El hogar es un sentimiento con Helena Moral en el calendario

Helena Moral és graduada en Belles Arts i en el Màster en Disseny i Il·lustració per la Universitat Politècnica de València. Treballa com a freelance des de 2024, especialitzant-se en gràfica publicitària i il·lustració.

La seua pràctica es desenvolupa a través de la il·lustració amb tècniques analògiques (principalment amb aquarel·la), que aplica sobretot en projectes editorials i de cartelleria.

Entén la il·lustració com una eina de comunicació i també de transformació. Per això, treballa des d’una òptica càlida i comunitària, amb especial interés en la diversitat, la sostenibilitat i el reforç de la identitat cultural.

Al llarg del seu recorregut ha col·laborat amb institucions i entitats com l’Ajuntament de Xàtiva, la Universitat de València, la Universitat Jaume I de Castelló, el Consell Valencià de la Joventut, Centre Habitare o Museari, així com amb col·lectius socials com Bioagradables i Arc de Sant Martí LGTBIQ+.

La seua feina busca generar diàleg, fomentar la diversitat i enfortir la identitat cultural des d’una perspectiva crítica i transformadora, sempre amb el propòsit de crear projectes que no només funcionen a nivell visual, sinó que aporten valor humà i social.

Entrevista a la il·lustradora Helena Moral

Com es va despertar en tu la necessitat o el desig de dibuixar? Quin és el teu primer record amb un llapis a la mà?

La necessitat de dibuixar és una cosa que m’ha acompanyat des que tinc ús de raó, no recorde la primera vegada que ho vaig fer, com no recorde la primera vegada que vaig caminar, però són dues coses que van ocórrer més o menys al mateix temps, o això em diuen. També tinc la immensa sort de què el meu entorn i família ja era creatiu, fet que va potenciar des de ben menuda el meu interés per tot el que és artístic

Tens algun ritu especial, alguna mania, quan t’enfrontes a un projecte creatiu?

Diria que no tinc cap mania diferent de la de qualssevol altra persona del sector, tal vegada, i per trencar amb clixés sobre les persones creatives, diria que soc molt metòdica, organitzada i, fins i tot quadriculada quan estic realitzant alguna il·lustració, tota aquesta idea de persona caòtica que crea no va gens en mi. Necessite molta tranquil·litat, calma i control sobre l’entorn per poder realitzar una peça amb un mínim de qualitat, el caos és contrari a mi, necessite molta concentració i saber exactament el que estic fent, com i per què.

Com definiries el teu estil? Quina tècnica o material prefereixes a l’hora de treballar?

Esta és fàcil! Pràcticament tot el meu treball el faig en aquarel·la, el meu estil és figuratiu, força realista i de colors tranquils, em recolze molt en la línia del dibuix per a construir la forma. Crec que el fet de treballar en aquarel·la ha afavorit molt tot el que comentava a la qüestió anterior, és una tècnica molt agraïda quan la domines, però molt exigent donat que no admet l’error, qualsevol pinzellada mal donada va a vores al resultat final, i haver insistit al llarg dels anys en l’aquarel·la m’ha fet entendre este fet fins a interioritzar-lo dins de la mateixa metodologia de treball.

A nivell ja més de concepte, tracte d’incloure sempre una xicoteta dosi politicosocial en el meu treball, m’interessen molt els moviments socials, la força col·lectiva i les cures, per això estes qüestions sempre apareixen a les meues il·lustracions, des d’una perspectiva càlida, positiva i transformadora, o almenys això intente.

Tampoc tanque portes a altres tècniques, i sempre que puc intente provar coses noves i experimentar, és per això que la meua il·lustració per a este calendari solidari està feta en digital, que just és l’entorn en què més insegura em trobe a l’hora de dibuixar, el que menys domine, però vaig trobar una fantàstica oportunitat quan em vàreu convidar a participar per a sortir de la meua zona de confort i provar alguna cosa nova, tot i que, crec que mai abandonaré l’entorn analògic, gaudisc massa el tacte del paper.

Per què has triat aquesta imatge per al Calendari Solidari de La Imprenta CG?

Com que vaig crear la il·lustració exclusivament per al calendari, vaig voler inspirar-me en l’eslògan de la casa Ronald, “la llar no és un lloc, és un sentiment” pense que és una frase molt potent i esperançadora. Parla de com són d’importants les cures i les xarxes, perquè pugues considerar un espai verdaderament casa, i aquest concepte cada dia pren més força no sols en el meu treball sinó també en la forma en què concep els espais que ocupe i les persones en qui em relacione.

Qui són els teus referents o influències en literatura, música, etc.?

El que més consumisc en l’àmbit cultural és, en molta diferència música, generalment dic que el que més escolte és rock,tant clàssic com contemporani, tot i que, quan em surt el wrapped aquest anual de certa plataforma, aquesta afirmació perd consistència, perquè les meues llistes de reproducció no tenen cap lògica, escolte música en valencià, reggae, ska, folk, rock, reggaeton… Però també puc estar escoltant perfectament una marxa mora o un cant de batre.

M’agraden molts grups com The Clash, The Police, o T. Rex, en castellà Marea o Extremoduro, però també escolte artistes més actuals i de l’escena valenciana com La Gossa Sorda, Auxili, Aspencat o Orxata i no em negue a escoltar propostes musicals totalmente distintes com Metrika o la Pili.

Ens recomanes una pel·li i un llibre?

Tot i que tinc més llibres esperant ser llegits dels que m’agradaria admetre, un dels últims que m’ha marcat, i que encaixa molt amb tot açò dels processos lents, de posar estima en tot allò que fas i les cures seria Dorayaki, de Durian Sukegawa. Me’l va regalar ma mare, i després d’haver-lo llegit vaig entendre perfectament per què el va escollir per a mi. Ara, si decidiu llegir-lo prepareu els mocadors per al final.

També recomanaria moltíssim dues novel·les gràfiques meravelloses, tant pel que fa a història com per estar realitzades en tècniques analògiques amb una delicadesa i textures exquisides que són El cuerpo de cristo, de Bea Lema i Barbecho, de David Sancho, ambdues amb importants guardons més que merescuts.

Pel que fa a pel·lícules no tinc cap recomanació en especial.

Creus que el treball d’il·lustrador està prou reconegut? Què faries per millorar la situació?

Dubte molt que algú puga contestar afirmativament a aquesta pregunta. Si ja era un ofici infravalorat i mal remunerat, amb tot el tema de la IA generativa s’ha desvirtuat encara més, el sector afronta més dificultats que mai.

Tot i això, i per buscar aspectes positius, i sense voler caure en la romantització de la professió ni molt menys, diria que ningú entra en aquesta professió buscant fer-se ric. Crec que la motivació per al sector és molt més interna, més honesta i, per tant, enormement personal, una cosa que la IA mai tindrà. Mentre es puga viure de la professió continuarem creant, però també reclamant els drets i remuneracions que el nostre treball mereix.

Quin consell t’hauria agradat rebre quan vas començar?

Crec que vaig rebre bons consells en començar, però potser no els vaig donar la importància que mereixien. El que més remarcaria és el de no tirar la tovallola, hi ha moments en què la feina baixa, o un client no et tracta com deuria, potser algun comentari desafortunat, i quan aquestes qüestions són sobre el teu treball, tendim a prendre-les molt a pit. De seguida apareixen pensaments d’abandonar, de buscar una feina més segura o més estable, però si aguantes prou temps tot va a millor (ningú t’estalvia aquests moments) continuen estant, però també apareixen situacions que et reafirmen, i a poquet a poquet vas focalitzant-te més en les positives que en les negatives.

