Al igual que con otras sagas artísticas valencianas, como los Capuz, los Benlliure o los Sorolla, la exposición que el IVAM dedica a los Pinazo requiere bucear en las relaciones personales entre ellos, así como la influencia que la figura principal pudo ejercer sobre el resto.

En el caso de los Pinazo, la saga comienza con el gran maestro Ignacio Pinazo Camarlench (1849-1916), que tuvo dos hijos dedicados a disciplinas artísticas: José Pinazo, pintor, e Ignacio Pinazo, escultor.

Aunque la obra de Ignacio Pinazo es muy destacable, para esta muestra se ha optado por incluir la obra de Marisa Pinazo Mitjans (1912-1990), hija de José (1879-1933), para centrar la exposición en la expresión pictórica, y estudiar la evolución de la familia a lo largo de tres generaciones. De este modo, se abarca gran parte del siglo XX, mostrando la influencia de diversas corrientes artísticas.

La obra de Ignacio, José y Marisa Pinazo

A lo largo de la exposición comisariada por Javier Pérez Rojas podemos observar obras de los tres artistas, seleccionadas para apreciar tanto los elementos en común como los rasgos distintivos de cada artista.

Por lo que respecta al precursor de la saga, Ignacio Pinazo Camarlench, fue a través del retrato donde cosechó los mayores éxitos de su carrera, alcanzando reconocimiento y prestigio, convirtiéndose en uno de los referentes dentro de los retratistas de nuestro país.

Por su parte, José Pinazo, sin abandonar los retratos en los que su padre fue maestro, se orientó más hacia la pintura regionalista.

Ubicado dentro del género costumbrista, José Pinazo fue autor de algunas de las piezas más emblemáticas del regionalismo valenciano, como Floreal, una pintura con la que obtuvo una medalla en la Exposición Nacional de 1915. Su obra se vincula a una tendencia alejada del impresionismo, más cercana al realismo moderno.

¿Quién fue Marisa Pinazo?

La exposición del IVAM incluye también obras de la más desconocida del clan Pinazo, Marisa Pinazo, muchas de las cuales nunca han sido mostradas en público.

El conjunto de pinturas que aparecen en la exposición nos muestra la evolución de la creadora valenciana, con claras influencias del Art Deco, y sirve para reivindicar la figura de una artista cuya carrera se vio frustrada por la muerte de su padre en 1933 y la Guerra Civil.

La exposición El aura de una saga moderna: Ignacio, José y Marisa Pinazo está abierta al público hasta febrero del próximo año y supone una ocasión perfecta para conocer la obra de los tres pintores Pinazo.

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¿Quién es el artista Paco Camallonga?

Paco Camallonga es ilustrador, diseñador y escultor digital. Se formó en Arquitectura en la Universidad Politécnica de Valencia y cursó el Master de Animación del estudio FrameOver, mientras continuaba formándose como ilustrador y escultor digital.

En la actualidad, es uno de los diseñadores más reputados y reconocidos de fallas y hogueras, actividad que combina con la creación de cómics y con su trabajo para el mercado americano.

Entre sus influencias dentro del sector de la ilustración se cuentan figuras internacionales como Matteo Scalera, Sean Gordon Murphy, Tony Moore y su principal referente, Akira Toriyama, creador de Dragon Ball.

Por lo que respecta a su vertiente fallera, es un gran admirador del trabajo de Ramón Pla, Carlos Corredera y del ingenio de los Santaeulalia.

Paco Camallonga comienza a colaborar con el mundo de las fallas y hogueras en 2015, iniciando una trayectoria repleta de diseños icónicos, un estilo muy reconocible y grandes éxitos, como el primer premio de categoría especial adulta en las Hogueras de Alicante en 2025, dos primeros premios de hogueras en categoría especial infantil, en 2018 y 2019, un primer premio en sección 1A en València (2021), tres ninots indultats infantiles por votación popular en València (2019, 2024 y 2025) y un ninot indultat adulto por votación popular en Alicante (2024).

A ese impresionante palmarés hay que sumar varios podios en la sección especial, tanto en fallas grandes como en fallas infantiles. Además, este año ha sido el encargado de diseñar la Falla infantil de la Plaza del Ayuntamiento de València.

Una exposición que combina fallas y cómic

La exposición del Centre del Carme mostraba al público sus ninots indultats, maquetas de los monumentos en 3D y más de 200 dibujos, entre bocetos y cómics.

En el ámbito del cómic, Paco Camallonga ha desarrollado una sólida y coherente trayectoria en la que destacan títulos como Cachorro, una novela negra ambientada en la riada de 1957; Reencuentro en Burdeos o Bordell, además de realizar carteles, portadas, premios y múltiples encargos gráficos.

Camallonga colabora habitualmente con la industria americana del cómic con portadas para Scout Comics o uno de sus últimos trabajos para Titan Books, que ha publicado libros como Batman vs. Superman: El amanecer de la justicia.

En la prestigiosa editorial Titan Books está realizando una adaptación del famoso videojuego de ciencia ficción Borderlands, entre otros proyectos en EEUU.

El recorrido expositivo acaba con un viaje por la faceta artística más personal de Camallonga, gracias a una pieza audiovisual en la que se muestra el proceso creativo del artista desde el dibujo digital, pasando por la tinta hasta llegar a la ilustración a color.

La exposición se completa con el catálogo que hemos impreso en La Imprenta CG y que cuenta con textos de Ángel Romero y fotografías de las piezas expuestas, obra de Juan R. Peiró. Está diseñado y maquetado por Pau Soriano y MacDiego.

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Una exposición que recorre la última década de Tàpies

La Fundación Bancaja acoge, hasta el 30 de agosto, la exposición Tàpies. Última década. 2002-2012, en la que profundiza en el trabajo de uno de los artistas más influyentes del siglo XX.

La muestra monográfica se centra en la obra de Tàpies desde 2002, hasta su muerte en 2012, con 22 piezas de gran formato, muchas expuestas por primera vez.

El comisario de la exposición, Fernando Castro Flórez, ha reunido un conjunto de obras que condensan la esencia del artista, realizadas en el periodo más desconocido de sus seis décadas de carrera.

Tàpies es una de las figuras más preeminentes del informalismo, que en su última etapa abordaba con la misma pasión de siempre la experimentación con la materia y los símbolos. En sus obras, el artista continúa incluyendo objetos cotidianos, maderas, telas, cuerdas o fragmentos de muebles, integrando lo real con lo pictórico.

En la exposición están representados tres motivos fundamentales en la trayectoria de Tàpies: el cuerpo humano, los símbolos (cruces, letras, formas) y los objetos integrados en la obra.

Las obras de la muestra —excepto una, propiedad de la Fundación Bancaja— proceden íntegramente de la familia. “Con el paso del tiempo, uno comprende que custodiar la obra de un artista no significa solo conservar objetos, sino cuidar una manera de mirar el mundo. En el caso de Antoni Tàpies, esa mirada fue siempre exigente y profundamente humana.

Por ello, esta exposición tiene también un carácter excepcional: incluye varias obras inéditas, piezas que nunca se habían mostrado al público y que se presentan aquí por primera vez. Al contemplarlas en conjunto, se hace evidente que Tàpies seguía trabajando como siempre, con la misma intensidad, la misma curiosidad y la misma necesidad interior.

Su última década no es una despedida, sino una continuidad llevada hasta su límite: un lugar donde el lenguaje se afina, la emoción se vuelve más contenida, pero no menos poderosa”, asegura Toni Tàpies, hijo del artista.

Además de las obras de Antoni Tàpies, en la muestra se pueden observar las fotografías de la casa del artista en Campins (Barcelona). En esas imágenes se aprecia la importancia de ese entorno en su proceso de creación durante esta etapa.

