València se ilustra, un proyecto que impulsa la ilustración valenciana

València se ilustra es un proyecto cultural que lleva desde 2016 promocionando el trabajo de jóvenes ilustradores valencianos o afincados en la Comunitat.

Cristina Chumillas es la coordinadora de esta iniciativa, que se organiza en La Rambleta desde sus inicios. Casi un centenar de ilustradores han formado parte de València se ilustra, aportando su visión de la ciudad en un esfuerzo por recuperar su patrimonio e identidad, trabajando individualmente un programa colectivo. A lo largo del año se realizan diversas exposiciones, que finalizan en esta exposición colectiva.

Esta última exposición ha contado con la participación de los artistas Aitana Gomis (gomisdeborrar), Paula Kadira, Sergio Pérez, Judit Balbastre, Helena Moral, Erica Barattin (erasetiner), Ana Campoy,  Nicolás Villalobos (UNO CÁ), Paula Seguí, Mariana González (Mariana in CMYK), Rafael Alarte, Alexia Klee, Alba Gutiérrez (sincurriculum), Elena Rodríguez (Elechu) y Aina Sanz.

Además, en esta jornada de cierre de esta edición se revelaron las cinco ilustraciones más votadas de entre los 15 participantes y se regaló al público asistente una carpeta de edición limitada con las cinco ilustraciones ganadoras en formato lámina impresa. En La Imprenta CG estamos encantados de haber sido los encargados de realizar esta labor, ¡han quedado chulísimas!

En La Imprenta CG queremos ampliar nuestra implicación con este proyecto y su labor de promoción del trabajo de jóvenes ilustradores, por eso, para la edición de 2026 del Calendario Solidario de La Imprenta CG contaremos con la participación de seis de los artistas de esta edición de València se ilustra.

Ahora, solo nos queda esperar a la próxima edición de València se ilustra, ¡que cumplirá 10 años!

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Women Graff, un festival centrado en el arte urbano realizado por mujeres

Con motivo del Día de la Mujer, el 8 de marzo se inauguró la muestra Women Graff, en la que se puede contemplar el trabajo de más de 40 artistas, grafiteras, ilustradoras, tatuadoras, etc.

La convocatoria de participación fue todo un éxito y sobrepasó las expectativas de la organización, que tuvo que ampliar el espacio expositivo para dar cabida a más obras de las inicialmente programadas. Además de la muestra, también se han realizado talleres de ilustración, sorteos de lotes de productos y un mural.

La exposición estará abierta al público hasta el 31 de marzo, en la tienda especializada en materiales para arte urbano Roll Up Graffiti, en Alcalá de Henares. ¡Aún tienes tiempo de pasarte a visitarla!

Especialistas en impresión de láminas de obra gráfica

La Imprenta CG ha colaborado con Roll Up Graffiti en el festival Women Graff con la impresión de las láminas de las obras de las artistas seleccionadas. Las láminas de obra gráfica son una de nuestras especialidades y requieren un cuidado especial para que el trabajo artístico brille con luz propia.

En La Imprenta CG realizamos la impresión de láminas de arte o fine-arts prints en una gran selección de papeles, desde las gamas más económicas, hasta papeles especializados de gran calidad y un tacto superior. Las láminas impresas en La Imprenta CG siempre se imprimen en máquinas digitales HP Indigo, toda una garantía de excelencia.

En La Imprenta CG puedes imprimir series de obra gráfica en diferentes tamaños, desde 10×10 centímetros, hasta tamaño A3. Además, si necesitas un tamaño personalizado, puedes encargarlo a través de nuestra imprenta online, simplemente eligiendo el siguiente tamaño superior y nuestro equipo lo cortará según tus necesidades.

Las láminas se pueden imprimir en una o dos caras y se pueden imprimir láminas en varios modelos. Por ejemplo, si encargas 100 láminas, puedes hacer 10 copias de 10 obras diferentes.

Descubre todas las posibilidades para imprimir láminas de arte en nuestra tienda online, ¡te sorprenderá!

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«Papua Tribes»: un fotolibro sobre la riqueza cultural de Papúa Nueva Guinea

Imprimir un fotolibro siempre es especial para el equipo de La Imprenta CG, ya que la calidad en la impresión se hace más necesaria en este tipo de trabajos, en los que la definición y el color son sumamente importantes.

Por eso nos encanta cómo ha quedado el fotolibro «Papua Tribes», de Raúl Cacho, en el que sus imágenes brillan con luz propia, dando protagonismo a la luz, las sombras, las composiciones y los colores captados por el fotógrafo.

El libro «Papua Tribes» es una colección de fotografías que sumergen al lector en la vida de Papúa Nueva Guinea, un país en el que actualmente viven más de 1.000 tribus conocidas.

Esa riqueza cultural y antropológica pervive en parte por el trabajo de difusión cultural y los festivales que se realizan desde hace 25 años. Gracias a esta labor las diferentes tribus han comenzado a vivir en paz entre ellas, abandonando las luchas territoriales que las diezmaron hasta hace pocas décadas.

En su fotolibro «Papua Tribes», Raúl Cacho realiza un trabajo excepcional de fotografía etnográfica, destacando la riqueza y la diversidad cultural de las diferentes tribus.