Il·lustració de fons per a Teatre de l’Abast, representació teatral de la Crema de xàtiva 2024. Fotografia de Àlex Gutiérrez Taengua.

Moltíssimes gràcies a Helena Moral per formar part del nostre calendari solidari. Per a l’equip de La Imprenta CG és un projecte molt especial, ja que tots els beneficis estan destinats a la Fundació Ronald McDonald, que ofereix allotjament a les famílies els fills de les quals estan ingressats a l’Hospital La Fe de València.

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¿Quién inventó el término “diseño gráfico”?

William Addison Dwiggins (1880 – 1956) comenzó su carrera en Chicago, con trabajos centrados en la publicidad y el diseño de rótulos. Pronto ganó reconocimiento y relevancia en este ámbito y era considerado una auténtica estrella, llegando a cobrar cifras astronómicas por sus trabajos.

En 1919 escribió su libro An Investigation into the Physical Properties of Books, en el que criticaba abiertamente a los diseñadores de libros de la época. Sus argumentos llamaron la atención del prestigioso editor Alfred A. Knopf, con el que comenzó a colaborar creando series de libros comerciales con un diseño y calidad sobresalientes, que despertaron el interés del gran público por el formato encuadernado del editor.

El estilo de Dwiggins se caracteriza por un amplio uso de los ornamentos, con influencias orientales, y una peculiar mezcla de motivos geométricos y naturales, combinando el Art Dèco y el Art Noveau.

Durante la década de los años 20 y 30 del siglo pasado, Dwiggins contribuyó como pocos creadores a la mejora del diseño editorial. Fue precisamente en esa época, en 1922, cuando utilizó por primera vez el término “diseñador gráfico” para referirse a su profesión, una combinación de diversas habilidades que mezclaban el arte y la finalidad comercial.

Ese mismo año, Dwiggins fue diagnosticado con diabetes, una enfermedad que en la época solía suponer la muerte. Ese duro golpe fue un detonante para el diseñador, que abandonó por completo el ámbito comercial de su trabajo para centrarse en el diseño de libros y tipografías.

En 1929, Dwiggins comenzó a colaborar con la Mergenthaler Linotype Company, una de las grandes empresas tipográficas estadounidenses. Allí diseñó, entre otras, la familia Metro, que tenía como objetivo competir con otras tipografías san serif europeas, como la Futura.

Todas las tipografías de Dwiggins se desarrollaron para Linotype, y entre ellas destacan las familias Electra y Caledonia. Las creaciones de Dwiggins siguen inspirando a diseñadores de todo el mundo, gracias a su carácter dinámico y moderno.

Además, continuó escribiendo sobre diseño y artes gráficas, analizando y teorizando en diversos ensayos como MSS by WAD (1949) o Layout in Advertising, (1928), que sigue siendo una referencia básica en el sector del diseño gráfico.

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Octubre en nuestro calendario solidario pertenece a Mayte Alvarado

Mayte Alvarado es la encargada de poner sobre el papel el mes de octubre en nuestro calendario solidario.

Mayte es autora de cómics e ilustradora, nacida en Badajoz. Ha ilustrado libros, realizado cartelería y colaborado en diferentes revistas y publicaciones; pero es en el cómic donde se siente más a gusto.

La trayectoria como ilustradora de Mayte Alvarado comienza en el mundo de la autoedición y el fanzine. Fue en 2021, con la publicación de La isla (Reservoir Books), cuando debutó en la industria editorial.

A La isla le ha seguido, entre otros proyectos, la novela gráfica Gabriele Münter. Las tierras azules (Astiberri- Museo Thyssen-Bornemisza, 2024), dedicada a la obra y vida de la pintora alemana, y publicada recientemente en Francia.

Entrevista a la ilustradora Mayte Alvarado

¿Cómo se despertó en ti la necesidad o el deseo de dibujar? ¿Cuál es tu primer recuerdo con un lápiz en la mano?

Empecé a pintar bastante tarde. Dibujaba de pequeña, claro, como todos los niños, pero nunca me planteé dedicarme a la ilustración o a los cómics. Estudié Comunicación Audiovisual, y trabajaba como editora de vídeo, demasiadas horas delante de un ordenador…

Creo que buscaba una forma más directa de hacer cosas, otro tipo de relación. Por eso prefiero las técnicas tradicionales. Me gustan los pinceles y las pinturas, trabajar sobre el papel. Hay algo lúdico para mí en todo eso y, si vas a pasar mucho tiempo haciendo algo, mejor disfrutarlo, ¿no?

¿Tienes algún rito especial, alguna manía, cuando te enfrentas a un proyecto creativo?

Me encantaría poder contarte alguna costumbre extravagante y/o divertida, pero la verdad es que no tengo ninguna.

¿Cómo definirías tu estilo?

Creo que mi estilo se caracteriza por el color y por un cierto acabado pictórico que es el resultado de la técnica empleada. Me gusta trabajar el color y es algo que cada vez me interesa más, todas sus posibilidades expresivas.

¿Qué técnica o material prefieres a la hora de trabajar?

Mi técnica favorita es pintar con acrílicos, prácticamente no utilizo otra cosa.

¿Por qué has elegido esta imagen para el Calendario Solidario de La Imprenta CG?

No hay ningún motivo en especial. Era una ilustración reciente que había hecho para mí, para probar cosas y que me gustaba, eso es todo.

¿Quiénes son tus referentes o influencias en literatura, música, etc.?

Hablar de influencias siempre me parece una cosa complicada, creo que todo lo que vemos, leemos u oímos es susceptible de convertirse en una influencia, seamos conscientes o no de ello. Además, me cuesta reconocer mis propios referentes, nunca pienso en ello.

Sí te puedo hablar de cosas que me inspiran —ya sean pelis, cómics, novelas o discos—, cosas que me dan ganas de hacer cosas, aunque no tengan nada que ver. No sé si me explico bien… Creo que eso es lo más bonito del mundo. Yo estaría superorgullosa si mis cómics o mis ilustraciones inspirasen a otras personas a expresarse de alguna manera.

En este sentido te podría hablar, por ejemplo, de las películas de Alice Rohrwacher, más actuales, o las de Michael Powell y Emeric Pressburger, un cine más clásico que me encanta. O los cómics de Aidan Koch, que me dan ganas de hacer cómics, aunque no tengan mucho que ver con los míos.

¿Nos recomiendas una peli y un libro?

Pues te voy a recomendar una peli y un libro que he visto/leído hace poquito. La novela El corazón es un cazador solitario, de Carson McCullers, un clásico que tenía pendiente, me lo habían recomendado un millón de veces y ahora entiendo por qué.

Y la película sería Un poeta, de Simón Mesa Soto. Si has deambulado por los ambientes culturales es imposible no reconocer y, siendo sinceros, reconocerse en algunos aspectos satirizados en la peli, aunque también es muy bonita y tierna por otra parte.

¿Crees que el trabajo de ilustradora está suficientemente reconocido? ¿Qué harías para mejorar la situación?

Es imposible hacer esa pregunta a día de hoy y que no se te venga a la cabeza el uso cada vez más extendido de Ia IA generativa. A parte de los temas legales relacionados con el uso de imágenes con derechos de autor para su “entrenamiento” y de la precarización de profesiones ya muy precarizadas, está el tema del propio empobrecimiento de las imágenes. Mi solución es muy sencilla, no usarla.

¿Qué consejo te hubiera gustado recibir cuando empezaste?