Como complemento audiovisual, la Fundación Bancaja proyecta el documental de RTVE Materia en forma de Tàpies, filmado en 2024 con motivo del centenario de su nacimiento.

Catálogo de la exposición Tàpies. Última década. 2002-2012

La Imprenta CG ha sido la encargada de imprimir el catálogo realizado expresamente para la exposición. La publicación ha sido diseñada y maquetada por el Estudio Lina Vila.

El catálogo se compone de la reproducción en imágenes de alta calidad de las obras expuestas, obra de Roser Vilallonga y Tena Martí Gasull Avellán.

Cuenta con textos de Toni Tàpies Barba y de Fernando Castro Flórez, e incluye también una entrevista realizada por el comisario a Antoni Tàpies en 1990.

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La mujer en la obra de Julio González, celebrando el 150º aniversario del artista

La exposición del IVAM ofrece una nueva mirada sobre la obra del artista Julio González, gracias a la selección de la comisaria Brigitte Leal, prestigiosa historiadora del arte y directora adjunta emérita del Museo Nacional de Arte Moderno, Centre Pompidou, de París.

Leal no solo profundiza en la figura del escultor catalán, también introduce una perspectiva innovadora al situar en el centro del relato a las mujeres que desempeñaron un papel decisivo en su vida y en la preservación de su legado.

De este modo, el museo se convierte en un espacio de recuperación no solo de las mujeres artistas, sino también de reconocimiento a la importancia de comisarias, historiadoras y profesionales que han contribuido a transformar nuestra comprensión del pasado.

¿Cómo se organiza la exposición?

La muestra del IVAM plantea dos recorridos, uno biográfico y otro temático. El primero revela una red femenina determinante desde el ámbito familiar. Proveniente de una familia de artistas, hijo de Pilar Pellicer, hija a su vez del pintor Lluís Pellicer, Julio González creció en un entorno artístico en el que sus hermanas mayores, Pilar y Lola, desempeñaron un papel activo.

Tras la muerte del padre, fueron ellas quienes trasladaron el negocio familiar a París y ambas figuraron como diseñadoras de joyas en las Exposiciones Nacionales de Industrias Artísticas de Barcelona entre 1892 y 1898.

A estas figuras se suma Marie-Thérèse Roux, compañera sentimental del artista, musa y también creadora, joyera que vendía sus piezas a casas de alta costura.

Asimismo, la figura de Roberta González, hija del escultor, adquiere relevancia tanto por su propia producción artística como por su relación con el pintor Hans Hartung.

Por otro lado, el itinerario iconográfico propuesto por Brigitte Leal permite reconsiderar la representación femenina en la obra de González. Partiendo de figuras heredadas de la tradición académica —Eva, la Virgen—, el análisis se desplaza hacia la supuesta dicotomía entre la garçonne y la campesina.

La mujer urbana, culta y moderna, asociada a la lectura y a nuevas relaciones con el cuerpo contrasta con la figura de la campesina, vinculada al trabajo, la maternidad y la perpetuación de la vida.

El carácter pionero de Julio González como artista se pone de manifiesto en su interés por la recuperación de materiales, la incorporación de la soldadura autógena del hierro al lenguaje escultórico y en su reivindicación del campesinado, entre otras facetas.

Para la muestra del IVAM se ha renunciado al omnipresente cubo blanco y se han elegido tonalidades cálidas y terrosas en las salas que albergan las obras, subrayando de este modo la conexión con la materialidad, el acogimiento y la tierra.

¿Dónde se puede encontrar el catálogo de la exposición del IVAM?

En La Imprenta CG hemos tenido el honor de imprimir el catálogo realizado para la exposición de Julio González. Un libro con 228 páginas, encuadernado en cartoné y con textos de Blanca de la Torre, directora del IVAM, y Brigitte Leal, comisaria de la muestra.

Con más de 167 ilustraciones a color, esta edición trilingüe —castellano, valenciano e inglés— es el complemento perfecto para esta innovadora exposición.

El catálogo se puede adquirir en la tienda física del museo, así como en su tienda online.

¿Por qué Julio González es importante para el IVAM?

Para el IVAM, la trascendencia de Julio González no solo se centra en su proyección internacional como pionero de la escultura en hierro y renovador radical de las técnicas escultóricas, sino también porque la donación de un significativo cuerpo de obras marcó el origen del museo, fruto de la generosidad de Carmen Martínez y Vivianne Grimminger, herederas de la hija del artista, Roberta González.

A ellas está dedicada esta muestra, a las herederas del legado familiar que realizaron donaciones fundamentales en 1985, cuando las Cortes Valencianas tramitaban la ley de creación del museo, y en 1992, tres años después de su inauguración en 1989.

Estas donaciones incluían también un conjunto significativo de obras de Roberta González y de Joan González, hija y hermano del escultor.

El IVAM alberga la colección más importante del mundo de obras de González y, a lo largo de los años, ha desarrollado una labor sostenida de investigación, conservación y difusión que ha contribuido decisivamente al conocimiento público del artista.

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Exposición “El Prado multiplicado: la fotografía como memoria compartida”

Hasta el 5 de abril se podrá visitar en el Museo del Prado la exposición “El Prado multiplicado: la fotografía como memoria compartida” en la que, a través de más de 40 obras se puede recorrer visualmente la pinacoteca tal y como era hace siglos.

Sorprende la disposición apelotonada de las obras, el mobiliario, la calefacción y lo vacías que se ven las salas, incluso las que hoy en día baten récords de visitas.

Comisariada por Beatriz Sánchez Torija, la exposición cede el protagonismo total a la fotografía, destacando la importancia de este arte, tanto en los museos como en la sociedad.

Los fondos fotográficos del museo abarcan más de 10.000 obras, fundamentalmente imágenes de piezas de la colección. De forma aproximada, la documentación organizada de las piezas comenzó alrededor de 1860.

Se trata de copias realizadas a la albúmina, al carbón o a la gelatina, así como reproducciones fotomecánicas en formatos como tarjetas estereoscópicas o postales, con las que se puede observar la evolución de los procesos fotográficos. Como las técnicas e instrumentos de la época tenían muchas limitaciones, en ocasiones era necesario trasladar las obras para poder ser captadas con luz natural.

Con esas primigenias fotografías, comenzaron a circular imágenes del Prado entre los visitantes y coleccionistas. Fue a principios del siglo XX cuando se generalizó el uso de las tarjetas postales con imágenes, y ese auge permitió que las obras del museo viajaran por todo el mundo, aunque fuera en versión reducida.

Entre los pioneros de la fotografía en el Prado destacan profesionales y empresas como Juan Laurent, José Lacoste, Braun, Moreno, Anderson o Hanfstaengl. Todos ellos fueron fundamentales para la difusión de la imagen del museo y las obras que contiene, generando interés y expectación entre el público.

Una exposición en pequeño formato

La exposición “El Prado multiplicado: la fotografía como memoria compartida” tiene como objetivo resaltar el papel de esas fotografías como herramienta de difusión de los fondos del museo, al tiempo que reivindica su propio valor como obras de arte.

La muestra forma parte de Almacén abierto, un programa de pequeñas exposiciones celebradas en la sala 60, centrado en el siglo XIX, con piezas que no suelen estar expuestas y que indagan en diferentes perspectivas artísticas y técnicas.

Una ocasión perfecta para adentrarnos en los entresijos del Museo del Prado.

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España oculta, exposición de Cristina García Rodero en el IVAM

Hasta el próximo 8 de febrero se puede visitar en el IVAM la exposición España oculta, que reúne la serie completa de más de 150 fotografías que conforman el libro España oculta, de Cristina García Rodero.

España oculta posiblemente sea el proyecto más importante en la trayectoria de García Rodero, y las imágenes que lo componen muestran fiestas, ceremonias, ritos y tradiciones de numerosos pueblos durante más de 15 años, desde 1973 hasta 1989.

