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El libro recoge las biografías de todas las víctimas de la zona, basadas en toda la documentación existente, hallada en más de medio centenar de archivos de todo el mundo y aportada por las propias familias.

Son historias que se deben conocer para homenajear a quienes lucharon por la libertad, incluso a costa de su propia vida.

Los 27 de Mauthausen es la primera publicación de investigación que trata las historias de los deportados al campo de concentración de Mauthausen a nivel comarcal en la provincia de Castellón.

Aunque se habían realizado algunos trabajos a nivel local (llevados a cabo por los mismos autores), en esta ocasión se ha querido ir más allá y presentar las biografías de todos los deportados de La Plana Baixa, pertenecientes a los municipios de Alfondeguilla, Almenara, Borriana, Eslida, La Vall d’Uixó, Moncofa, Nules, Onda y Vila-real.

Además de contar con una breve contextualización de la deportación, el trabajo presenta las biografías de todas las víctimas basadas en toda la documentación existente, hallada en más de medio centenar de archivos de todo el mundo y aportada por las propias familias. 27 historias que permiten ver desde 27 prismas distintos el Holocausto español.

Una investigación histórica rigurosa

El libro está escrito por Lara Cardona Fernández y José Francisco Albelda García, historiadores con amplia experiencia en el estudio de Historia Contemporánea a nivel local (Guerra Civil y dictadura) y colaboradores en medios de comunicación locales y autonómicos, autores de varios artículos y libros sobre el tema.

El prólogo corre a cargo del prestigioso periodista y escritor Carlos Hernández de Miguel.

Lara Cardona Fernández es licenciada en Geografía e Historia por la Universitat de València. Su labor investigadora sobre la II República, la Guerra Civil y la deportación a los campos nazis se ha plasmado en los libros Almenara: II República y Guerra Civil. Un homenaje a la mujer republicana (2008) y Collidors (2018), y en varios artículos especializados como «Les dones al capdavant de la rereguarda republicana» (2013), «Espadànics als camps nazis» (2015) o «L’inici de la Línia XYZ en la Llosa i Almenara. Una aposta de posada en valor mitjançant l’educació i la participació ciutadana» (2015).
Fue la directora de contenidos de los proyectos de homenaje a los deportados a los campos nazis de la Vall d’Uixó, Sagunto y Almenara (2016-2017). Actualmente, es la responsable y dinamizadora del Centre d’Interpretació de la Línia XYZ del Ayuntamiento de Almenara y colabora en la divulgación de la memoria democrática para los medios de comunicación y los centros educativos.

José Francisco Albelda García es licenciado en Historia por la Universitat de València y experto en Antropología Forense por la Universidad de Granada, arqueólogo e historiador. En 2013, crea Arqueocas. Patrimonio y Arqueología, empresa con la que se ha especializado en la recuperación y puesta en valor de espacios patrimoniales relacionados con la Guerra Civil y la Batalla de Levante.
Colabora asiduamente en medios de comunicación locales y autonómicos y es autor de obras de divulgación de la Historia y el Patrimonio Cultural como Tresors arqueològics de Vila-real (2014) o La Torre de Sant Vicent (2021).

Ha realizado diversos estudios para la retirada de vestigios de la dictadura e identificación de víctimas de la guerra y de la represión durante el franquismo y es coordinador del Memorial Democràtic de Vila-real. Algunos de sus trabajos sobre la Guerra Civil y la dictadura son L’aeròdrom militar de Vilafamés, 1937-1940 (2019), Reconstruir Moncofa (2020) o Vila-realenses en el infierno nazi (2020).

Para la edición de Los 27 de Mauthausen los autores han contado con la colaboración de los ayuntamientos de Alfondeguilla, Almenara, Borriana, Eslida, Moncofa, Nules y Vila-real. También ha colaborado la Diputación de Castellón.

El diseño y maquetación han sido realizados por Akane Estudio, está editado por Ediciones Intrépidas y ha sido impreso en los talleres de La Imprenta CG.

Si queréis haceros con un ejemplar, aquí podéis obtener la información para conseguirlo.

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Errores al imprimir más comunes

No comprobar las medidas

En nuestra imprenta online tienes multitud de medidas para elegir la que más se adapta a tu proyecto.

A la hora de realizar la maquetación de tu publicación, ten en cuenta esas medidas para que no tengas que adaptarlas más tarde y realizar el doble de trabajo.

Problemas con márgenes y sangrados

Si no quieres que algo se corte, ponle un buen margen. Y si quieres que algo no tenga un espacio en blanco alrededor, sino que continúe hasta el final de la página, dale sangre.

Aquí tienes más información para no perderte en el bosque de los espacios en la maquetación:

Márgenes de libros. La distribución de los blancos en un libro impreso. 