Que me cuidase mejor la espalda y las cervicales.

Muchísimas gracias a Mayte Alvarado por formar parte de nuestro Calendario Solidario 2026, un proyecto muy especial para el equipo de La Imprenta CG, ya que combina la promoción del trabajo de ilustradores que nos gustan, con la ayuda directa a la Fundación Ronald McDonald, que aloja de manera gratuita a las familias cuyos hijos están ingresados en el Hospital La Fe de València.

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¿Quién es la diseñadora y escritora Debbie Millman?

Debbie Millman nació en Brooklyn en 1961 y se formó en la Universidad de Albany, donde se especializó en Literatura Rusa. Durante esta etapa comenzó a interesarse por el diseño como forma de comunicación, al realizar tareas de maquetación en el periódico de la facultad y convertirse en editora de la sección de Arte y Reportajes.

Después de licenciarse, Debbie Millman trabajó en diversos medios de comunicación y, tras varios empleos, recaló en el estudio de diseño e imagen corporativa Frankfurt Balkind.

En 1993, fue nombrada directora creativa de la emisora de radio neoyorkina HOT 97, para la que creo su icónico logo. Un proyecto que fue la carta de presentación para Sterling Brands, la agencia de comunicación y diseño en la que comenzó a trabajar en 1995, y de la que llegó a ser socia, directora de Marketing y presidenta del área de Diseño.

Durante los 20 años que estuvo en Sterling Brands, la empresa pasó de ser una pequeña firma con 15 empleados a una destacada consultoría a nivel global. Allí, Millman trabajó en el rediseño del logo de Burger King (no exento de polémica), en el merchandising de Star Wars, y para marcas como Hershey’s, Häagen-Dazs, Tropicana o Gillette; entre otros importantes clientes.

Durante esta época, Debbie Millman se convirtió en copropietaria y directora editorial de PrintMag.com; a la que rescató de la quiebra, preservando el legado de los más 80 años de historia de la marca.

El salto a la divulgación del diseño: Design Matters

Pero si hay un proyecto que ha elevado la carrera de Millman a las alturas, ese es sin duda su pódcast Design Matters. Fundado en 2004, es uno de los primeros pódcast y actualmente es una de las plataformas más destacadas a la hora de divulgar sobre la importancia del diseño en la sociedad.

Por los micrófonos de Design Matters han pasado más de 700 creadores como Milton Glaser, Massimo Vignelli, Stefan Sagmeister, Steven Heller, Marian Bantjes, Tina Roth Eisenberg, Barbara Kruger o Seth Godin, entre otros.

En 2014, Millman se convirtió en una de las cinco mujeres que han presidido AIGA (American Institute of Graphic Arts). En 2019, recibió el premio Lifetime Achievement Award de la organización.

Por si todo esto fuera poco, Debbie Millman es autora de ocho libros y sus artículos e ilustraciones han sido publicados en medios como The New York Times, The Washington Post, New York Magazine o The New York Review of Books; entre otros.

Además, Debbie Millman también se dedica a la docencia. En 2009 creó junto a Steven Heller el máster de Branding de la School of Visual Arts de Nueva York, un programa de estudios que dirige actualmente.

A lo largo de los años, Debbie Millman ha construido una sólida carrera multidisciplinar, que combina la comunicación con el diseño, y hace de ella una de las diseñadoras más influyentes de la actualidad.

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¿De qué trata El ejército de Herodes, el fotolibro de David Coronado?

El nuevo fotolibro de David Coronado, El ejército de Herodes, introduce al lector en la Cabalgata del Convit del Corpus de València, centrándose en el grupo de la Degolla, una mezcla de soldados de Herodes y demonios que van buscando inocentes y creando el caos al final del desfile,  y que son recibidos por los vecinos tirándoles agua desde los balcones, una festiva tradición que se conoce como Poalà.

Con sus fotografías del grupo de personajes de la Degolla, David Coronado consigue trasladar la atmósfera festiva, el humor y el buen ambiente en el que se desarrolla la cabalgata; que sorprende y divierte a partes iguales.

En La Imprenta CG estamos encantados de que David Coronado haya vuelto a confiar en nosotros para la impresión de su proyecto de fotografía documental.

El ejército de Herodes está diseñado inspirándose el estilo de maquetación del siglo XVII, consta de 104 páginas de fotografías en blanco y negro y está encuadernado en tapa dura.

Si quieres adquirir un ejemplar, puedes hacerlo contactando con el autor a través de sus redes sociales.

David Coronado Verdeguer, escritor y fotógrafo

David Coronado Verdeguer  es un escritor y fotógrafo valenciano, autor de las novelas La Calderona (2016) y Sexo, mentiras y otros cuentos (2008).

También ha realizado el documental ¡Gol en el Cabanyal! (2022).

Como fotógrafo, ha sido ganador del Premio Nacional de Fotografía Gabriel Cualladó, en 2024. Además de L’Exèrcit d’Herodes, ha publicado los siguientes fotolibros: Foc, bestiar i benedicció, Dana. El día después  y El último bosque, que también imprimimos en La Imprenta CG.

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Una exposición de cómics con motivo del 750 aniversario de la muerte de Jaume I

En 2026 se cumplen 750 años de la muerte de Jaume I (1208-1276), cuyo reinado tuvo vital importancia, ya que tras la conquista del territorio se constituye el Reino de Valencia, y con él nuevas leyes y normas.

En este nuevo corpus jurídico se enmarca la normativa que legisla el derecho agrícola a través de los fueros.

De este modo, se asientan las bases del sistema legal valenciano, se favorece el reparto de las tierras, se regula la propiedad, el riego, los censos y los contratos agrarios; entre otras cuestiones.

Las leyes impulsadas por Jaume I introdujeron conceptos y figuras jurídicas que aún perviven, como el Tribunal de las Aguas de Valencia o los censos. Por ello, el ICAV ha programado esta exposición de cómics que destaca la importancia de la figura de Jaime I en la evolución del derecho agrario valenciano.

El catálogo que hemos impreso en La Imprenta CG es de acceso gratuito, y se puede consultar y descargar en la web del ICAV.

Dos catedráticos al frente de la exposición

Tanto la exposición como el catálogo han sido ideados por Vicent Giménez Chornet y Francisca Ramón Fernández, con la colaboración del ICAV, especialmente de su Sección de Derecho agrario y de aguas.

Vicent Giménez Chornet es catedrático de Documentación de la Universitat Politècnica de València.

Francisca Ramón Fernández es catedrática de Derecho Civil de la Universitat Politècnica de València y presidenta de la Sección de Derecho Agrario y de aguas del Colegio de Abogados de Valencia.

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En La Imprenta CG nos encanta disfrutar de los pequeños placeres de la vida. Uno de nuestros momentos preferidos del año es estrenar agenda, cuando todo está por escribir y las páginas huelen a tinta fresca e ilusión. Si además se trata de agendas personalizadas, entonces el placer es máximo.

En nuestra imprenta online tienes disponible el servicio de impresión de agendas, para que sea muy sencillo e intuitivo encargarnos tu dietario totalmente personalizado.

Imprimir Agendas

Descargar Plantillas de Agendas Personalizadas

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Además, una agenda personalizada es un regalo estupendo para tus amigos y seres queridos. Es práctica y, si la diseñas tú mismo, será un detalle muy especial. Si te preocupa el precio, te sorprenderá saber que 20 agendas en tapa blanda con anillas wire-o salen por un poco más de 15 euros la unidad. ¡Y te las llevamos a casa gratis!