Raúl Cacho, el fotógrafo viajero

Raúl Cacho es un fotógrafo pamplonés de amplia trayectoria. Comenzó a los 22 años, compaginando su amor por la fotografía con su trabajo en proyectos de Energías Renovables.

Los viajes profesionales de Chacho le han brindado la oportunidad de residir en diferentes países, en los que se ha empapado de la cultura local y ha realizado diversos trabajos fotográficos, más allá de la clásica fotografía de viajes.

En 2021, tras tres años viviendo en Tánger, publicó su primer fotolibro, «Marruecos: luces, zoco y acción» y ahora se publica su segundo libro de fotografía, dedicado a Papúa Guinea.

Cacho centra su fotografía tanto en el retrato íntimo e individual, como en la energía vibrante de las tradiciones más bulliciosas, pero siempre encuentra el poder y la belleza de las personas y su entorno.

A través de sus imágenes, Raúl Cacho nos recuerda que hay que apreciar el mundo en el que vivimos y jamás dejar de explorar, aprender y crecer.

Si quieres comprar un ejemplar de este increíble fotolibro, puedes hacerlo a hacerlo contactando directamente con el autor, a través de su Instagram o Facebook.

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MAZY MAZY, un fanzine en torno a la creatividad

Antic Mass es una plataforma creativa que nació en Gijón en 2021 y tiene como objetivo promocionar y distribuir el trabajo de diferentes personas creativas en distintas disciplinas. «Así que en Antic Mass editamos música, literatura, arte y diseño y organizamos eventos alrededor de nuestra actividad creando una comunidad de mente abierta alrededor de las cosas que nos gustan», afirma Javier Otero, director artístico de Antic Mass.

Aunque no llevan mucho tiempo en marcha, han creado numerosos proyectos, que podéis ver en su Instagram.

MAZY MAZY es el fanzine oficial de Antic Mass, es una publicación creativa anual y bilingüe (en español e inglés), en la que entrevistan a creativos de todo el mundo, que han llamado su atención por un motivo u otro a lo largo del año y en el que además cuentan con aportaciones de obras de otros artistas que deciden colaborar con la plataforma.

El fanzine, que hemos impreso en nuestros talleres consta de una edición limitada de 150 copias en formato físico, aunque también ofrecen una versión digital a un precio reducido.

De momento se sólo se vende a través de su web y en los eventos de la plataforma, pero el plan es distribuir algunas copias en diferentes tiendas especializadas.

Música, cerámica, fotografía y mucho más

El segundo número de MAZY MAZY, que recoge lo más destacado de 2022-2023, contiene entrevistas al artista japonés JACKSON kaki, al ceramista italiano Jimmy D. Lanza, a la artista plástica dominicana-española Elise Florentino y al músico y productor Jaime Tellado (Skygaze, Jailed Jamie).

Además, cuenta con fotografías de Kela Coto y aportaciones de obras de artistas como Mara McMiller, Víctor Arce, Fig.8, Eva Miaus y Ellie Pritts.

Todos los participantes seleccionados fueron entrevistados por Javier Otero, que traslada sus variados gustos al contenido del fanzine; «Por ejemplo, en este número está JACKSON kaki, que trabaja en entornos de Realidad Virtual, 3D y rollo muy futurista y luego está gente como Jimmy D. Lanza que es un ceramista italiano con un estilo mucho más clásico o Elise Florentino, que es una artista plástica con una personalidad tremenda. En el fanzine hay artistas locales como Jaime Tellado o Kela Coto, gente de otras partes del país como Eva Miaus o Víctor Arce y artistas internacionales como la norteamericana Ellie Pritts, o los citados JACKSON kaki y Jimmy D. Lanza», nos cuenta Otero.

Javier Otero, un todoterreno creativo

Javier Otero es director de arte y diseñador gráfico freelance, además de músico y productor. Su trabajo como director de arte y diseñador se puede ver en jxy.design y ha hecho música bajo muchos nombres: Jay Ferrara, JXY, Paramoh, Gomme Bazooka.

Otero está centrado ahora en Antic Mass, «un proyecto que se mueve por la pasión, por la idea de la independencia creativa y que pretende dar ejemplo a otros creativos en mi posición y simplemente decir: se puede hacer, se puede crear una escena autónoma en la que podamos crecer juntos y hacerlo además de forma natural, sin presiones y sin vender nuestra alma a ningún diablo. Si además de todo esto, puedo pasármelo lo mejor posible en el proceso, entonces habrá merecido la pena todo el esfuerzo». Nosotros solo podemos decir, ojalá más proyectos así.

Javier Otero.

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Un libro sobre la experimentación arquitectónica en Delva

Delva es un lugar del norte de Bruselas que ya no existe y es también un viaje de 400 páginas a través de los trabajos del colectivo de arquitectura Peachlab.

El libro documenta las intervenciones de Peachlab en el lugar antes de su desaparición. Fotografías, documentos históricos, planos, dibujos arquitectónicos, ensayos, poemas y cómics narran la historia de un lugar en el que se entremezclan la memoria y la ficción («ficción» entendida como lo que aún no ha sucedido).