Cristina García Rodero pudo emprender España oculta gracias a una beca de creación artística de la Fundación Juan March, y a lo largo de los años documentó el modo de vida de diversos pueblos españoles: «Me propongo realizar un trabajo antológico de las costumbres de España, tanto en su abertura y progreso, como en su ocultamiento y tradición, que dan fruto a su idiosincrasia. Para ello utilizaré el medio más actual y representativo de mi época: la expresión fotográfica», explicaba la fotógrafa en la memoria de la beca.

En España oculta, la fotógrafa manchega captó un momento clave de la historia de España, los últimos años del Franquismo, la Transición y el inicio de la democracia.

En 2024 se reeditó el libro España oculta, con el que Cristina García Rodero intentó «fotografiar el alma misteriosa, verdadera y mágica de la España popular, con su pasión, el amor, el humor, la ternura, la rabia, el dolor, con su verdad; y los momentos más intensos y plenos en la vida de los personajes, tan simples como irresistibles, con toda su fuerza interior, en un desafío personal que me dio fuerza y comprensión y en el que puse todo mi corazón», afirma la fotógrafa.

Cristina García Rodero, un referente de la fotografía contemporánea

Cristina García Rodero es una de las fotógrafas más prestigiosas de la actualidad. Es la primera española en pertenecer a la mítica agencia Magnum, y ha sido galardonada con el Premio Nacional de Fotografía en 1996, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes en 2005 y la Medalla de Oro al Mérito en el Trabajo en 2014. También ha sido nombrada doctora honoris causa por la Universidad de Castilla La Mancha en 2018, entre otras muchas distinciones.

Sin duda, García Rodero es un referente para todo amante de la fotografía y la exposición que le dedica el IVAM es la ocasión perfecta para conocer uno de sus trabajos más emblemáticos.

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Hasta el 18 de enero de 2026 puede visitarse en la Fundación Mapfre la exposición dedicada a Raimundo de Madrazo y Garreta, el pintor español que triunfó en Francia y Estados Unidos a finales del siglo XIX, gracias a sus retratos de la alta burguesía.

El arte preciosista y burgués de Raimundo de Madrazo

La Fundación Mapfre dedica a Raimundo de Madrazo una gran exposición, comisariada por Amaya Alzaga, con más de un centenar de obras que recorren toda su trayectoria. De este modo, se quiere reivindicar el legado de un gran pintor, al que el desembarco de las vanguardias borró de la historiografía artística.

Raimundo de Madrazo es miembro de una de las sagas de artistas más influyentes y reconocidas del arte español del siglo XIX. Nieto del pintor neoclásico José de Madrazo e hijo de Federico de Madrazo, destacado retratista del Romanticismo, Raimundo era también cuñado y amigo de Mariano Fortuny.

Las hijas del Cid, 1865.

Sus tíos fueron los pintores Luis de Madrazo y Pedro de Madrazo, así como el arquitecto Juan de Madrazo. Además, en la familia de su abuela, los Kuntz, también se encuentran afamados pintores.

Con esta herencia familiar, el joven Raimundo pronto destacó en el dibujo y la pintura. Con solo trece años, ingresa en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, y se convierte en la gran esperanza de la familia, que ve en él el continuador del legado artístico de los Madrazo, repleto de grandes obras históricas, destinadas a las grandes exposiciones nacionales o internacionales.

Tras su paso por la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, en 1862, Raimundo se traslada a París, donde continúa su formación con el pintor Léon Cogniet y en la École des Beaux-Arts. Durante estos primeros años en París, el joven sigue tratando de complacer a su padre y seguir su estela; sin embargo, en 1866, abandona el academicismo y la temática histórica.

En esta nueva etapa, Raimundo de Madrazo comienza su andadura como pintor de género y retratista, logrando un gran éxito gracias a sus tableautins, obras de pequeño formato con escenas costumbristas o domésticas.

Su talento como retratista, su ojo para el color, y su destreza para reflejar brillantes interiores y texturas hacen de él uno de los pintores favoritos de la alta sociedad parisina y estadounidense, que le visita en su taller de la capital francesa.

Clotilde de Candamo y su hijo, 1874.

Entre las nuevas tendencias y el academicismo, el juste milieu

Raimundo de Madrazo vivió el torbellino artístico de París del último tercio del siglo XIX, en el que convivía el academicismo más recalcitrante, junto a nuevas corrientes como el impresionismo. En este contexto, la obra de Raimundo de Madrazo se sitúa en un camino intermedio, el juste milieu, que gozó de gran éxito comercial y de crítica.

El cenit de su carrera tuvo lugar en la Exposición Universal de 1878, donde obtuvo una Primera medalla y la concesión de la Cruz de Caballero de la Legión de Honor. Madrazo presentó catorce piezas, entre las que destacan los retratos del actor Benoît-Constant Coquelin y el Retrato de niña con vestido rosa.

Constant Coquelin, 1875-1878.

Sin embargo, a finales del siglo XIX y principios del XX, el mundo del arte está en plena ebullición y en 1900, su obra se ve anticuada. Tras su participación en la Exposición Universal de París de ese año, Raimundo es consciente de que su estilo ya no resulta atractivo, por lo que viaja a América, donde su obra detallista aún goza de reconocimiento y mercado entre la alta sociedad de la Gilded Age, como los Vanderbilt.

Salidad del baile de máscaras, 1878.

Raimundo de Madrazo, un artista a reivindicar

Raimundo de Madrazo es un gran desconocido para el gran público, ya que su figura se vio eclipsada por la llegada de las nuevas corrientes artísticas de finales del XIX. El estilo preciosista de Raimundo de Madrazo fue relegado por parte de la crítica y de los historiadores del arte, que lo situaron en un lugar menor, y solo recientemente ha comenzado a gozar del reconocimiento que merece.

La exposición que le dedica la Fundación Mapfre pretende llenar ese vacío y reivindicar su obra, gracias a la participación de instituciones y colecciones particulares nacionales e internacionales, entre las que figuran el Museo Nacional del Prado; The Metropolitan Museum of Art, de Nueva York; el Clark Art Institute, de Massachusetts; The Hispanic Society of America, de Nueva York, o el Musée d’Orsay, de París.

Una ocasión de oro para descubrir a un artista de gran éxito en su época, pero injustamente ignorado por el canon artístico moderno.

En este enlace se puede disfrutar de una visita virtual.

Muchachas en la ventana, 1875.

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Maruja Mallo. Máscara y compás: una gran exposición retrospectiva

Maruja Mallo es una de las figu­ras más relevantes del arte español y miembro destacado de la Generación del 27. Con un talento que escapa a cualquier intento de clasificación, en la obra de la artista conviven gran variedad de estilos, influen­cias y técnicas; que van más allá de la dicotomía entre vanguardia o clasicismo.

Vinculada a la Escuela de Vallecas y al Grupo de Arte Constructivo, Maruja Mallo sufrió el trauma de la Guerra Civil y el exilio, pero su obra y su vida siempre estuvieron marcadas por la búsqueda de libertad y el compromiso político.

La exposición retrospectiva Maruja Mallo. Máscara y compás está planteada cronológicamente, y en su recorrido se puede observar la evolución de la artista: desde sus inicios vinculados al realismo mágico y las composiciones de carácter surrealista, hasta los conjuntos geométricos y cósmicos de su última etapa.

El propio título elegido para la exposición, Máscara y compás, destaca dos de las temáticas que más caracterizan la obra de Mallo: la máscara como invoca­ción, cuestionamiento de la identidad y transformación, y el compás como garantía de la armonía y del rigor geométrico que marca toda su producción.