Imprimir agendas personalizadas para empresas y particulares

En La Imprenta CG puedes encargarnos tus agendas de empresa, tanto para empleados como para regalar a tus clientes más importantes.

Una agenda personalizada será un éxito garantizado como regalo de empresa ya que con este detalle corporativo te aseguras estar siempre visible. Tu logo y tu imagen estarán siempre a la vista, muy a mano sobre el escritorio, o junto al teléfono, durante todo un año. No existe una publicidad más económica.

Cualquier persona puede encargar una edición de agendas. Muchos ilustradores, entrenadores personales, etc, nos encargan pequeñas tiradas de agendas totalmente personalizadas a sus necesidades para poderlas comercializar entre sus seguidores.

Formatos de agendas personalizadas

Las agendas más habituales tienen un tamaño A5, es decir, de 148×210 milímetros. Es lo suficientemente grande como para poder apuntar todas tus citas y eventos con comodidad y lo suficientemente manejable como para llevarlo a todas partes. No obstante, en nuestra web podrás encontrar 6 tamaños de agendas desde el A6 hasta el A4.

Tipos de papel de nuestras agendas

Nuestras agendas tienen disponibles varios tipos de papel, para que escojas el que más se adapta a tus necesidades: Offset blanco, ahuesado o reciclado. Por lo que respecta al gramaje, puedes elegir entre 90 gramos y 120 gramos. En todos ellos se puede escribir o dibujar con comodidad.

El papel offset blanco es ideal para imprimir fotografías o ilustraciones a color. El reciclado tiene una ligera tonalidad grisácea y le dará un aspecto más orgánico, ecológico y sostenible. El ahuesado es de un tono marfil y queda muy elegante con diseños clásicos.

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Por lo que respecta a las portadas de la agenda, están impresas a todo color plastificadas en brillo o mate.

Dado nuestro compromiso con el Medio Ambiente, todos los papeles que utilizamos en La Imprenta CG son ecológicos y cuentan con el certificado FSC de gestión sostenible y respeto medioambiental.

AGENDAS TAPA DURA:

Una encuadernación tradicional muy resistente. La tapa es de cartón de 1,5 mm forrado en papel impreso a todo color y plastificado. Las páginas del interior están cosidas en pliegos, lo que permite abrirla totalmente sobre la mesa y garantiza que las páginas no se van a soltar con el uso diario.

Precio Agendas Tapa Dura

WIRE-O TAPA DURA:

En la encuadernación con wire-o las páginas se perforan en el lateral y se unen por medio de una espiral doble de alambre.

Es una opción muy cómoda, ya que permite la apertura total de la agenda y se facilita la escritura y la toma de notas. Además, la encuadernación con wire-o garantiza un acabado altamente resistente y profesional. En el wire-o tapa dura la portada es un cartón de 1,5 mm forrado en papel impreso y plastificado para evitar las manchas y el sudor de las manos.

Precio Agendas Wire-o Tapa Dura

WIRE-O TAPA BLANDA:

Todas las ventajas de la encuadernación con wire-o, pero en este caso la portada es una cartulina impresa y plastificada. Permite una total apertura sobre la mesa y resulta más ligera, económica y rápida de fabricar que la tapa dura.

Precio Agendas Wire-o Tapa Blanda

TAPA BLANDA ENCOLADA:

Las agendas de tapa blanda cada vez ganan más adeptos gracias a su precio competitivo y su comodidad.

En La Imprenta CG trabajamos con los mejores materiales, por lo que la encuadernación está realizada en rústica fresada con cola PUR, para obtener un resultado estupendo, muy vistoso y duradero. Ideales para regalar en congresos o eventos publicitarios ¡Son agendas perfectas para el día a día!

Precio Agendas Tapa Blanda

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¿Quién inventó los pictogramas modernos de líneas y círculos?

Otl Aicher, creador del conjunto de pictogramas para las Olimpiadas de Múnich de 1972, nació en 1922 en Ulm, Alemania. En su juventud, destacó por su compromiso político contra el nazismo. En 1937, no pudo entrar en la universidad debido a que fue arrestado tras su negativa a unirse a las Juventudes Hitlerianas.

Aunque fue reclutado a la fuerza por el ejército alemán para luchar en la II Guerra Mundial, en 1945 desertó. Tras la guerra, comenzó a estudiar en la Academia de Bellas Artes de Múnich y, al finalizar su formación, regresó a Ulm, su ciudad natal.

Allí contrajo matrimonio con Ingel Scholl, también conocida por su lucha conta el régimen nazi —dos de sus hermanos fueron fusilados por pertenecer a la resistencia contra el régimen—. Ambos fundaron junto a Max Bill la Escuela Superior de Diseño de Ulm. Desde sus inicios, la escuela se convirtió en un centro de referencia en el ámbito del diseño en Alemania. Se mantuvo activa hasta 1968.

Durante ese tiempo, además de su labor docente, Otl Aicher se labró una carrera en el ámbito del diseño gráfico corporativo, trabajando para numerosos clientes. Su labor contribuyó a modernizar la imagen de destacadas empresas alemanas, como Braun y Lufthansa.

Palos y círculos para representar el mundo

Si hay un proyecto por el que Otl Aicher es recordado, es el de liderar el equipo de diseño de los Juegos Olímpicos de Múnich de 1972.

Para esta labor, Aicher colaboró activamente con el creador de la imagen de los anteriores Juegos, los de Tokio 64, Masaru Katsumi.

Basándose en parte del trabajo de Katsumie, Aicher revolucionó el mundo del diseño con el conjunto de pictogramas que simbolizaban todos los deportes olímpicos.

Utilizando un sistema de cuadrícula, y usando exclusivamente círculos, líneas y ángulos de 45° y 90° para representar las figuras humanas, Aicher creó unos iconos universales que trascienden el idioma de cada país.

Las conocidas como figuras de palos (stick figures) han influenciado tanto en los sistemas de señalización que han sido utilizadas en transportes, aseos, edificios públicos y privados, y actualmente forman parte de la vida diaria de prácticamente toda la humanidad.

El trabajo de Aicher en Múnich 72 no sé limitó a la creación de los pictogramas, también colaboró en el diseño del logo y creo la primera mascota oficial, Waldi, un perro salchicha.

Tras los Juegos, Otl Aicher continuó trabajando, diseñando fuentes tipográficas, como la Rotis, y para diferentes clientes, como el Aeropuerto de Múnich.

Además, escribió numerosos libros de teoría del diseño, como El mundo como proyecto o Analógico y digital, que siguen formando parte de los planes de estudio de las escuelas de arte y diseño de todo el mundo.

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Boke Bazán es el ilustrador encargado de poner imágenes al mes de septiembre en la edición de este año de nuestro calendario solidario.

¿Quién es Boke Bazán?

Boke Bazán es artista gráfico profesional desde 1992. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de València y la Middlesex University, de Londres.

Es socio fundador de la agencia de comunicación Nociones Unidas, en la que trabaja para destacados clientes corporativos e institucionales.

Además de su labor creativa en Nociones Unidas, Boke Bazán se dedica a la docencia. Es Doctor en Arte, por la UPV, y profesor del Máster en Diseño e Ilustración (Facultad de Bellas Artes de Valencia), del Máster en Diseño y Comunicación Gráfica (ESET, Universidad CEU) y del Máster en Diseño Gráfico y Tipografía (Escuela Técnica Superior de Ingeniería Aeroespacial y Diseño Industrial, UPV).

Entrevista a Boke Bazán

¿Cómo se despertó en ti la necesidad o el deseo de dibujar? ¿Cuál es tu primer recuerdo con un lápiz en la mano?