El colectivo Peachlab realizó intervenciones en el solar de Delva entre 2017 y 2019, año en el que la llegada de un proyecto inmobiliario marca el fin de este espacio de experimentación arquitectónica.

El libro se presenta como una herramienta para capturar el lugar tal y como el Peachlab lo había conocido, en un esfuerzo que podría recordar la absurda cartografía a escala 1:1 del relato de Borges «Sobre la exactitud de la ciencia».

La esencia del modus operandi de Pechalab está contenida en este proyecto, en el que el trabajo espontáneo e intuitivo realizado in situ resultó se combina con la realización del libro; retroalimentándose de modo continuo.

Peachlab, un colectivo arquitectónico multidisciplinar

Peachlab es un colectivo de arquitectura creado en 2016 por un equipo multidisciplinar de arquitectos, ingenieros y fotógrafos.

Nacido del ‘tercer paisaje‘ de Bruselas, el colectivo establece su práctica entre lo extraordinario y lo cotidiano; entre la realidad y la ficción.

Peachlab desarrolla, entre otras cosas, intervenciones in situ, proyectos teóricos, propuestas para espacios ya desaparecidos y talleres en la escuela de arquitectura de Bruselas.

Peachlab significa experimentar; proponer una idea sobre un entorno; hacer evolucionar las ideas junto con las posibilidades de evolución; explotar la diversidad que ofrecen las personas y los lugares.

El libro Delva tiene, por tanto, una autoría coral, compuesta por Medime Derebey, Louis Van Soest, Louis Ville, Mihai Pop, Tomás Barberá Ramallo y Yuli Nagata.

Además cuenta con los siguientes colaboradores invitados : Adolfo Barberá del Rosal, Léo Raphaël, Marc Godts y Patrice Neyrinck.

Paper Menhirs, una editorial dedicada a la arquitectura

El libro ha sido editado por Paper Menhirs, una editorial independiente de arquitectura y en su web podéis haceros con un ejemplar de Delva.

El trabajo de edición ha estado en manos de Tomás Barberá Ramallo, arquitecto del estudio LINTO, que desarrolla proyectos construidos en las regiones de Bruselas y Valonia, así como proyectos ficticios que cuestionan la arquitectura de la realidad en la que vivimos.

Para La Imprenta CG ha sido un placer trabajar en un proyecto como este. No es la primera vez que trabajamos con la editorial, que ya nos encargó el proyecto Dwell, de Atelier d’Architecture Matador.

Tomás Barberá Ramallo destaca de su experiencia con nosotros el resultado de la calidad de las fotos, el grano de los planos y dibujos de arquitectura, que son en general difíciles procesar y sobre todo la precisión de encuadernación.

“El equipo de La Imprenta CG está a la escucha, entiende y participa en el proyecto de publicación con comentarios y observaciones para enaltecer la calidad del libro”, afirma Tomás Barberá. Y nosotros no podemos estar más felices de que el resultado haya sido tan satisfactorio para nuestro cliente y amigo.

Ficha técnica del libro:

Editor: Paper Menhirs & Peachlab

Curación: Tomás Barberá Ramallo

Lectores: Lina Bentaleb, Mihai Pop, Clelia Barberá Ramallo

Consultoría Legal: Henri Beelen

Impresión: La Imprenta CG

400 páginas.

28x20x3,5 cm

Lomo cosido pegado apertura 180º

Papel: Interior 1 : Nautilius classic cie 115gr. Interior 2 : Circle silk cie 135gr. Portada : 300gr lomo visible impreso.

El libro Delva está en venta en línea en las librerías:

Librairie Volume.

Copyright Bookshop.

O venta directa a través Paper Menhirs.

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Un regalo perfecto para los fans de la banda.

Canciones: todas las letras y acordes de La M.O.D.A.

El libro Canciones de La M.O.D.A. es un recopilatorio con todas las letras y acordes de su discografía, desde el primer álbum ¿Quién nos va a salvar?, al último, Nuevo Cancionero Burgalés. La publicación va acompañada de las ilustraciones del artista Sanpedrosanchez, que ha diseñado un dibujo especial para cada canción.

En total, el libro recoge la información de las 52 canciones que han situado a este grupo burgalés que, en sus 10 años de existencia se han convertido en una de las grandes referencias musicales en nuestro país, renovando la escena estatal con un repertorio que combina folk, rock y blues con instrumentos como el acordeón, el saxo, el bajo, la mandolina o el clarinete. Se trata de un regalo perfecto para los fans de la banda, que se puede adquirir tanto en la web del grupo como en La Zona Galáctica, la tienda física que La M.O.D.A. ha abierto en Burgos.

Para los integrantes de La M.O.D.A. este libro supone un reconocimiento al trabajo realizado durante estos años: «Para nosotros las canciones son la esencia de la música, las que nos engancharon a esto cuando éramos niños y las que nos hacen seguir moviéndonos hacia delante. Este libro recoge nuestro trabajo a lo largo de 11 años. El fruto de lo que hemos vivido y sentido como individuos y como grupo. Las hemos hecho con las manos y el corazón y aquí quedan recogidas para que nunca nos olvidemos”.