Los sangrados en los trabajos de imprenta.

Sin faltas, por favor

Nada da peor imagen que un texto -ya sea comercial o literario- con faltas de ortografía. Revisa, revisa y revisa el texto para que no se te pase ningún error gramitical.

No te fíes del corrector del Word y, si tienes alguna duda, consulta en páginas como Fundeu  o el diccionario online de la RAE.

Textos muy pequeños o ilegibles

Un hecho aceptado universalmente es que imprimir un texto por debajo de 6 puntos es complicado. Convertirá tu publicación en un bonito montón de papel ilegible.

Lo mismo ocurre con las tipografías elegidas. A no ser que busques precisamente ese efecto estético, lo mejor es recurrir a tipografías que permitan la lectura de un modo fácil y que no canse la vista del lector.

El interlineado (espacio entre líneas) también es importante a la hora de maquetar una publicación, tenlo en cuenta y elige el tamaño justo para la lectura sea más cómoda.

Aquí tienes una guía que te ayudará a elegir la letra de tu proyecto: Elegir tipo de letra, cuerpo e interlineado para un libro.

No incrustar las fuentes

¿Incrus… qué? Pasas horas eligiendo la mejor fuente en Dafont, días decidiéndote por la mejor combinación de tipos y cuando lo envías a imprenta… ¡Horror, fuente no encontrada!

Cuando se utilizan fuentes, puede ocurrir que el ordenador de la imprenta de tu elección no tenga esa fuente concreta y el programa de diseño la sustituirá por otra por defecto, cambiando la apariencia de tu proyecto.

Por eso es importante que se incrusten las fuentes o que se conviertan en contornos o trazados.

RGB… ¡No, gracias!

Cada vez que mandas a imprenta un archivo en modo RGB, un impresor se corta con papel y muere un unicornio.

El modo RGB está pensado para las pantallas; para enviar a imprenta, siempre, siempre hazlo en CMYK.

En esta guía te explicamos todo sobre el color en impresión: Las transparencias, los colores directos y RGB.

Píxeles, para qué os quiero: cuidado con la resolución.

Que una imagen se vea bien en pantalla no significa que se imprima bien. Si no quieres que tu publicación tenga fotos borrosas o pixeladas, utiliza siempre imágenes con 300dpi de resolución.

Sólo si se trata de impresiones muy grandes como murales, lonas o carteles gigantes puedes bajar la resolución a 150 ó 120dpi.

Con este tutorial, evitarás los errores a la hora de elegir la resolución de las imágenes a la hora de imprimir: Cómo definir la resolución de una imagen.

No confiar en profesionales

Si todo esto te da dolor de cabeza y no quieres ni oír hablar de sangres y fuentes, lo mejor es que confíes en profesionales.

En La Imprenta CG ofrecemos un completo servicio de edición a nuestros clientes, para que no te tengas que preocupar de nada y que el resultado final sea perfecto, tanto en fondo como en forma.

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Diálogos desde el sofá, introspección durante el confinamiento

Diálogos desde el sofá es un proyecto fotográfico surgido durante la pandemia de COVID-19 iniciada en el año 2020, y en particular, durante los días interminables del confinamiento inicial.

No es un libro sobre la pandemia, sino sobre las emociones y sentimientos surgidos como consecuencia del proceso de introspección al que invitaba el nuevo modo de vida consecuencia del estado de alarma.

Con esta motivación, Urbano Suárez se decidió a fotografiar en un entorno limitado y «la mirada se me fue a una ventana: la del televisor», afirma el fotógrafo.

Usando la técnica de la multi-exposición, las fotografías finales están integradas por diversas imágenes expuestas en un mismo RAW,  fusionadas en ese marco único, dialogan entre ellas y narran una historia final que resulta del conjunto de las partes.

¿Qué podrían contar? ¿Qué diálogo tendría el autor con ellas?

A Urbano Suárez la mayoría de las imágenes se le antojaron confusas y fueron desechadas, por lo que estas páginas sólo acogen una pequeña selección de sus discurso visual.

Con el propósito de establecer ese nuevo e importante diálogo, el autor remitió las fotografías a un grupo de amigos para que comentaran brevemente lo que cada una de ellas les sugería; y a su curiosidad, ilusión y apoyo al experimento, se deben los textos que acompañan las imágenes del fotolibro.

Para el fotógrafo Urbano Suárez el objetivo del libro es que este juego dialéctico «te inspire y te haga hablar con ese otro yo que siempre nos dice, aunque no siempre escuchemos».

Urbano Suárez, autor de Diálogos desde el sofá

Urbano Suárez nació en Asturias, en 1958. Desde niño sintió la necesidad de expresarse con imágenes y comenzó a pintar y dibujar. Una Kodak Retinette que su padre guardaba en un cajón lo introdujo en el apasionante mundo de la fotografía, en el que creció con un curso a distancia y otro presencial, complementados con la lectura de revistas y libros sobre fotografía analógica.