El ikigai es fundamentalmente intrínseco y precede a la memoria.

¿Tienes algún rito especial, alguna manía, cuando te enfrentas a un proyecto creativo?

No. Pero es buena idea; voy a darle una vuelta a ver cuál podría ser por si aporta fama o activa algún TOC.

¿Cómo definirías tu estilo?

Le he preguntado a ChatGPT y dice esto: “Un diseño gráfico de raíz conceptual que combina la cultura visual contemporánea con recursos manuales, tipografía expresiva e ilustración simbólica para construir identidades y carteles con una fuerte carga narrativa y emocional. El aspecto más interesante de su trabajo es cómo convierte el concepto en una imagen aparentemente sencilla pero llena de significado, sin depender de fotografías ni de efectos digitales.”

¿Qué técnica o material prefieres a la hora de trabajar?

Manuales.

¿Por qué has elegido esta imagen para el Calendario Solidario de La Imprenta CG?

Esta ilustración corresponde al cartel de la zarzuela La tabernera del puerto (música de Pablo Sorozábal y libreto de Federico Romero Sarachaga y Guillermo Fernández-Shaw Iturralde) que en su momento realicé para Les Arts.

Representa un oxímoron; la dualidad entre lo que aparentemente supone peligro pero que en verdad deriva en protección.

¿Nos recomiendas una peli y un libro?

Libros: muchos. El último que acabo de leer es Ningún viajero vuelve, de Juan Miguel Aguilera, un valenciano más conocido y aclamado en el extranjero como icono de la ciencia ficción actual, que aquí.

Películas: pocas. En inglés, mi favorita es la eterna Blade Runner (Director’s Cut) de Scott. En español, en este momento recomendaría Los santos inocentes, la adaptación que dirigió Camus de la novela homónima de Miguel Delibes, y que debería formar parte de la educación básica.

¿Crees que el trabajo de ilustrador está suficientemente reconocido? ¿Qué harías para mejorar la situación?

Según el contexto. Considero que es suficientemente conocido, pero insuficientemente reconocido en cuanto a su remuneración. En los procesos de cambio actuales, la situación es mala y no va a mejorar, al contrario. Siento ser tan pesimista pero los creadores visuales no somos un lobby.

Como primer paso, propongo un congreso nacional masivo, como precedente a uno europeo, en el que se analice la situación, se expresen propuestas, haya debate y votaciones con el objetivo de establecer conclusiones, elección de representantes con una hoja de ruta con propuestas y exigencias para las Cortes Generales y para el Parlamento Europeo.

Igualmente, sería necesario un compromiso por parte del colectivo para fijar unas condiciones mínimas contractuales de obligado cumplimiento.

¿Qué consejo te hubiera gustado recibir cuando empezaste?

Bastantes… pero da igual, conociéndome desafortunadamente no habría hecho caso.

En La Imprenta CG estamos muy agradecidos a Boke Bazán, por haber colaborado con nosotros en el Caledario Solidario, un proyecto que nos llena de ilusión cada año, pues los beneficios de su venta están íntegramente destinados a la Fundación Ronald McDonald.

Esta entidad sin ánimo de lucro ofrece alojamiento gratuito a las familias cuyos hijos están ingresados en el Hospital La Fe de València, y que no disponen de casa en la ciudad.

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Si quieres profundizar un poco en la cultura clásica, nada como sumergirte en las páginas de estos cinco libros que te recomendamos.

¿Qué libros leer después de ver La Odisea, de Christopher Nolan?

La Odisea, de Homero. Blackie Books.

No podíamos empezar por otro. La Odisea, editada por Blackie Books es un imprescindible que no puede falta en la colección de cualquier amante de la cultura clásica.

Se trata de la versión de Samuel Butler, ilustrada por Calpurnio, e incluye una versión de la historia de Margaret Atwood. Además, las notas que acompañan esta edición incluye las impresiones de Horacio, La Fontaine, Mary Beard, Milan Kundera, Góngora, Dante, Josep Pla, Neil Gaiman, Nick Cave o Borges, entre otros.

Y, si os quedáis con ganas de más, en la misma colección de Clásicos Liberados, está La Ilíada.

La medida de los héroes, de Andrea Marcolongo. Taurus.

Tomando como punto de partida el mito del vellocino de oro, Jasón y sus argonautas, Andrea Marcolongo nos lleva a un viaje iniciático, en el que un niño parte y vuelve un héroe. La autora se basa en los textos antiguos para contarnos una historia atemporal sobre madurar, la pérdida y hacerse adulto.

Circe, de Madeline Miller. Alianza Editorial.

Un personaje secundario en La Odisea, pero la protagonista total de esta historia. Circe narra los orígenes de la hechicera que embrujó a Ulises y nos cuenta qué pasó después de que este partiera hacia Ítaca. Todo un éxito de ventas, que ha consagrado a la autora de La canción de Aquiles (otro acierto seguro para leer después de La Odisea).

El poder del mito, de Michael Campbell. Capitán Swing.

El poder del mito indaga en cómo los temas y símbolos, los arquetipos mitológicos y religiosos de las antiguas civilizaciones continúan ayudando a la humanidad a encontrar significado a los momentos fundamentales de la vida.

A través de sus páginas podemos ver porqué las historias de la antigua Grecia y Roma continúan siendo vigentes para el público de hoy y cómo las preocupaciones de nuestros antepasados no son tan diferentes de las nuestras.

El ladrón del rayo (Percy Jackson y los dioses del Olimpo 1), de Rick Riordan. Salamandra.

La saga de Percy Jackson es perfecta para que los más jóvenes se introduzcan en el mundo de la mitología clásica y desarrollen el amor por la lectura.

Un viaje del héroe en toda regla, ambientado en Nueva York: semidioses, dioses, cíclopes y sirenas conviven con los problemas típicos de un adolescente actual.

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Rubens. El florecimiento de un genio explora los primeros años del pintor

La exposición del Bellas Artes de València, Rubens. El florecimiento de un genio, está comisariada por la experta Ana Diéguez-Rodríguez, Doctora en Historia del Arte por la Universidad de Santiago de Compostela y directora del Instituto Moll. Centro de Investigación de Pintura Flamenca, Madrid.

En la muestra se puede observar la evolución en el estilo y técnica de Peter Paul Rubens, desde su aprendizaje en los talleres de Tobias Verhaecht, Adam van Noort y Otto van Veen hasta su admisión como maestro en el Gremio de San Lucas de Amberes y su trabajo para la corte.

La exposición profundiza en cómo el artista logró a través de sus obras plasmar los ideales políticos y religiosos de los archiduques Alberto e Isabel.

Gracias a las obras expuestas, se puede interpretar cómo era el ambiente cultural y artístico de Amberes, en el que Rubens vivió durante finales del siglo XVI. La muestra contiene piezas de Maerten de Vos, Willem Key, Adriaen Thomasz. Key, Crispijn van den Broeck y Pieter Pourbus II.

Además, incluye obras de Adam van Noort, que rara vez se pueden disfrutar en exposiciones en nuestro país, más allá de los libros de emblemas por los que es conocido.

La muestra no solo se compone de fondos del Museo de Bellas Artes, sino que ha sido posible gracias a los préstamos de diversas instituciones, como el Ashmolean Museum de Oxford; la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid; la Gemäldegalerie der Akademie der bildenden Künste Wien; el Museo Albertina de Viena o Real Museo de Bellas Artes de Amberes; entre otros.

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¿Qué libros leer para el eclipse solar?