Un cancionero hecho con mimo

El libro Canciones está hecho con todo el cariño y el mimo posible. El diseño es obra de Jose Houdini, que también es el responsable de la maquetación.

Por otro lado, las ilustraciones a plumilla y tinta que Sanpedrosanchez ha creado para cada canción enriquecen el libro, convirtiéndolo en un objeto precioso en sí mismo.

En La Imprenta CG nos hemos encargado de la impresión del libro, que consta de 128 páginas con encuadernación japonesa. Para nuestro equipo ha sido un placer formar parte de este proyecto, ¡esperamos que os guste tanto como a nosotros!

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Con fotos de Enrique Escandell, M.P. y el archivo de los Royals, el libro es un documento que recoge parte de la historia del grafiti en España a finales de la primera década del siglo XXI. Una publicación de lujo que hemos tenido el placer de imprimir en La Imprenta CG,para nuestro cliente Seri o no seri.

Revisiting Tsunami Royals, un año haciendo grafitis registrado en un fotolibro

El libro Revisiting Tsunami Royals es un fotolibro basado en el vídeo Tsunami Royals, que fue lanzado en el 2010. El objetivo del libro es revisitar todo el proceso de creación del vídeo o, dicho de otra manera, adaptar dicho vídeo a formato papel.

Una publicación que impresionará a todo aquel apasionado del mundo del grafiti, la fotografía, la edición de vídeo y a cualquiera que le apetezca disfrutar un fotolibro diferente.

Aunque el fotolibro es un proyecto personal de Lucas Sanchis Monsalve, su impulsor lo considera un libro coral: Desde las piezas y paneles que en él se muestran, realizadas por el grupo Royals a lo largo del 2008 y 2009, hasta las fotos de Enrique Escandell y M.P., fotógrafos que documentaron durante años los actos del grupo, pasando por el material videográfico, grabado y editado por Lucas Sanchis Monsalve, adaptado a imágenes estáticas.

Todo ello hace de Revisiting Tsunami Royals una publicación que, a base de imágenes, transmite la esencia del grafiti, tal y como los participantes lo viven.

Revisiting Tsunami Royals está diseñado para narrar, a través de potentes imágenes, la experiencia que supuso para el técnico audiovisual acompañar a los integrantes de la crew allá donde iban. Aunque la mayoría de grabaciones se efectuaron en València, también fueron visitadas ciudades como Bucarest o Milán.

A través de los más de 130 fotogramas y fotografías (muchos de ellos inéditos), el lector se sumerge en parte de la historia del grafiti español; un año acompañando a un grupo de grafiteros hecho libro.

Si estáis interesados en comprar un ejemplar, podéis hacerlo aquí.

Ficha técnica del fotolibro:

Tamaño: 24cm x 17cm (Formato horizontal).

Tapa dura con encuadernación cosida.

204 páginas a todo color.

Maquetación: lusanmon.

Fotos: Enrique Escandell, M.P. y Archivo Royals.

Foto de lisanmon, realizada por Enrique Escandell.

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Portada para The New Yorker. 2021.

Sergio García Sánchez, una vida dibujando

El granadino Sergio García Sánchez estudió Bellas Artes en la Universidad de Granada, donde actualmente es profesor titular en el Departamento de Dibujo.

Además de historietista y teórico de la Historieta, la actividad profesional de Sergio García Sánchez se centra en la ilustración editorial, el cómic y la ilustración infantil.

Sergio García comenzó a trabajar como dibujante de cómics en la revista Viñetas de Ediciones Glénat, donde realizaba la página Ralph Edison. En la misma editorial publicó su miniserie Amura.

Su cómic Utopía fue premiado en el Festival de Illzach (Francia) y le abrió las puertas del mercado francés. Desde ese momento, comenzó a colaborar con destacados guionistas del cómic francés: Les Trois Chemins, con Lewis Trondheim, y Dexter London, con Léo.

Además, junto a Trondheim publicó en 2006 el libro teórico Cómo hacer un cómic. Como teórico también es autor de Anatomía de una historieta e Historia de una página.

Alice in Wonderland, para The New York Times Boolk Review, 2018.

Sidi, El País Semanal, 2019.

En 2011 publica Odi’s blog, junto a Lola Moral y en 2015 ilustró el libro de Nadja Spiegelman Perdidos en NYC, con el que han obtenido numerosos premios educativos.

En 2021, fue el encargado de ilustrar la portada del 96 aniversario del mítico The New Yorker.

Sergio García Sánchez ha trabajado para The New Yorker, The New York Times, El País, Toon Books, Dargaud, Delcourt, Dibbuks, Ediciones Santillana y Ediciones SM; entre otros destacados medios y editoriales.

Su carrera se ha desarrollado principalmente en el mercado francés y mucha de su obra no ha sido publicada en España. Los amantes de la ilustración esperamos que este premio enmiende ese error y que el trabajo de García Sánchez llegue a las librerías españolas.

Lost in NY, 2015.

Mundo Postcovid para El Correo. 2020.

Ética en las aulas. Para El País, 2021.

Sergio García Sánchez, narrando con imágenes

Para el jurado del Premio Nacional de Ilustración, García Sánchez destaca por ampliar “el formato libro llevando la narración gráfica a otros lugares y por multiplicar las posibilidades de la ilustración con imágenes que por sí solas narran”.