Primeros años y Guerra Civil

La primera etapa creativa de Maruja Mallo se caracteriza por su trabajo sobre el concepto de lo popular, que para ella era «la representación lírica de la fuerza creadora del hombre».

Durante los años 20, las fiestas populares y verbenas se convierten en uno de sus grandes temas. Para ella representan la ocasión de retratar una situación plural y vibrante, en la que diversas culturas, tradiciones y clases sociales se mezclan. Son ejemplos de su ideal democrático en el que se diluyen las diferencias, y criados y burgueses se encuentran en el mismo plano.

A principios de los años 30, Mallo explora el reverso tenebroso del surrealismo, un estilo al que la artista atribuía una «capacidad destructiva».

Durante esa época, el prestigio de Maruja Mallo como artista se consolida: expone en París, donde entra en contacto con Joan Miró, Pablo Picasso y André Breton, trabaja como ilustradora en Revista de Occidente y participa en el proyecto pedagógico de la Segunda República.

Mallo se encuentra en Galicia en 1936, cuando comienza la Guerra Civil. Gracias a la poeta chilena Gabriela Mistral consigue escapar a Portugal y de allí cruza el océano para instalarse en Argentina.

Exilio y retorno

En el exilio, Maruja Mallo inicia una etapa marcada por su profundo compromiso político. Sus piezas de la época se caracterizan por un intenso respeto por la mujer trabajadora. Retratos de carácter casi estuario, dotados de gran armonía, que celebran la fuerza del trabajo manual.

Su interés en el cuerpo femenino y su dimensión simbólica y mítica marca un nuevo punto de inflexión en la producción de la artista durante los años 40 y 50.

Durante estos años, Mallo explora la geometría y las proporciones, así como espacio-tiempo en el cuadro, mediante la rota­ción de las figuras, la presencia de las sombras o la traslación de los planos.

Mallo juega con la simbio­sis entre forma humana y vegetal o animal, y persigue la unión entre naturaleza y arte. En esta fase, Maruja Mallo también inicia su serie Máscaras, en la que investiga sobre la identidad y la independencia personal.

A finales de los 60, antes de su retorno a España, Mallo pres­cinde de figuras humanas o naturales en su obra, centrándose en lo geométrico y espacial. La unión entre lo humano, lo natural, lo animal y lo divino se combina en las figuras geométricas creadas por Mallo, hasta borrar cualquier diferencia cultural, social o política.

Tras su vuelta a España y durante sus últimos años, Mallo vive la contradicción de ser una figura pública en los años de la Transición y su reclusión y silencio en la década de 1980.

En el treinta aniversario de su fallecimiento, el Museo Reina Sofía rinde homenaje a la artista con la exposición Maruja Mallo. Máscara y compás, que pone de manifiesto la vigen­cia del pensamiento estético y político de la artista.

Maruja Mallo, además, representa a la mujer moderna, activa, libre y profesional. Una artista visionaria que logró reflejar las preocupaciones de su época y anticiparse a muchas de las actuales.

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Exposición Warhol, Pollock y otros espacios americanos, en el Thyssen

La nueva exposición del museo Thyssen, Warhol, Pollock y otros espacios americanos, reúne obras de dos de las figuras más importantes del arte estadounidense del siglo XX. Además, pone en contexto su trabajo con la muestra de piezas de otros artistas de la época, como Mark Rothko, Robert Rauschenberg, Cy Twombly o Lee Krasner; entre otros.

La exposición, que estará abierta al público hasta el 25 de enero, explora la conexión en la obra de Warhol y Pollock, con un recorrido que incluye más de cien obras, muchas nunca vistas en nuestro país.

La fascinación de Andy Warhol por Jackson Pollock está bien documentada. Es muy conocida su obsesión por contar con un Pollock para su propia colección de arte o la inclusión del accidente que acabó con la vida de Pollock en su serie sobre choques de coches.

Pollock y Warhol son dos creadores extraordinariamente complejos, en apariencia muy distintos. Sin embargo, la posibilidad de contemplar sus obras reunidas en un mismo montaje descubre al visitante que ni Jackson Pollock fue siempre un maestro abstracto, ni Andy Warhol un artista ocupado únicamente por temas propios de la cultura popular.

Con métodos, técnicas y estilos diferentes, ambos propusieron revisitar el concepto de espacio, su uso como lugar de ocultamiento; trastocaron la noción del fondo y de la figura, y se centraron en un proyecto casi autobiográfico que les servía como camuflaje. Los dos trabajaron la repetición, la series y la abstracción como medio para mostrar nuevas formas de mirar la sociedad de su época.

La comisaria de la exposición, Estrella de Diego, cree que «la historia del arte al uso siempre ha dividido el mundo entre lo figurativo y lo abstracto. Jackson Pollock es el artista héroe de la modernidad y Andy Warhol casi siempre ha sido considerado un creador banal, ya no solo figurativo, sino que directamente arrancaba las cosas en los estantes del supermercado. Yo creo que las cosas, si uno las mira con un poco de atención, no son exactamente así».

En la muestra Warhol, Pollock y otros espacios americanos se pueden contemplar obras figurativas de Pollock y otras de Warhol completamente abstractas. De este modo, se ofrece una lectura alternativa de la trayectoria de los dos artistas, señalando las conexiones más que las diferencias.

Doce Pollocks en España por primera vez

Esta es la gran exposición de la temporada en el museo Thyssen. Para su director, Guillermo Solana es «uno de los proyectos más importantes que hemos acometido en mucho tiempo».

La muestra reúne por primera vez en España una docena de piezas de Jackson Pollock. De hecho, el Thyssen es la única pinacoteca española que posee una obra suya en su colección permanente.

Para Solana, «las exposiciones pueden desarrollar el canon o atreverse a desafiarlo. Esta lo desafía, y deconstruye este esquema binario. La obra de Pollock está construida desde la tachadura de lo figurativo, pero tiene un estrato de reprimir el inconsciente figurativo. Y, recíprocamente, Warhol no es meramente un reproductor de lo icónico de los medios, sino alguien que aflora una dimensión abstracta».

El museo Thyssen ofrece una ocasión única para observar la obra de dos artistas superlativos, opuestos en apariencia, pero unidos por nexos que van más allá de lo obvio.

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Sorolla. Obras maestras del Museo Sorolla, en la Fundación Bancaja

La Fundación Bancaja expone, hasta febrero del año que viene, algunas de las obras más importantes del Museo Sorolla de Madrid. Esta muestra, producida en conjunto por el Ministerio de Cultura, el Museo Sorolla y la Fundación Museo Sorolla, reúne en Valencia una selección de las obras maestras del artista, de forma totalmente excepcional.

¿Cómo ha sido posible esta exposición? Hay ocasiones en las que las circunstancias acompañan y, en este caso, el cierre temporal del Museo Sorolla de Madrid para su ampliación y rehabilitación ha permitido organizar esta muestra, que reúne en la ciudad natal del artista una selección de grandes pinturas, que rara vez pueden prestarse juntas para una exposición.

Sorolla. Obras maestras del Museo Sorolla está integrada por casi 60 piezas, que han viajado desde Madrid a Valencia para un proyecto expositivo que recorre la trayectoria del pintor a través de algunas de sus creaciones más destacadas, como Paseo a la orilla del mar, El baño del caballo o La siesta, entre otras.

La colección del Museo Sorolla, la más importante del mundo

La colección de pintura del Museo Sorolla se compone de aproximadamente 1400 obras, y está considerada la más importante del mundo, por cantidad, calidad y la variedad de géneros representados.

La mayoría de las obras de esta muestra se exponen en la Fundación Bancaja por primera vez. Además, también se puede contemplar el lienzo perteneciente a la colección de la Fundación ¡Triste herencia!, con el que Sorolla ganó el Grand Prix en la Exposición Universal de 1900 en París y que supuso su consagración internacional.