Cosmos, de Carl Sagan. Editorial Planeta.

El libro (y la serie de televisión) con la que el divulgador y científico Carl Sagan enamoró a millones de personas, creando vocaciones y acercando la ciencia al público no especializado.

Con más de doscientas cincuenta ilustraciones, Cosmos consigue que las ideas científicas complejas sean comprensibles y apasionantes. Un clásico que no puede faltar en ninguna casa.

El universo en tu mano, de Christophe Galfard. Blackie Books.

Christophe Galfard, discípulo de Stephen Hawking, es el autor de este éxito de ventas de la divulgación científica. Ahora, con una nueva edición ampliada, con materiales inéditos e imágenes de los últimos descubrimientos. Una narración asombrosa para un viaje hasta los agujeros negros, las galaxias y el inicio del cosmos.

El libro de la astronomía, de Jordi Gutiérrez Cabello y AA.VV. Akal.

Con un sencillo formato de preguntas y respuestas, El libro de la astronomía nos guía a través de breves explicaciones, esquemas e infografías para acercar la astronomía a lectores de todos los niveles. ¡Perfecto para las conversaciones post-eclipse!

Jordi Gutiérrez Cabello es físico y tiene un doctorado en Astrofísica en la Universitat de Barcelona. Ha sido miembro del Institut d’Estudis Espacials de Catalunya y actualmente es docente e investigador de la Escola d’Enginyeria de Telecomunicació i Aeroespacial de Castelldefels (EETAC).

Tú estás aquí, de Aleksandra Mizielinska, Daniel Mizielinski. Maeva.

Aleksandra Mizielinska y Daniel Mizielinski, autores del exitoso Atlas del mundo, se lanzan sobre el espacio en este libro, ideal para los niños.

Lleno de curiosidades y datos, que harán las delicias de los más pequeños y sacarán de apuros a más de un adulto ante las insistentes preguntas que, sin duda, acompañarán al eclipse.

Planetarium, de Chris Wormell. Impedimenta.

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Alexia Kleeberg, una ilustradora con alma de narradora

Alexia Kleeberg es una ilustradora, dibujante de cómics y concept artist asentada en Valencia. Acaba de finalizar el grado en Ilustración de la EASD y ya cuenta con un estilo muy personal en el que el uso de la luz, el color y la atmósfera cobran vital importancia a la hora de transmitir una historia e inspirar emociones.

Entrevista a Alexia Kleeberg

¿Cómo se despertó en ti la necesidad o el deseo de dibujar? ¿Cuál es tu primer recuerdo con un lápiz en la mano?

Siempre he sentido la necesidad de dibujar, es algo que me ha acompañado desde que tengo memoria.

Mi primer recuerdo es ver a mi madre, tumbada conmigo, dibujándome a Heidi, y yo intentándolo a su lado.

¿Tienes algún rito especial, alguna manía, cuando te enfrentas a un proyecto creativo?

Cuando trabajo la línea siempre necesito pintar —cuando es en digital— el color y las luces varias veces por encima. Esto se debe a que, para mí, al ser una parte tan importante, necesito saber que la ilustración funciona.

¿Cómo definirías tu estilo?

 Mi estilo se basa mucho en la luz y el color. Me gusta poder presentar atmósferas y sensaciones a través de esos recursos. La narrativa es muy importante en mi obra, y conseguir crearla no solo se basa en una historia, sino en los elementos visuales con los que juegues.

¿Qué técnica o material prefieres a la hora de trabajar?

 Durante mi desarrollo como ilustradora me ha gustado trabajar mucho con todo tipo de materiales. Últimamente trabajo mucho en digital, pero la acuarela, los lápices de colores y el óleo son técnicas que me encantan.

¿Por qué has elegido esta imagen para el Calendario Solidario de La Imprenta CG?

 Pienso que la infancia tiene que ser muchas cosas, pero sobre todo inocencia y felicidad. Este calendario intenta ayudar a niños y familias en situaciones vulnerables, donde la salud juega un papel clave. Mostrar un momento de calma y alegría en una niña creo que es una buena forma de seguir luchando, pero desde un punto de vista positivo.

¿Crees que el trabajo de ilustradora está suficientemente reconocido? ¿Qué harías para mejorar la situación?

 Ser ilustradora, como cualquier otro trabajo dentro del sector de la cultura y el arte, es un empleo que está muy manoseado y desprestigiado. Estas especialidades nacen del deseo de crear, una necesidad enteramente humana. Por eso mismo deberían ser, no solo valoradas, sino impulsadas desde todos los hogares.

Muchas empresas, productos y proyectos carecen de una identidad artística que los haría destacar. El arte y el capitalismo, aunque son temas que pueden ser muy contrarios, ayudarían al bienestar social si estuviesen más unidos. El arte ayuda a luchar, a disfrutar y a compartir. Cosas que últimamente hacen falta.

¿Qué consejo te hubiera gustado recibir cuando empezaste?

 El camino en la vida no es lineal, hay muchas circunstancias que nos atraviesan constantemente. Vivir sin problemas es un privilegio que casi nadie tiene, así que prepárate para las curvas, porque, aunque pueden lastimarte, también son divertidas.

Muchísimas gracias a Alexia Kleeberg por haber participado en nuestro Calendario Solidario. Para el equipo de La Imprenta CG es uno de los proyectos más especiales del año, ya que al objetivo solidario de colaborar con la Fundación Ronald McDonald, se une el deseo de dar a conocer la obra de jóvenes ilustradores.

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Seymour Chwast, un maestro del diseño más revolucionario

Seymour Chwast nació en 1931, en el Bronx de Nueva York. Ya en el instituto demostró su interés por el diseño gráfico, al unirse al club de arte, en el que los alumnos creaban carteles, pancartas y octavillas para eventos del instituto, como bailes y fiestas, y para causas sociales. Con solo 17 años, publicó su primera ilustración en la revista para adolescentes Seventeen.

Posteriormente, Chwast se formó en la escuela Copper Union, donde estudió Bellas Artes y era conocido por su inconformismo. Tras graduarse, y después de algunos intentos fallidos en diferentes departamentos de arte de agencias de publicidad y publicaciones como The New York Times o Esquire, él y sus compañeros de Cooper, Edward Sorel y Milton Glaser, fundaron Push Pin Studios, en 1954 (Reynold Ruffins se unió poco después).

Push Pin fue todo un éxito, gracias en parte a su publicación Monthly Graphic, que se enviaba a 3.000 directores de arte de todo el EE. UU. El estudio se consolidó, manteniendo un espíritu libre y colaborativo.

¿Cuál es el estilo de diseño de Seymour Chwast?

En lo años 60, Seymour Chwast desarrolló un estilo inspirado en el pasado, especialmente en la época victoriana, el art nouveau y el art déco, integrando por completo tipografía e ilustración.

El profundo conocimiento de estilos y movimientos históricos de Chwast le permitió experimentar con el arte popular primitivo, el surrealismo, los grabados expresionistas y el fotomontaje.

Durante estos años, el estudio Push Pin sigue creciendo, y su revista es todo un referente en el ámbito del diseño gráfico. Bajo la dirección artística de Chwast y Glaser, cada número es una muestra del talento del grupo.

En la década de los 70, Seymour Chwast recibe el reconocimiento de la crítica, y es evidente su influencia a nivel global. En 1970, el Musée des Arts Décoratifs del Louvre dedica a Push Pin una exposición retrospectiva, que abarca toda la obra del estudio. Fue la primera vez que el diseño gráfico se exhibía en el famoso museo, y, posteriormente, la exposición viajó por toda Europa y a Japón.
En 1975, Milton Glaser dejó el grupo para fundar su propia agencia, pero Seymour Chwast continuó al frente de Push Pin, liderando el estudio durante los siguientes 40 años.