El jurado también ha señalado que goza “de un lenguaje propio y singular, además de una técnica con una riqueza lineal que se adentra al infinito”.

Además del Premio Nacional de Ilustración, a lo largo de su carrera Sergio García Sánchez ha sido galardonado con los premios ÑH, APIM, Society of Illustrators, American Illustration, School Library Journal, Kirkus, Festival Internacional de Bande Dessinnée de Sierre & CBBD-Centre Belge de la Bande Déssinne.

¡Enhorabuena a Sergio García Sánchez por este merecido reconocimiento!

2019, para El País, 2020.

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La muestra estará abierta al público hasta el próximo 26 de junio en el Museo Nacional de Cerámica.

Abanico Senzu, diseñado por Vicent Martínez.

El abanico: un objeto de puro diseño

La exposición Diseñar el aire tiene como objetivo mostrar la alianza del diseño y el saber hacer de los artesanos, como fuente de enriquecimiento para la cultura del mundo del abanico y proyectarse al futuro.

Diseñar el aire pretende ser una oportunidad para mostrar el diálogo entre el diseño, la tecnología y la artesanía.

Abanico New York, diseñado por Ángel Blay.

La muestra está comisariada por Vicent Martínez y cuenta con los abanicos ideados por veinte profesionales del diseño de diferentes partes del mundo: Antonio Serrano, Arnau&Reyna, Carlos Tíscar, Eli Gutiérrez, Inma Bermúdez, Luisa Bocchietto, María Arroyo, Nani Marquina, Nieves Contreras, Pepe Gimeno, Ramón Úbeda y Pepa Reverter, Ricard Ferrer, Sohei Arao&Sumiko Arao, Terence Woodgate, Yukari Taki, Ángel Blay Villa y Vicent Martínez.

Abanico Zyls, diseñado por Arnau Reyna.

Abanico Madreperla, diseñado por Ramón Úbeda y Pepa Reverter.

Abanico Dea, diseñado por Carlos Tiscar.

Los abanicos están fabricados por el artesano Ángel Blay y muestran una gran variedad de materiales y técnicas: nácar, procedente de las conchas de ostras cultivadas, elaborado por artesanos de Aldaia en uno de los últimos talleres de Europa que lo manufactura; junto a abanicos de tablero contrachapado de mínimo grosor cortados y calados con láser, otros de telas impresas digitalmente o de maderas impresas con tecnologías innovadoras o de impresores y encuadernadores que imprimiendo y plegando papel realizan abanicos como si fueran libros.

Abanico València!, diseñado por Luisa Bocchietto.

Abanico Chess, diseñado por Eli Gutiérrez.

El abanico por sí mismo es un diseño prácticamente perfecto: útil, plegable, se puede guardar en poco espacio, sostenible y admite numerosos tamaños, formas y materiales.

La exposición Diseñar el aire reimagina el tradicional abanico valenciano en formas, texturas y tecnología demostrando cómo el diseño y la tradición puede generar nuevas formas de reinvención de los elementos más clásicos tradicionales, conectando con la cultura contemporánea.

La exposición, que se muestra en el Museo Nacional de Cerámica y Artes Suntuarias González Martí (situado en el Palacio del Marqués de Dos Aguas), estará abierta al público hasta el próximo 26 de junio.

Esta muestra forma parte de las actividades de València Capital Mundial del Diseño 2022 y con el impulso de la Diputació de València y València Turisme.

Abanico Greta, diseñado por Antonio Serrano.

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Todos los premiados. Imagen vía Cultur Plaza.

Premios ADCV, una edición muy especial

La Asociación de Diseñadores de la Comunitat Valenciana concede , cada dos años, los Premios ADCV.

Estos galardones pretenden distinguir la excelencia en los campos de diseño gráfico y digital, producto y espacios, y fomentar el desarrollo de la actividad vinculada al diseño, generadora de riqueza social y empresarial en la Comunitat.

En la edición de este año se han premiado los diseños realizados en últimos tres años, en una gala celebrada en el Teatro Principal de València y en la que han participado medio millar de profesionales del sector, autoridades y representantes de instituciones, organizaciones empresariales, del mundo cultural y educativo y de empresas vinculadas al diseño.

Los Premios ADCV 2022 se han convertido en una  gran noche de reencuentros y celebración, en un año muy especial, en el que València es la Capital Mundial del Diseño.

Paco Bascuñán, que recibió uno de los galardones especiales a título póstumo.

64 propuestas premiadas y un gran triunfador

Los VI Premios ADCV han reconocido 64 propuestas, en las categorías de diseño gráfico, digital, producto y espacios, además de otorgar tres galardones honoríficos, al diseñador Paco Bascuñán (a título póstumo), a la empresa de mobiliario Actiu y al Centre del Carme Cultura Contemporània (CCCC).

La convocatoria de Premios ADCV realizada en el año de València Capital Mundial del Diseño ha batido récord de candidaturas, con más de 550 diseños presentados. Estos trabajos han sido realizados o difundidos entre enero de 2019 y diciembre de 2021 por estudios, profesionales, estudiantes o equipos de diseño de empresas de la Comunitat Valenciana.