El recorrido de Sorolla. Obras maestras del Museo Sorolla sigue un orden cronológico. Comienza con los primeros años de formación del pintor en Valencia e Italia, en los que el joven Sorolla empieza a demostrar su descomunal talento.

Después llegamos a su madurez artística en Madrid, con la obtención de reconocimientos nacionales e internacionales. Allí explota su maestría en el género del retrato con piezas de ámbito familiar; la temática del mar, tan relevante en su producción artística; su intimista pintura de jardines; su crónica plástica de la España de su tiempo; y, para finalizar, su estancia en la Cala de San Vicente en Mallorca, en el que fue su último viaje para pintar el mar que tanto amó antes de su muerte.

Sin duda, la exposición de la Fundación Bancaja es una ocasión única para disfrutar en Valencia de algunas de las obras más importantes de Joaquín Sorolla.

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El Renacimiento europeo en València

A principios del siglo XVI, la revolución que supuso el Renacimiento en las artes plásticas sacudió los cimientos de Europa.

Por un lado, el ars nova surgió en la zona de Borgoña, un ducado con gran poderío económico. Este estilo pictórico abogaba por un realismo extremo, gracias al talento y los avances técnicos impulsados por artistas como Jan van Eyck o Rogier van der Weyden.

Por otro lado, más al sur, en la península itálica, el ideal clásico grecorromano era el nuevo modelo a seguir, marcando el paso al Renacimiento Italiano.

Las dos corrientes artísticas convivieron durante un tiempo, y en los principales núcleos urbanos mediterráneos de la época los clientes y mecenas realizaban encargos a artistas de ambos estilos.

De este modo, durante los primeros años del siglo XVI, Florencia, Nápoles o València se llenaron de obras de pintores procedentes del norte y del sur de Europa.

Más tarde, avanzado el siglo, la corriente renacentista italiana se impuso, gracias al trabajo de genios como Leonardo da Vinci, Miguel Ángel o Rafael, y al impulso económico de las potencias de Florencia y Venecia.

Sin embargo, durante muchos años ambos estilos, el flamenco y el italiano, fueron los que dieron forma a la imagen europea en su paso de la Edad Media a la Edad Moderna.

En esos años, València seguía siendo —al igual que en el siglo XV— un importante centro mercantil y económico, una ciudad cosmopolita en la que se encontraban obras de influencia flamenca, como las creadas por Bartolomé Bermejo, y pinturas de influencia italiana, como las de Paolo de San Leocadio.

Se importaban obras de Antoniazzo Romano y del papa pintor, Alejandro VI, Pinturicchio; al tiempo que se recibían pinturas norteñas de Jheronimus van Aken, El Bosco. València era un crisol de culturas y estilos artísticos, un hecho que se refleja en la nueva sala del Museo de Bellas Artes.

Norte y Sur se dan la mano en las salas del Bellas Artes

La nueva instalación del museo está situada en la planta baja, y se compone de 16 pinturas renacentistas. Una selección muy representativa de un periodo del arte europeo, marcado por dos tendencias coexistentes: el estilo proveniente del norte, en Flandes, y el marcado por los ideales clásicos, originario del sur. Una situación que más tarde se repitió durante el Barroco.

Las obras están datadas en los primeros años del siglo XVI, y son obra de artistas como El Bosco, Pinturicchio, Antoniazzo Romano o Vrancke van der Stockt.

También se pueden contemplar tres de las últimas incorporaciones al museo: el Ecce Homo de Giovanni Antonio Bazzi ‘Il Sodoma‘, uno de los principales nombres de la escuela de Siena, una tabla con Cristo Varón de Dolores del círculo del flamenco Albrecht Bouts y la Virgen con el Niño Jesús del Maestro de los modelos de Pieter Coecke.

Además, en la sala renacentista, se muestra el retrato del poeta griego Michele Marullo Tarcaniota, obra de Botticelli.

En la presentación de la nueva sala, el director del Museo de Bellas Artes de València, Pablo González Tornel, afirmó que, con la apertura de esta nueva sala, «se eleva el nivel científico y la proyección internacional del centro al incorporar obras que ejemplifican los ideales renacentistas del mundo flamenco e italiano». Un nuevo aliciente para visitar el siempre recomendable Museo de Bellas Artes de València.

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Kara Walker, una exposición sobre las sombras y luces de EE. UU.

La muestra del IVAM Kara Walker. Burning Village, recorre la obra de la artista norteamericana durante cuatro décadas.

Kara Walker, californiana de 1969, explora a través de la pintura, el grabado, las instalaciones y el audiovisual conceptos como el género, la raza, la sexualidad, la violencia y la identidad.

Walker aborda sin tapujos la herida latente de la esclavitud en EE. UU., con una perspectiva crítica del pasado histórico, profundizando en los estereotipos raciales y de género en la sociedad. Unas temáticas y reflexiones más necesarias que nunca.

Los trabajos de Walker tienen una gran belleza visual, enriquecida por la sátira y la subversión de los arquetipos, mediante las que la autora da una vuelta a la lectura de la historia de la nación estadounidense.

Las obras más reconocibles de Kara Walker son las que utilizan la técnica de las siluetas recortadas en papel, inspiradas en la tradición victoriana de los retratos de sombras, el teatro de sombras chinescas y las linternas mágicas.

El caos desenfrenado y el humor negro pueblan los trabajos de Walker: «Siempre estoy reflexionando sobre el estado de los acontecimientos actuales y la superposición de lo histórico y lo mítico», afirma la artista. Las cuestiones de raza, sexo, poder y opresión, están muy presentes en sus obras.

Kara Walker utiliza diferentes métodos y formatos para investigar sobre las historias y los mitos fundacionales de EE. UU. Ya sea mediante el dibujo, el grabado, la escultura, el vídeo o la instalación, la artista ahonda en la necesidad de establecer nuevas narrativas que desafíen la manera como entendemos la historia.

IVAM y MACA, una colaboración nacida para exponer

La exposición Kara Walker. Burning Village está comisariada por Rosa Castells y se ha realizado en colaboración con el MACA (Museo de Arte Contemporáneo de Alicante).

Kara Walker. Burning Village recoge 44 piezas que recorren toda la trayectoria de la artista, conformando uno de los conjuntos de su obra más completos en Europa.

31 obras, entre dibujos, grabados, esculturas, libros de artista y vídeos provienen de la colección de Michael Jenkins y Javier Romero del MACA. Las 13 piezas restantes han viajado desde Nueva York.

La muestra se podrá visitar en el IVAM del 25 de septiembre al 22 de febrero de 2026.

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Gervasio Sánchez, fotoperiodismo de guerra comprometido y valiente

La exposición Memoria y realidad. Gervasio Sánchez es fruto del Premio Internacional de Fotografía Ciudad de Alcobendas, que se le otorgó al fotógrafo el año pasado.

Con motivo de la muestra, se ha editado este fotolibro que recoge algunas de las imágenes captadas por Gervasio Sánchez a lo largo de su carrera.

Para el fotógrafo y comisario de la exposición José María Díaz-Maroto, la obra de Gervasio Sánchez «se erige como un conmovedor testimonio fotográfico que revela las devastadoras consecuencias de los conflictos armados en la población civil. A través de su lente, lejos de la indiferencia, captura la crudeza del sufrimiento humano, así como la admirable resiliencia y la inquebrantable esperanza que brotan en medio de la adversidad».

En la actualidad, la fotografía documental en guerras y conflictos se ha convertido en una poderosa herramienta de denuncia que los fotógrafos utilizan para visibilizar injusticias, violaciones de derechos humanos y otras problemáticas asociadas a la guerra.