Durante los años 80, Push Pin continúa creciendo, con trabajos para grandes clientes como American Express, Mobil Oil, The New York Times o Time Warner. En 1985, Seymour Chwast recibió la medalla AIGA.

En los años 90, además de continuar con sus diseños e ilustraciones, Seymour Chwast explora el ámbito artístico, creando no solo ilustraciones, sino también obras a gran escala recortadas en chapa metálica y pintadas con acrílico.

Chwast se describe a sí mismo como un «diseñador que ilustra». Es famoso por sus diseños para clientes comerciales y editoriales, pero su obra fusiona el comentario social y un estilo distintivo de ilustración al que él llama su «Estilo Roxy». Lo que es indiscutible es que sus más de seis décadas de carrera y su estilo apasionado son todo un referente para las nuevas generaciones de diseñadores.

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Las variaciones de Carmen Laffón, en el Thyssen

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza ha programado una gran muestra de la obra de la artista sevillana Carmen Laffón.

Laffón, nacida en 1934, fue la segunda mujer que ingresó como académica de número en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid.

La exposición del Thyssen se centra en el rico mundo figurativo de Laffón, presentando los motivos y temas principales de su obra, que se repitieron como variaciones y series durante los más de sesenta años de trayectoria artística de la pintora y escultora.

Carmen Laffón. Variaciones incluye casi 80 piezas de distinto formato, como óleos, carboncillos y esculturas, organizadas en nueve secciones temáticas, que exploran los temas más frecuentes en la obra de Laffón: la muñeca y la cuna, los bodegones, los objetos, el paisaje urbano, el Coto de Doñana, los armarios, la cal, las viñas y las salinas.

El recorrido de la exposición ofrece un diálogo entra las piezas más antiguas y las más recientes de la artista, lo que permite observar su evolución, desde unos inicios marcados por una perspectiva fundamentalmente realista, hasta llegar casi a alcanzar la abstracción en sus últimas obras.

¿Cuál era el estilo de la artista Carmen Laffón?

Carmen Laffón es una artista cuyo trabajo está cargado de poesía y sentimiento, con un estilo difícil de clasificar.

En la muestra del Thyssen se pueden contemplar las naturalezas muertas y los paisajes de Laffón, los géneros pictóricos principales de su dilatada carrera.

Para Paula Luengo, jefa de Exposiciones del museo y comisaria de la exposición, «Carmen Laffón dedicó la mayor parte de su vida a observar el mundo que la rodeaba, encontrando infinitas variaciones de la luz y el tiempo en el paisaje, en el valor de lo íntimo, en la belleza de lo sencillo».

Buena muestra de ello son las obras en las que la artista retrata interiores repletos de objetos cargados de emoción y significado, como cunas, cestos, máquinas de coser o armarios.

Por otro lado, sus paisajes están circunscritos a su vida en Sevilla y Sanlúcar de Barrameda (Cádiz). En estas piezas las azoteas y las vistas urbanas se combinan con escenas del Coto de Doñana o las espectaculares obras que la artista dedicó a las salinas.

Las piezas sobre las salinas de Bonanza componen la última serie realizada por Carmen Laffón. Elaborada entre 2017 y 2020, tal vez sea su proyecto más ambicioso, tanto por el número de piezas y su gran formato, como por el carácter abstracto de las composiciones, hacia el que se encaminó al final de su carrera.

Sin duda, la muestra que el Museo Thyssen dedica a Carmen Laffón es una ocasión de oro para conocer la obra de una artista inclasificable, con un estilo y una iconografía tan personal como única.

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Ser los Otros, imprimimos la última novela del Cuarteto Somos

Tras Nuestra Sangre, Nuestras Palabras y Nuestras Vidas, José Manuel Díaz García publica Ser los Otros, la cuarta y última entrega del Cuarteto Somos, el proyecto literario con el que el autor ha explorado una misma pregunta: qué nos constituye y hasta qué punto somos el resultado de quienes nos precedieron.

Con esta nueva obra, José Manuel Díaz García culmina un recorrido narrativo en el que memoria, identidad y herencia han dialogado constantemente con la historia y con la experiencia íntima de sus personajes.

¿ De qué trata la novela Ser los Otros?

La novela Ser los Otros se inicia con la aparición de un cadáver que llevaba años oculto. Las inspectoras Cobos y Peña creen enfrentarse a un caso sin resolver más, uno de tantos que el tiempo ha enterrado. Sin embargo, pronto descubren que no todas las muertes terminan con el último aliento. Algunas permanecen suspendidas, esperando ser comprendidas.

La investigación obliga a las protagonistas a cambiar de perspectiva. Esta vez no bastará con reconstruir los hechos o con señalar a un culpable. Para acercarse a la verdad, deberán adentrarse en la mente de la víctima, recorrer su historia y comprender el camino que la condujo hasta ese final.

A partir de esta premisa, Ser los Otros trasciende los límites de la novela policial para adentrarse en el territorio habitual del Cuarteto Somos: la exploración de aquello que permanece cuando alguien desaparece. Lo que se dice, lo que se oculta y lo que, inevitablemente, dejamos en los demás.

La intriga avanza junto a una reflexión constante sobre la identidad compartida, cerrando el círculo abierto en las novelas anteriores: no solo somos nuestra memoria, sino también la huella que dejamos en quienes nos rodean.

Un final para el Cuarteto Somos

Con Ser los Otros, José Manuel Díaz García culmina un proyecto concebido como una indagación literaria sobre la identidad a través del tiempo.

Desde la búsqueda de los orígenes en Nuestra Sangre, pasando por la reflexión sobre la autoría y los vínculos en Nuestras Palabras, y la herencia histórica en Nuestras Vidas, esta última novela reúne y proyecta todos esos elementos hacia una reflexión final.

El Cuarteto Somos se confirma así como una obra que conecta lo íntimo y lo colectivo, lo vivido y lo heredado, mostrando que ninguna historia individual puede desligarse de las vidas que la preceden y la acompañan.

Al cerrar este ciclo, el autor resume el sentido último del proyecto: «El Cuarteto Somos nació como una indagación sobre la identidad: aquello que nos constituye. La memoria. La culpa. El deseo. La herencia. Los otros. Porque nadie se construye en soledad».

Más allá del argumento de cada novela, el conjunto se plantea como una invitación a mirar el pasado —propio y ajeno— para comprender mejor el presente. Un recorrido en el que los personajes han habitado no solo las páginas, sino también la mirada del lector.

Ser los Otros pone fin a este trayecto, pero deja abierta la pregunta que lo atraviesa desde el comienzo: qué parte de nosotros pertenece realmente a quienes fuimos… y qué parte sigue viviendo en los demás.

Sin duda, un broche de oro para un conjunto de novelas que atrapan al lector, al tiempo que invitan a la reflexión más íntima.

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¿De qué trata Proscripti, la nueva novela de Ian S. Martin?

En su nueva novela, Proscripti, Ian S. Martin se zambulle en un thriller psicológico en el que un grupo de adolescentes señalados por la sociedad son recluidos por sus padres en Refícere, un centro de rehabilitación psicológica perdido en el valle pirenaico de Pineta, donde el aislamiento geográfico no es accidental, sino parte de la arquitectura del control al que se ven sometidos.

