma).
– Prepara un pre-lanzamiento con contenido en redes, email y web.

¿Por qué apostar por el crowdfunding?

Estos son algunos de los motivos por los que hacer una campaña de crowdfunding es una buena idea.
– Financiación sin inversión inicial
El crowdfunding te permite producir tu proyecto sin adelantar grandes cantidades. Los mecenas apoyan tu idea y tú puedes centrarte en crear.
– Validación real de tu propuesta
Una campaña exitosa demuestra que existe un público interesado. Es una forma eficaz de medir la demanda antes de imprimir.
– Más visibilidad para tu trabajo
Las páginas de crwodfunding te facilitan la interacción con su comunidad, ya creada y activa, así tu campaña puede llegar a personas que aún no te conocen.
– Libertad creativa
Tú decides el formato, los materiales y el enfoque. No hay intermediarios que condicionen tu obra.
– Conexión con tus mecenas
El crowdfunding genera un vínculo especial: no solo compran un producto, sino que participan en hacerlo realidad.

¿Listo para hacer realidad ese proyecto impreso que estás esperando lanzar pero que no has podido aún hacerlo realidad porque te resulta costoso? La Imprenta CG te lo pone fácil.
Ya tienes lo más difícil, conocer cómo funciona el sistema crowfounding y cómo hacer que tenga éxito, así que no lo pienses más, da el siguiente paso: dar visibilidad a tu proyecto.

Imprime tus recompensas con nosotros

Aquí tienes algunos crowfounding que ya están teniendo éxito para que te inspires al crear tu campaña.
El pacto de Goya 2/2
Lazarillo de Tormes, el Cómic
TERAPUKE – La agenda para gestionar tus emociones y bienestar mental
Libro de ajedrez de Alfonso X el Sabio

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La grieta reina, una historia sobre la falta de afecto

Editada por Urbiko Ediciones, La grieta reina es la nueva obra de Arantza Álava. Es una novela sobre la falta de afectos, que sumerge al lector en una historia poderosa.

Arantza Álava es autora del poemario Esencia urbana (2020) y de los libros de relatos Peces de terraza (2021) y Viento sin norte (2023), género en el que fue ganadora del Concurso Ciudad de Orduña 2020.

La grieta reina confirma su madurez narrativa y consolida una voz literaria personal, atenta a las fisuras de lo íntimo y a la complejidad de los vínculos afectivos.

Después de sus magníficos volúmenes de relatos, que llegaron a toda España a través de las distribuidoras más importantes del país y tuvieron muy buena acogida, La grieta reina supone un salto de calidad para una autora que no deja indiferente, que es capaz de entrar en el alma del lector, haciéndole sentir protagonista de sus historias.

¿De qué trata la novela La grieta reina?

La grieta reina es la historia de un descubrimiento en la infancia, una grieta que revelará a Yoli secretos inconfesables. Una búsqueda —de razones, de aceptación, de amor— en la que el mar aparece como una imagen recurrente, entre lo dicho y lo que permanece en silencio, como un final que se insinúa más que se anuncia.

Demostrando un profundo conocimiento de la psicología humana, Arantza Álava ha construido una novela conmovedora y poderosa. A través de una prosa ágil, descarnada y sin artificios, la autora nos ofrece un viaje vital del que no regresaremos ilesos.

La cubierta del libro es obra de Beatriz Deza Trujillo, fotógrafa fuenlabreña que vuelve a colaborar con Arantza después de Viento sin norte, su anterior trabajo.

Al igual que todas las obras de la autora, La grieta reina ha sido impresa en los talleres de La imprenta CG.

La grieta reina y el resto de bibliografía de Arantza Álava están disponibles en todas las librerías de España, físicas y virtuales. Si quieres un ejemplar dedicado o simplemente dejarle tus impresiones sobre el libro, puedes ponerte en contacto con la autora a través de Instagram.

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