En un mundo saturado de imágenes vacías, sus impactantes fotografías nos invitan a reflexionar y nos impulsan a actuar para generar un cambio. A través de una lente comprometida, revelan historias silenciadas y buscan crear conciencia sobre los horrores de la guerra. Y la obra de Gervasio Sánchez es sinónimo de fotoperiodismo de guerra comprometido y valiente.

Un recorrido por la obra del fotógrafo Gervasio Sánchez

La exposición bucea en la profundidad del archivo de Sánchez, un auténtico testimonio visual de los conflictos de las últimas décadas. Al contemplar las fotografías de Gervasio Sánchez, la primera impresión es la de observar los efectos de la guerra: destrucción, heridas, muerte, abandono, desplazamiento. Sin embargo, su mirada trasciende la mera representación de la barbarie.

Sus imágenes son mensajes construidos, en numerosas ocasiones en colaboración con los retratados, un diálogo entre el fotógrafo y sus sujetos, ambos conscientes de la importancia de mostrar la cruda realidad de las consecuencias de la guerra.

En la muestra y el fotolibro, se incluyen imágenes de sus proyectos «Vidas minadas», «Violencia contra mujeres», «Visiones saharauis», y «Mujeres de Afganistán”, en los que profundiza en la realidad del sufrimiento humano.

Quizás su proyecto más conocido es “Vidas minadas”, iniciado en 1995 y que aún continúa, con el que ha recorrido nueve países de cuatro continentes en busca de personas que hubieran sufrido las heridas físicas y emocionales de haber tropezado con una mina antipersona.

El fotógrafo ha dedicado su vida a documentar los conflictos, llevando su cámara a los lugares más oscuros del planeta. La clave del trabajo de Gervasio Sánchez es que no solo informa, sino que también educa y moviliza, invitando al espectador a reflexionar sobre la naturaleza de la violencia y la importancia de no olvidar sus consecuencias.

El Premio Internacional de Fotografía Ciudad de Alcobendas es el último de los reconocimientos a la labor de Gervasio Sánchez, que, entre otros, ha obtenido el Premio de Periodismo Cirilo Rodríguez (1996), el Ortega y Gasset a la mejor fotografía (2008) y el Premio Nacional de Fotografía (2009). Además, es autor de una veintena de libros que recogen su paso por diferentes conflictos internacionales.

En La Imprenta CG estamos especialmente orgullosos de haber sido elegidos para imprimir este fotolibro, que está diseñado por Calma y sosiego EDICIONES.

Para ello, hemos utilizado nuestra nueva máquina Konica KM-1e Inyección de tinta UVI. Es la primera máquina de este tipo que se instala en España, y ofrece la mejor tecnología que existe para imprimir libros de fotografía. No podemos estar más entusiasmados con el resultado, que es de una calidad excepcional, y que consigue capturar todos los matices de la fotografía de Gervasio Sánchez. Solo podemos decir, gracias por confiar en nosotros.

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¡Eso no es cómic!, una exposición dedicada al fanzine

La exposición del IVAM ¡Eso no es cómic! explora cómo el lenguaje del cómic ha encontrado en la experimentación formal del fanzine un aliado para la evolución constante.

En la galería 6 del museo, el visitante encuentra un completo recorrido por las nuevas tendencias creativas del fanzine, gracias a las 250 obras de más de cuarenta autores. La muestra no se centra solo en las dinámicas creativas actuales, sino que bucea en los orígenes del fanzine, con obras míticas de los años 70, como TMEO o las primeras publicaciones de origen valenciano, como Ademuz km. 6.

Con esta exposición, el IVAM quiere reivindicar el papel del fanzine como expresión artística subversiva, y la autoedición como una experiencia de libertad autoral, desde un acceso horizontal y transversal, lo que favorece la experimentación y el riesgo.

En el ámbito del fanzine se ha creado, durante los últimos años, un circuito de festivales y autores, que no sólo investigan el estilo gráfico, sino que también se ha ampliado el abanico de temáticas.

La libertad inherente al formato ha propiciado la entrada de visiones vanguardistas, alejadas de las imposiciones narrativas para explorar hasta la abstracción, llegando a cuestionar el propio objeto y encontrar nuevas formas de presentar el cómic.

El fanzine en el IVAM

La muestra del IVAM recoge obras de la fanzinoteca del IVAM, la primera de España y toda una referencia a nivel nacional y europeo.

La fanzinoteca del IVAM y esta exposición deben mucho al investigador y comisario de esta muestra, Álvaro Pons. Gracias a él la Biblioteca y Centro de documentación del museo cuenta con una colección de 4.000 fanzines aproximadamente que recorre toda la historia de estas publicaciones.

En la exposición, el visitante puede encontrar dos recorridos. El primero, permite realizar un análisis cronológico del fanzine, gracias a que se incluyen aquí las publicaciones más representativas de las primeras incursiones del fanzine.

En la segunda parte de la expo, se puede ver una selección muy cuidada de autores, ofreciendo una panorámica del sector en la actualidad.

En La Imprenta CG somos expertos en imprimir cómics y fanzines, son proyectos que nos apasionan, por eso nos ha encantado esta nueva exposición en el IVAM, ¡os la recomendamos!

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València se ilustra, un proyecto que impulsa la ilustración valenciana

València se ilustra es un proyecto cultural que lleva desde 2016 promocionando el trabajo de jóvenes ilustradores valencianos o afincados en la Comunitat.

Cristina Chumillas es la coordinadora de esta iniciativa, que se organiza en La Rambleta desde sus inicios. Casi un centenar de ilustradores han formado parte de València se ilustra, aportando su visión de la ciudad en un esfuerzo por recuperar su patrimonio e identidad, trabajando individualmente un programa colectivo. A lo largo del año se realizan diversas exposiciones, que finalizan en esta exposición colectiva.

Esta última exposición ha contado con la participación de los artistas Aitana Gomis (gomisdeborrar), Paula Kadira, Sergio Pérez, Judit Balbastre, Helena Moral, Erica Barattin (erasetiner), Ana Campoy,  Nicolás Villalobos (UNO CÁ), Paula Seguí, Mariana González (Mariana in CMYK), Rafael Alarte, Alexia Klee, Alba Gutiérrez (sincurriculum), Elena Rodríguez (Elechu) y Aina Sanz.

Además, en esta jornada de cierre de esta edición se revelaron las cinco ilustraciones más votadas de entre los 15 participantes y se regaló al público asistente una carpeta de edición limitada con las cinco ilustraciones ganadoras en formato lámina impresa. En La Imprenta CG estamos encantados de haber sido los encargados de realizar esta labor, ¡han quedado chulísimas!

En La Imprenta CG queremos ampliar nuestra implicación con este proyecto y su labor de promoción del trabajo de jóvenes ilustradores, por eso, para la edición de 2026 del Calendario Solidario de La Imprenta CG contaremos con la participación de seis de los artistas de esta edición de València se ilustra.

Ahora, solo nos queda esperar a la próxima edición de València se ilustra, ¡que cumplirá 10 años!

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Soledad Sevilla, una artista adelantada a su tiempo

La muestra dedicada a Soledad Sevilla estará abierta al público del IVAM hasta el 12 de octubre, y está comisariada por Isabel Tejeda, catedrática de Bellas Artes de la Universidad de Murcia e historiadora del arte alicantina.

Para Tejeda, Soledad Sevilla «es una mujer enamorada de su trabajo, que no ha dejado de pintar ni un solo día de su vida, de hecho, sigue pintando cuadros inmensos. Sufrió la misma discriminación y dificultades que las mujeres de su generación y nunca se rindió».

Soledad Sevilla nació en València en 1944 y se formó en San Carlos y en la Escuela de Bellas Artes de Sant Jordi de Barcelona, durante los años 60. A finales de esa década, participa en el Seminario de generación automática de formas plásticas del Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid. A raíz de esa experiencia, Sevilla comenzará a utilizar la geometría como base normativa para su obra pictórica.