Se han entregado premios Oro y Plata en 27 categorías. En total, 30 oros -quince en disciplinas de diseño gráfico y digital; doce en producto, y tres en espacios-; 26 platas -catorce en diseño gráfico y digital; ocho en producto, y cuatro en espacios-. Aquí podéis ver a todos los premiados.

Además, en la VI edición de los Premios ADCV se han creado los Premios Impacto Positivo, para aquellos proyectos que contribuyen, de manera especialmente destacable, a la mejora de la sociedad y el entorno. Se han entregado ocho galardones, dos en categorías de diseño gráfico; una en diseño de espacios, y cinco en producto.

Queremos dar la enhorabuena a todos los premiados, especialmente a el diseñador Ibán Ramón que, con siete galardones, se convirtió en el gran triunfador de la noche.

“Los Premios ADCV ponen en valor y destacan el diseño como protagonista principal de la innovación empresarial, social y cultural. Es una eficaz herramienta que aumenta la diferenciación, la productividad y la competitividad de las empresas; se conciben productos y servicios que mejoran la calidad de vida de las personas, y es clave como elemento generador de identidades y como motor de la economía creativa», destacaron Ángel Martínez y Yolanda Herráiz, presidente y vicepresidenta de la ADCV.

A continuación, imágenes de algunos de los proyectos premiados:

Categoría Logotipo.

Categoría Naming.

Categoría Carteles.

Categoría Carteles.

Categoría Editorial Diverso.

Categoría Elementos Promocionales.

Categoría Identidad Corporativa.

Categoría Imagen Coordinada.

Categoría Packaging gráfico.

Categoría Publicidad Corporativa.

Proyectos impresos en La Imprenta CG

En La Imprenta CG nos sentimos muy honrados y orgullosos de haber impreso una parte importante de los proyectos gráficos que han sido premiados.

Uno de los más destacado es sin duda este catálogo de Mona Hatoum que se editó con motivo de su exposición en el IVAM en 2021 que ganó un merecidísimo Premio ADCV plata en la categoría de Editorial, libro y colección.

El catálogo de Mona Hatoum ha sido diseñado por el Estudi Pedra. Fotos: Josep Gil

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Chusky/Yksuhc, 23 años al pie del cañón

A lo largo de los últimos 23 años, Chusky/Yksuhc  ha recorrido las calles de diversas ciudades realizando grafitis de forma compulsiva. Este libro es la documentación fotográfica de esa frenética actividad artística.

Además, las imágenes muestran la captura de los aspectos contextuales y gráficos de la práctica, donde diferentes facetas de su actividad convergen para ser compartidas en una recopilación que permite visualizar varias etapas de una basta producción.

En Chusky/Yksuhc los aficionados al arte urbano pueden encontrar una amplia selección de imágenes, que muestran cómo ha desarrollado su obra el grafitero: desde la escritura más básica, las referencias y el aprendizaje de los patrones; hasta llegar a etapas más maduras, donde las piezas adquieren acabados pictóricos que se alejan en buena medida de lo convencional y las letras comienzan a convivir con un universo particular poblado de seres extraños y criaturas híbridas.

En estas dos décadas, Chusky/Yksuhc ha dejado su obra en azoteas, vagones de tren, vías férreas o túneles de metro de diferentes ciudades como Madrid, Atenas, Milán, Santiago de Chile, Cuzco o Nueva York; entre otras.

El libro recoge no solo las piezas finalizadas, sino también parte del proceso artístico, lo bocetos previos, los viajes y la atmosfera de los diferentes lugares y ciudades.

Junto a las fotografías se han intercalado pequeños relatos creados por Rhed, Buni, Higos, Hosio, Fach , Reks, Yum, Kami, EBR, Rebel 86, Zoow, Doug. R; entre otros. En ellos, se desgranan diferentes anécdotas y vivencias vinculadas con Chusky o con alguna etapa de su recorrido.

Además, el libro cuenta con dos generosos prólogos escritos por Jaume Gómez y Fernando Figueroa; junto a un breve prefacio del autor YKSUHC Juan.

El libro está diseñado y maquetado por Miguel Monzón y Camille Bourdon, las traducciones están a cargo de Doug. R y tanto Jaime Alekos como Doug. R han contribuido de forma destacada en el apartado fotográfico.

El libro está impreso con tecnología offset en nuestros talleres, cuenta con 436 páginas y un tamaño de 210 x 297 mm. Las tapas duras están recubiertas con un estucado mate antirayas y antihuellas y la encuadernación es cosida. El papel interior es de 120 gr.

De nuestro trabajo, el autor destaca la atención profesional, especialmente en asuntos técnicos de maquetación y corrección de errores en la preparación del documento antes de la impresión final.

Para nosotros, imprimir el libro de Chusky/Yksuhc ha sido un proyecto muy gratificante. ¡Muchas gracias por confiar en nosotros!

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Edel Rodríguez, el azote ilustrado contra Trump

Edel Rodríguez nació en Cuba en 1971 y con solo 9 años llegó a Estados Unidos. Uno más entre los miles de exiliados cubanos que llegaron a las costas estadounidense en aquellos años.