Ian S. Martin trabaja en esta ocasión con un grupo de personajes complejos: un tic que nadie entiende, una palabra que se traba antes de salir, un cuerpo que el mundo no perdona, una mente que percibe lo que los demás no quieren ver… El autor los sitúa a todos en un lugar sin escapatoria, bajo vigilancia constante, dejando que la tensión crezca a lo largo de las páginas para revelar la verdad que habita en cada uno de ellos.

Para Ian S. Martin este libro es una herida abierta disfrazada de novela, una historia de ritmo implacable que huele a pino mojado, a hormigón frío y a miedo acumulado durante años.

La novela nos arrastra hasta las entrañas del Pirineo aragonés para preguntarnos, sin anestesia, qué hacemos con quienes la sociedad no quiere o no sabe cómo mirar.

Aunque no es una novela de denuncia, ni una novela de aventuras combina ambos elementos con maestría, al tiempo que despliega un abanico de personajes llenos de matices, alejados de arquetipos manidos: son jóvenes con una interioridad real, con sus propias formas de ver, de resistir, de equivocarse.

Ian S. Martin, un autor que da voz a los que no la tienen

En Proscripti, Ian S. Martin da voz a aquellos que la sociedad señala: al síndrome de Tourette, a la disfemia, al espectro autista, a la obesidad mórbida, a las malformaciones físicas.

El autor no utiliza estas características como recurso dramático ni como metáfora fácil, sino como realidad humana que merece su espacio en la gran literatura.

Proscripti incomoda porque obliga a mirarse: ¿quién es el monstruo aquí? ¿El sistema, los chicos, o el lector que lleva años mirando hacia otro lado? Ian S. Martin ha desplegado en su nuevo libro una prosa precisa, que dota de gran dignidad a sus personajes, a los que da vida desde una proximidad auténtica.

Si quieres hacerte con un ejemplar, puedes hacerlo a través de la web del autor. ¡Es perfecto para leer estas vacaciones!

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¿Quién es la ilustradora y dibujante Núria Tamarit?

Núria Tamarit cursó Bellas Artes en la Universidad Politécnica de València, y continuó su formación con el Máster en Diseño e Ilustración de la misma universidad.

Su carrera se ha desarrollado en el ámbito de la ilustración y el cómic. Como ilustradora, ha trabajado para clientes nacionales e internacionales, así como en diferentes medios de comunicación, editoriales y campañas institucionales.

Núria también se dedica a la docencia y a la impartición de diversos talleres.

Ilustraciones con colores vibrantes y texturas sugerentes

El estilo y las temáticas abordadas por Núria Tamarit han creado un universo gráfico de gran riqueza, en el que las texturas y los colores vibran y sugieren. Los elementos fantásticos, las formas vegetales y las criaturas oníricas, conviven con los fuertes personajes femeninos que protagonizan su trabajo.

En los inicios de su carrera, Núria Tamarit trabajó en equipo junto a Xulia Vicente, con la que participó en fanzines e ilustró la serie de libros Anna Dédalus, de Miguel A. Giner Bou. Junto a Xulia publicó su primer cómic, Duerme Pueblo.

También en 2016 ilustró Avery’s Blues, guionizado por Angux. Gracias a este trabajo recibió el premio a Mejor Autora Revelación en la I edición de los premios Carlos Giménez en los Héroes Comic Con Madrid, el premio a Mejor Portada y las nominaciones en las categorías de Mejor Dibujante Nacional y Mejor Obra Española.

Núria Tamarit ha publicado diversos cómics y libros ilustrados. En 2024 participó junto a otros autores en Ecotopías. Imaginar el futuro para cambiar el presente, una novela editada por Astiberri, vertebrada en torno a la importancia de generar futuros esperanzadores.

Como ilustradora, Núria Tamarit ha trabajado para clientes como la Acadèmia Valenciana de la Llengua, el Ayuntamiento de Sevilla, la Generalitat Valenciana, Google (Doodle), el MuVIM, Metrovalència, el Teatre Nacional de Catalunya (TNC), Usborne Publishing, la Universidad Complutense de Madrid o la Universitat de València, entre otros.

También ha realizado ilustraciones para medios como El Mundo, Fierro, Jot Down, Popular Science, Salvaje o The Valencianer.

A nivel de ilustración editorial, ha colaborado con firmas como Edelvives, Literatura SM, Oxford University o Santillana, entre otras.

Núria Tamarit ha recibido diversos premios y reconocimientos. En 2022 recibió el Prix De’Lire Cambrai y el Lauréate du prix des Lycéens of Poitiers, en 2021, por Toubab. En 2018, fue galardonada con el Premi València Novel·la Gràfica, en 2017 fue reconocida como Autora Revelación Héroes Comic Con Madrid y en 2016 recibió ek Prix Blues sur Seine por Avery’s Blues.

En La Imprenta CG estamos muy agradecidos a Núria Tamarit por haber participado en el Calendario Solidario 2026, un proyecto que ayuda a visibilizar el trabajo de ilustradores valencianos, al tiempo que colabora con la Fundación Ronald McDonald.

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Al igual que con otras sagas artísticas valencianas, como los Capuz, los Benlliure o los Sorolla, la exposición que el IVAM dedica a los Pinazo requiere bucear en las relaciones personales entre ellos, así como la influencia que la figura principal pudo ejercer sobre el resto.

En el caso de los Pinazo, la saga comienza con el gran maestro Ignacio Pinazo Camarlench (1849-1916), que tuvo dos hijos dedicados a disciplinas artísticas: José Pinazo, pintor, e Ignacio Pinazo, escultor.

Aunque la obra de Ignacio Pinazo es muy destacable, para esta muestra se ha optado por incluir la obra de Marisa Pinazo Mitjans (1912-1990), hija de José (1879-1933), para centrar la exposición en la expresión pictórica, y estudiar la evolución de la familia a lo largo de tres generaciones. De este modo, se abarca gran parte del siglo XX, mostrando la influencia de diversas corrientes artísticas.

La obra de Ignacio, José y Marisa Pinazo

A lo largo de la exposición comisariada por Javier Pérez Rojas podemos observar obras de los tres artistas, seleccionadas para apreciar tanto los elementos en común como los rasgos distintivos de cada artista.

Por lo que respecta al precursor de la saga, Ignacio Pinazo Camarlench, fue a través del retrato donde cosechó los mayores éxitos de su carrera, alcanzando reconocimiento y prestigio, convirtiéndose en uno de los referentes dentro de los retratistas de nuestro país.

Por su parte, José Pinazo, sin abandonar los retratos en los que su padre fue maestro, se orientó más hacia la pintura regionalista.

Ubicado dentro del género costumbrista, José Pinazo fue autor de algunas de las piezas más emblemáticas del regionalismo valenciano, como Floreal, una pintura con la que obtuvo una medalla en la Exposición Nacional de 1915. Su obra se vincula a una tendencia alejada del impresionismo, más cercana al realismo moderno.

¿Quién fue Marisa Pinazo?

La exposición del IVAM incluye también obras de la más desconocida del clan Pinazo, Marisa Pinazo, muchas de las cuales nunca han sido mostradas en público.

El conjunto de pinturas que aparecen en la exposición nos muestra la evolución de la creadora valenciana, con claras influencias del Art Deco, y sirve para reivindicar la figura de una artista cuya carrera se vio frustrada por la muerte de su padre en 1933 y la Guerra Civil.

La exposición El aura de una saga moderna: Ignacio, José y Marisa Pinazo está abierta al público hasta febrero del próximo año y supone una ocasión perfecta para conocer la obra de los tres pintores Pinazo.

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