La artista está vinculada en estos inicios al grupo de creadores seguidores de la abstracción geométrica, aunque pronto se desmarca del uso del ordenador como herramienta.

Sin embargo, para Isabel Sevilla no fueron fáciles sus primeros pasos en el mundo del arte: «Yo siempre cuento, que cuando todos mis amigos y colegas eran famosos, yo no podía ni exponer. Estaba con un niño en una rodilla, otro en la otra y en la mano el pincel. Se me veía como un ama de casa, no como artista. No había manera de romper esa imagen», afirma Sevilla.

«Además —añade— de que el ámbito de la geometría no interesaba, no se entendía y era masculino. No habré oído yo veces eso de que parece que lo ha hecho un hombre. Afortunadamente, eso ha cambiado mucho».

A principios de los años 80, Soledad Sevilla obtiene una beca de investigación de dos años en la Universidad de Harvard. Allí, al no tener un espacio para trabajar grandes formatos, experimenta con rollos de papel Kraft, con progresiones que llegan a los doce metros, y con instalaciones para espacios concretos.

Tras su paso por Boston, la artista valenciana retorna e inicia una etapa más subjetiva, espacial y emocional. En esta fase crea diversas instalaciones ambientales, con una profunda renovación plástica de su estilo.

Los años 90 suponen un total y merecido reconocimiento para la obra de Sevilla, con el Premio Nacional de Artes Plásticas que se le concede en 1993. Además, se suceden las exposiciones y muestras dedicadas a su trabajo.

En 2014, recibe el premio Arte y Mecenazgo, que reconoce la excelencia de su obra y los logros de su trayectoria. En el año 2020, se le otorga el Premio Velázquez de Artes Plásticas y es nombrada Doctora Honoris Causa de la Universidad de Granada.

Soledad Sevilla. Ritmos, tramas, variables. Una exposición retrospectiva y mucho más

La exposición del IVAM Soledad Sevilla. Ritmos, tramas, variables, muestra más de cien obras de la artista valenciana, recorriendo toda su trayectoria.

La muestra comienza con sus obras de finales de los 60, hasta la actualidad, incluyendo sus últimos trabajos, e incluso algunas obras e instalaciones realizadas ex profeso para esta exposición, en la que se puede observar el rico lenguaje artístico de Sevilla, basado en la pureza de la línea y el color y en la construcción de formas a partir de módulos geométricos. Una oportunidad excepcional para conocer el trabajo de esta gran artista valenciana.

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Luan es una joven artista española, formada en el Máster de Ilustración Profesional de Barreira Arte + Diseño.

Su trabajo forma parte de exposiciones como Valencia se Ilustra y se dedica a proyectos personales artísticos, inspirados en libros y piezas audiovisuales.

Entrevista a la ilustradora Luan, febrero en nuestro calendario

¿Cómo se despertó en ti la necesidad o el deseo de dibujar? ¿Cuál es tu primer recuerdo con un lápiz en la mano?

¡Pues despertó más tarde de lo usual! Siempre fui una persona muy inquieta y hasta los once o doce años, no empecé a dibujar. Mi primer recuerdo es ver a mi hermana dibujar, pensar en lo bonito que era el dibujo y sentir el impulso de querer dibujar también. Desde entonces no he parado.

¿Tienes algún rito especial, alguna manía, cuando te enfrentas a un proyecto creativo?

La verdad es que no. A la hora de empezar proyectos suelo guiarme por la vibra y el sentimiento que me da la idea o el pitch original, y voy de forma algo impulsiva hasta que encuentro el camino exacto que quiero tomar en el proyecto.

¿Cómo definirías tu estilo?

Pues no sabría definirlo exactamente, pero sé que mi estilo ha sido influenciado mayoritariamente por el mundo del cómic e internet

¿Qué técnica o material prefieres a la hora de trabajar?

A día de hoy, estoy muy cómoda con la ilustración digital, pero también le tengo un cariño especial al grafito.

¿Por qué has elegido esta imagen para el Calendario Solidario de La Imprenta CG?

Le tengo cariño cierto cariño a esta pieza, ya que estuve guerreando un tiempo con ella y acabé bastante contenta con el resultado.

¿Quiénes son tus referentes o influencias en literatura, música, etc.?

En literatura, soy bastante fan de los clásicos en general. Pero de los autores clásicos, al que le tengo más cariño es a Víctor Hugo.

En música mi artista favorita es Florence + The Machine, en especial sus canciones más tétricas. ¡Tiene una voz preciosa!

¿Nos recomiendas una peli y un libro?

Pues recientemente me he leído Carmilla de Sheridan Le Fanu y estoy enamoradisima con la experiencia que me ha dado el libro, así que recomendadísimo.

La película que recomiendo es Mononoke: The Phantom in the Rain. ¡Preciosa película animada!

¿Crees que el trabajo de ilustradora está suficientemente reconocido? ¿Qué harías para mejorar la situación?

Con este auge tan desagradable que ha tenido la IA, yo diría que no, en absoluto. Con el propósito de ahorrar dinero y/o esfuerzo y recurrir a la IA, se están destruyendo muchas oportunidades y puestos de trabajo para artistas.

Y, para solucionarlo, creo que no hace falta ya ni decirlo, pero la IA tiene que regularse para proteger el trabajo intelectual de los artistas inmediatamente.

¿Qué consejo te hubiera gustado recibir cuando empezaste?

Me gustaría haber entendido cuando era más joven que el valor de mi arte no se ve reflejado en los números o comentarios de las redes sociales. Me hubiese ahorrado bastantes dolores de cabeza, la verdad.

En La Imprenta CG queremos agradecer a Luan su  participación en nuestro Calendario Solidario 2025.

Ha quedado precioso y, si queréis, podéis comprarlo en nuestra tienda online. ¡Todos los beneficios están destinados a la Fundación Ronald McDonald de València!

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Simone Fattal y la suspensión de la incredulidad

El IVAM muestra hasta el próximo junio la exposición ‘Suspensión de la incredulidad’, que recorre a través de 85 obras la trayectoria de Simone Fattal, desde 1999 hasta 2023: escultura, dibujo, trabajo editorial… Todo suma para crear un espacio multicultural y multidimensional.

Simone Fattal es una artista franco-libanesa, nacida en 1942 en Damasco y criada en El Líbano. Estudió filosofía en París y comenzó su carrera artística en la década de los 70 en Beirut, hasta la guerra civil. Debido a la contienda, abandonó Líbano y se mudó a California, donde continuó su trabajo. Esa condición de migrante se plasma en su obra, dotándola de una temporalidad y espacialidad flexible, «que mira el pasado, presente y futuro al mismo tiempo», según Sonia Martínez, directora del IVAM.

La exposición está comisariada por Rafael Barber Cortell y Nuria Enguita. Para Sonia Martínez, el trabajo de Fattal está vinculado primordialmente con la escultura de barro, «un material considerado menor, cercano a la artesanía, como podría ser también el textil, que se reivindica ahora y visibiliza junto a otros materiales considerados como nobles».

La suspensión de la incredulidad que da título a la exposición es un concepto popularizado por Samuel Taylor Coleridge y, para Rafael Barber Cortell, está ligado a la capacidad del lector para aceptar sin cuestionamientos elementos poco realistas dentro de una obra de ficción. Para Simone Fattal, más allá de la temática, la incredulidad significa una mirada más en profundidad a través del asombro.

En su primera exposición individual en España, Simone Fattal, se apropia del concepto de Coleridge para invitar a los visitantes a abandonar sus certezas. El trabajo de la artista se alimenta de la mitología de diversas civilizaciones, desde Egipto, pasando por el misticismo suní o el clasicismo grecorromano.