La experiencia como inmigrante ha marcado su manera de ser y su obra profundamente, dotándola de un compromiso político muy marcado.

El Centre del Carme Cultura Contemporània es el primer museo que organiza una exposición dedicada a mostrar las más de cien caricaturas de Trump realizadas por Edel Rodríguez, que se ha convertido en un agitador de la sociedad estadounidense y la política mundial.

Sus ilustraciones para publicaciones como Time o Der Spiegel le han convertido en un referente mundial y son un ejemplo de coherencia y sinceridad.

“En este país nadie debería tener que estar callado o no hablar. Eso es lo que era el sueño americano para mí”, afirma Edel Rodríguez sobre Estados Unidos. Esa libertad con la que afronta su trabajo se ha convertido en un revulsivo, al crear una imaginería explícitamente política. Además, Edel permite que se usen sus imágenes para movilizaciones sociales en las que cree.

Una exposición inspirada por Vicent Miguel Carceller

La exposición Edel Rodríguez. Agente Naranja reúne 124 trabajos del artista, todos centrados en la figura de Donald Trump.

La muestra se origina gracias a Nacho Navarro. El codirector del Festival DocsValència, trabajaba en la investigación para su documental sobre Vicent Miguel Carceller, editor de la revista La Traca, que fue fusilado durante el Franquismo.

Nacho Navarro explicó durante la presentación de la exposición que mientras organizaba el documental Carceller, el hombre que murió dos veces y buscaba similitudes con la época del Franquismo y la actualidad vio cómo los ataques contra la prensa y, en especial, contra los ilustradores son una constante.

De ahí la defensa del humor y la crítica contra los totalitarismos, que tienen en la obra de Edel Rodríguez un ejemplo paradigmático.

Un catálogo a la altura

Para captar la esencia de esta exposición, el catálogo debía ser algo especial. Por eso, se eligió la encuadernación con lomo visto, cosida con hilo vegetal naranja, que dota a la publicación de un carácter propio, de libro-objeto. Un estilo muy orgánico y crudo.

El contenido del libro recoge las obras expuestas en el Centre del Carme, así como textos de Nacho Navarro, Ferrán Bono y Álvaro Pons.

El diseño gráfico y la maquetación han sido obra de Kike Correcher.

Para nosotros ha sido todo un lujo participar en este proyecto, un alegato en favor del humor y de la libertad de expresión.

Y si os quedáis con ganas de más, pero os perdisteis la exposición en su momento, en este enlace podéis realizar una visita virtual a la exposición.

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Carlos Medina por sí mismo

Desdoblar la realidad y romper límites

«Cada imagen que trato crear cuando fotografío a alguien o alguna cosa siempre viene derivada de una emoción, es una manera de crear un “alter ego” y posicionarlo en un sentimiento desprendido y sin prolongaciones, como si me pusiera en un balcón y mis emociones hiciesen una obra con mis ideas más ilimitadas.

Describir unas situaciones dentro de un lenguaje puede llegar a ser muy limitado, ya que, en mi caso, entre mis palabras y mis pensamientos algo se pierde cuando trato de explicar una inquietud propia. Siempre, cuando trataba de describir mis emociones, mis guerras existenciales o en general un sentimiento, trataba de llevarlo a una imagen, a una textura o a un momento real que me hiciera llegar allí. Por eso las fotografís, las imágenes en general, me atraen. La verdad que nunca tuve como idea mercantilizar mi fotografía, tan solo era una vía de escape que no quería envenenar con ambiciones laborales competitivas. Pero supongo que todos crecemos dentro de este sistema.»

La esperanza agota

Búsquedas y encuentros: aromas, texturas y vértigo

«No sé mucho de cualidades fundamentales, mi trabajo es bastante autodidacta, de búsquedas y de encuentros, dando pasos en los errores como en algunos aciertos. La honestidad y la libertad creativa son esenciales para que puedas llegar al hueco visual pretendido. Recuerdo cuando era pequeño que siempre juntaba muchísimas fotografías encima de mi cama, una cama individual de 90 cm. Me llamaba la atención que el máximo tiempo invertido en ordenar esas fotos era de un minuto; un segundo era una imagen para siempre, un recuerdo. Hay que conseguir crear un aroma, una textura, un vértigo como hacen los recuerdos en nosotros. Esto sería para mí lo fundamental, que las imágenes lleven en su espalda un concepto para que sean perennes en nuestro carácter, en nuestra idea de nosotros mismos. Bajo mi perspectiva, lo que diferencia a la fotografía de otras artes es que en base a una escena cotidiana sacada de contexto puedes llegar a lo que quiere transmitir la mirada del propio artista.»

Gigantes en la ciudad

Fotografía más allá de la fotografía y al alcance de todos

«Supongo que en la cantidad no reside la calidad, pero sí que da más oportunidades de crear una foto de calidad. La sobreinformación puede ser muy contraproducente en nuestra forma de crear por eso es necesario educar bien los ojos, los sentimientos y a nosotros mismos. En mi opinión, una imagen más especial puede ser aquella que se acerque a una pintura, demasiado grande es el banco de imágenes de un móvil; crear una imagen debe, para mí, proporcionar exclusividad a quien la observa.