La literatura es otra de las fuentes de inspiración para Fattal, que afirma: «Soy muy literaria, mi obra guarda relación con la literatura: motivos, argumentos, ideas… Es una obra muy íntima, propia, muy individual, viene de mi corriente, de mi pensamiento. Si estoy pensando en un Ulises, creo un Ulises, es un diálogo interior».

Una exposición con obra editorial, cerámica y dibujo

Los guiños a la antigüedad son una constante en la producción artística de Fattal, que crea sus esculturas como una forma de preservar la memoria de la civilización.

Para la artista, «el arte sirve para que la gente no se olvide de las cosas, para recordar. Los museos han reemplazado a las iglesias, se va a ellos para ver lo que está ocurriendo en la sociedad».

La muestra se inicia con la faceta editorial de la artista, desarrollada a través de su proyecto Post-Apollo Press, y continúa con más de 80 esculturas cerámicas.

Esta parte del recorrido expositivo, diseñado por Sina Sohrab, no sigue un orden cronológico, sino que construye una narración que guía al visitante.

La exposición finaliza con los dibujos de Fattal, con diez obras de gran formato. Para Barber, los dibujos de la artista son como «un texto sin letras ni puntuación, compuesto solo de gestos, goteos y relaciones entre la tinta, el agua, el papel y la mano de la artista. Las manchas y salpicaduras se convierten en fragmentos de un lenguaje visual que, una vez más, invita al espectador a descubrir significados ocultos y a formar su propio relato».

La muestra, una de las más importantes de la temporada expositiva, se puede visitar en el IVAM hasta el 1 de junio de este año.

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Sorolla y el mar, una exposición de Manuel Vicent

En el mar de Sorolla con Manuel Vicent no es una exposición al uso, ya que está comisariada por Manuel Vicent. El escritor valenciano ha realizado una selección casi literaria de las obras, con un diálogo entre pintura y literatura, con el mar Mediterráneo como nexo de unión.

Esta muestra supone el cierre del Año Sorolla en el centro cultural de la Fundación Bancaja, que ha conmemorado el centenario del fallecimiento del artista.

La exposición recala en Valencia, tras su paso por Madrid, con una selección de más de un centenar de obras, datadas entre 1886 y 1920. Entre los lienzos expuestos, destacan obras maestras como Saliendo del baño, La hora del baño, Pescadores valencianos o Después del baño. Estas piezas rara vez han sido prestadas para exposiciones fuera del Museo Sorolla de Madrid.

Manuel Vicent, como comisario de la exposición, utiliza el recorrido expositivo como un relato de sus propios recuerdos sobre el mar Mediterráneo. Dividida en cuatro secciones, la muestra recorre la extensa representación del mar en la obra de Sorolla.

La primera parte de la exposición es El subconsciente está lleno de algas, que incluye las obras de niños jugando en la playa; Un drama naturalista bajo la luz del Mediterráneo, recoge escenas de pescadores y trabajadores del mar; Veraneantes burgueses en el Cabanyal, recopila las imágenes de la burguesía valenciana; y En el mar de Xàbia, Sorolla se deja llevar por su amor a la naturaleza, con pinturas en las que la fuerza de los paisajes salvajes sin figuras humanas es la protagonista.

A través de los textos de Manuel Vicent, el espectador viaja a las costas mediterráneas del periodo de entresiglos, con una visión poliédrica de la vida durante esa época.

Mediante la conjunción de la obra de ambos artistas, la exposición ofrece una nueva lectura de las pinturas de Sorolla, a través de los textos de Vicent.

Manuel Vicent desgrana sus propios recuerdos sobre el Mediterráneo, y reflexiona sobre la estética del pintor y su posicionamiento social y político.

Además de los lienzos de Sorolla y los textos de Vicent, la muestra exhibe fotografías de época y una pieza audiovisual en la que Manuel Vicent relata sus vivencias, relacionándolas con las obras expuestas.

Otra de las joyas de esta exposición es el precioso catálogo, que incluye la reproducción en alta calidad de las obras y un relato original de Manuel Vicent. ¡Un regalo perfecto, que ya hemos añadido a nuestra lista!

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ANCA, una asociación artística a la vanguardia creativa

El libro ANCA. Una experiencia en la vanguardia de la creación colectiva, editado por la Fundación Cañada Blanch, recoge la trayectoria de la Associació Nous Comportaments Artístics (ANCA) durante su breve —pero intensa— actividad cultural, llevada a cabo durante los 1989 y 1994.

El grupo ANCA empieza a gestarse en 1989, cuando el artista multidisciplinar Bartolomé Ferrando comienza a impartir clases en la Facultad de Bellas Artes de València y organiza un primer grupo de performance y poesía en acción, Tusílago y un poco de blanco.

Tras la desaparición de este grupo, algunos de sus miembros y varias nuevas incorporaciones, forman Comedor de ideas, un grupo que crece hasta transformarse en ANCA, que incluso abrió un local alternativo de exposiciones, en 1990, en Torrefiel.

Durante sus cinco años de actividad artística, el grupo ANCA realizó performances, instalaciones, música aleatoria, exposiciones objetuales, land-art, poesía fonética, publicaciones de poesía visual, edición de vídeos, talleres, conferencias y numerosas colaboraciones.

Finalmente, la asociación desaparece en 1994, aunque sus miembros continuaron desarrollando sus proyectos artísticos por separado y, en ocasiones, colectivamente.

Catálogo ANCA. Una experiencia en la vanguardia de la creación colectiva

El objetivo principal de este catálogo es dejar constancia de ese tránsito artístico desarrollado por el grupo multidisciplinar, que nace con la finalidad de promover un tipo de arte al margen de criterios especulativos y de enriquecimiento individual.

La publicación está dirigida a quienes formaron parte de la asociación y para el archivo de algunas de las más relevantes entidades museísticas y artísticas.

El grupo ANCA fue un colectivo de hombres y mujeres que, con una visión transversal y multidisciplinar del arte, irrumpieron en Valencia en 1989. Durante un lustro iluminaron el camino artístico, desde la performance a la poesía. Con su éxito, consiguieron normalizar su visión como una realidad innovadora y asumible. Fueron unos pioneros, ya que lo que hicieron hace más de treinta años, es ahora un patrón de conducta artística institucionalizada. Aquí podéis ver algunas de sus reflexiones y actividades.

Para la realización de este libro, ha sido necesaria una gran labor de documentación. En la recopilación de imágenes y experiencias han colaborado Carmen Cebrián, Manel Costa, Raül Gálvez, Vicente Gascón, Carmen González, Francesc González, Inma Gregori, Cristina Llobart, Nuria Lloret, Rosa Peralta, Lucía Peiró, Rafael Santibáñez, Silvia Sempere, José Tarragó y Fernando Costa.

El diseño, la maquetación, la portada y las ilustraciones son obra de Costacruz y Fernado Costa.

Los textos que completan el libro están escritos por Manel Costa, Bartolomé Ferrando, Román de la Calle, Josep Sou, Llorenç Barber, Marisa Giménez, Rafael Santibáñez, Lucía Peiró, Silvia Sempere, Juan Viña y Francesc González.

Como toda obra colectiva, cuenta con un equipo coordinador, formado por Manel Costa (escritor y poeta visual), Lucía Peiró (artista plástico y performer), Vicente Gascón (artista plástico y gestor cultural), Nuria Lloret (Catedrática de la UPV), Fernando Costa (artista plástico y diseñador gráfico) y Francesc González (gestor cultural, artista y escritor).

En La Imprenta CG estamos muy agradecidos por haber podido trabajar en este proyecto, que deja constancia del trabajo de ANCA, un grupo artístico adelantado a su época.

Presentación del libro catálogo dedicado al colectivo ANCA.

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