Una buena fotografía no siempre va de la mano de una cámara. Las fotografías están constantemente pasando por mis ojos, incluso por mis palabras. Describir ideas etéreas es algo que me atrapa, por eso sí que creo que está al alcance de cualquiera. Nos educan para definirnos como especiales, ser cualquiera es incluso algo despectivo pero la realidad es que las imágenes están inherentes en el ser humano y a mi parecer, una buena imagen, una buena fotografía es incluso saber distinguir un silencio.»

El ayer es nostálgico

Referentes e influencias

«Como fotógrafos referentes tengo muchos. Mi iniciación en la fotografía fue en la calle, buscando imágenes únicas que solo yo podía percibir, por orientación de la mirada, por luz, por exclusividad del espacio temporal, etc. En base a eso, siempre se me aparecían los nombres de Robert Frank, Bruce Davidson, Elsken…

Pero es curioso que, con el paso del tiempo, he sentido que escritoras como Pizarnik, Plath u otros como Pushkin, Emerson, Camus o incluso Marco Aurelio, eran capaces de influir en mi trabajo.

La literatura ha sido algo que llegó a mí por desidia o hastío de la realidad. Acercarme a ella fue como un regalo, leer como describían los sentimientos que me iban ocurriendo con tanta facilidad y con tanta similitud me hacía sentir menos solo, menos aislado. Los papeles adolescentes, si se alargan, juegan malas pasadas y no hablar seriamente de tus inquietudes puede hacer que no te sientas en ningún lugar en concreto pese que todo esté dispuesto para que así sea.»

Nos harán perder la luz

Es muy complicado elegir a quién o qué situación fotografiar. Siempre me hubiera gustado hacer una foto reportaje de cualquier escritor que me apasiona, estar junto a él o ella, día tras día y humanizar las historias que hay detrás de los grandes libros de mi biblioteca. Las manos de Edward Hopper, los ojos de Marco Aurelio, por volver a nombrarlo, o los cajones con los diarios de Anaïs Nin. Hay muchos personajes que me gustaría o me hubiera gustado fotografiar. Lo que es seguro que siempre prefiero describir personajes que acontecimientos o lugares.»

Un recuerdo olvidado

Auto consejo

«Por último, un consejo que me daría a mí mismo antes de empezar en todo esto: atreverme a comunicar lo que siento, que no me dé vergüenza, que no piense tanto en lo que puedan opinar sobre mí porque lo que de verdad importa en última instancia es que me sienta honesto y sincero conmigo mismo; es ahí cuando empecé a sentir que tenía un lugar.»

Un proyecto editorial

El autor Carlos Medina

Para conocer mejor su trabajo:

WEB: https://cmedless.mypixieset.com/

INSTAGRAM: https://www.instagram.com/cmedless/

Carlos Medina, fotógrafo y escritor

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El regalo perfecto para cualquier ocasión

A lo largo del año se suman los momentos en los que hay que encontrar un regalo perfecto para alguien a quien queremos. Para que no nos pille el toro, hay que empezar con tiempo y buscar el detalle perfecto a un precio que no nos haga temblar.

Un clásico para regalar o darnos un capricho son los libros de Taschen, ¿quién no ha sucumbido alguna vez a los precios y el diseño de sus libros? ¿Cómo no caer en la tentación de tener un bonito libro de M.C. Escher por diez euros?

Un clásico de Taschen a 10 euros, el libro dedicado a M.C. Escher.

Taschen es una de las editoriales que más ha contribuido a la hora de popularizar los libros de arte y diseño en todo el mundo. Fue fundada en 1980 por Benedikt Taschen, un apasionado coleccionista de cómics que convirtió su pasión en su profesión.

Con doce años ya revendía o cambiaba tebeos y objetos de Carl Barks –creador del Pato Donald- y a los 15 años ya era independiente a nivel económico. En 1980, con sólo 18 años, Benedikt  abrió una tienda de cómics underground de colección.

Pero, ¿cómo una tienda de cómics se convirtió en un emporio empresarial? La jugada maestra de Taschen fue la compra de 40.000 ejemplares de un libro sobre René Magritte a precio de saldo. En sólo unas semanas, vendió todos al doble de su precio.

Libro sobre Magritte de Taschen, el comienzo de un gigante editorial.

Pero Taschen no se dedicó sólo a la compra-venta, fue más allá y con las ganancias obtenidas editó él mismo un libro de Annie Leibovitz, al que siguieron obras sobre Picasso, Dalí y Escher.

El gran acierto de Taschen no fue sólo comprar barato, sino vender a precios populares libros de arte que, hasta ese momento, eran tremendamente caros.

Una vez establecida la marca y la empresa, Taschen no sólo ha seguido publicando cuidados libros de arte y diseño a buen precio, sino que ha explorado nuevos mercados y segmentos con libros de gran calidad a precios medios, altos y altísimos –tipo Everest-.

Quizás no podamos permitirnos un «Everest», pero gracias a un niño que intercambiaba cómics, podemos tener en casa un pedacito de la historia del arte.

No os hagáis ilusiones, estos igual no se revalorizan, ¡pero el arte nunca sobra en una casa!

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