Decidido a vivir en y de la fotografía, en 1983 abre su primer estudio dedicado a retrato y fotografía social, ampliándolo posteriormente con cámaras de formato medio y laboratorio de revelado. Plataforma que le sirvió para dar el salto en 1992 a las cámaras de gran formato, en un nuevo y amplio estudio con tres platós y ciclorama, dedicado a la fotografía industrial-publicitaria. En el año 2000, los avances tecnológicos le hicieron abrazar la fotografía digital.

Ha sido jurado en múltiples concursos fotográficos y sus trabajos han visto la luz en diversas publicaciones impresas y digitales nacionales e internacionales. Por otra parte, su labor ha sido recompensada con más de setenta premios y reconocimientos.

Urbano Suárez es miembro de las asociaciones fotográficas Foro Valencia Foto y Associaciò Fotogràfica d’Alaquàs. En la actualidad compagina la fotografía de producto, con la creativa de autor y concursos.

Muchas gracias a Urbano Suárez por confiar en el equipo de La Imprenta CG para la impresión de su fotolibro, ha sido estupendo poder participar en este proyecto.

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Presentamos uno de nuestros trabajos de impresión, Bestiario de Tierra y Tinta. El libro es una recopilación de los mitos y el folklore de la Península Ibérica, las Islas Baleares y las Canarias, una publicación en la que se combinan las ilustraciones y los textos, que aparecen en el idioma en el que fueron creadas, valorando la riqueza y la variedad lingüística de España.

Bestiario de Tierra y Tinta consta de 33 cuentos tradicionales sobre monstruos, criaturas y leyendas variadas, escritas en ocho idiomas hablados en España: Aragonés, asturianu, cántabru, català (en sus variedades oriental, occidental y balear), castellano, estremeñu, euskera y galego.

Por lo que respecta a las ilustraciones, antes de ser incluidas en el libro fueron publicadas originalmente, en una versión más reducida del proyecto, en Twitter. Esa primera prueba de Bestiario de Tierra y Tinta se pueden encontrar aquí.

Clara Dies (Nemi), autora de Bestiario de Tierra y Tinta

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¿Qué es la encuadernación cosida de libros?

La encuadernación cosida se basa en un sistema de fabricación de cuadernillos o pliegos que van cosidos entre sí con hilo vegetal formando un bloque compacto.

El cosido de los libros se realiza en 3 pasos:

1. Se doblan las hojas por la mitad, creando Dípticos.
2. Se insertan los dípticos uno dentro de otro para formar un cuadernillo.
3. Se cosen todos los cuadernillos conjuntamente para componer la tripa o mazo del libro.

Cómo se cosen los pliegos de los libros

Ya hemos visto los pasos necesarios para coser la tripa de un libro. La técnica no ha cambiado durante siglos, pero sí que han evolucionado las herramientas utilizadas. Hoy en día tenemos máquinas totalmente automatizadas que realizan el cosido de los libros.

En el siguiente video puedes ver una de estas máquinas trabajando en el cosido de un libro.

¿Cómo se distingue un libro cosido de un libro encolado? 

Si vemos el borde del libro superior o inferior, es fácil comprobar si las hojas de papel van pegadas directamente al lomo (encuadernación encolada, también llamada rústica fresada o encuadernación americana) o si van organizadas en cuadernillos y, al abrir por el centro de cada cuadernillo, podremos observar el hilo (encuadernación cosida).

Diferencias entre los libros cosidos y encolados

En los libros encolados o fresados las hojas de papel se pegan directamente al lomo del libro. Con el paso del tiempo, los productos empleados se oxidan, se resecan y se vuelven quebradizos, perdiendo su capacidad adhesiva, por lo que es más que probable que se desprendan hojas o se rompa el lomo del libro por la mitad.

Los libros cosidos también llevan cola adhesiva pero, aunque ésta envejezca, siempre permanecerá el hilo que mantiene las hojas unidas. Así pues, el método de encuadernación cosido presenta una mayor durabilidad y resistencia al paso del tiempo.

Otra característica que los distingue es que los libros cosidos se abren mucho mejor. Sin ejercer apenas presión, un libro cosido se puede poner encima de una mesa completamente abierto y plano. En cambio, los libros encolados tienden a cerrarse (es lo que llamamos efecto cepo) y no presenta ese carácter flexible, de poca resistencia, que resulta tan cómodo en las obras de consulta.

Ventajas de los libros cosidos

Así pues, resumiendo, los libros cosidos con hilo tienen varias ventajas que los convierten en una mejor opción frente a la encuadernación encolada.

1. Mayor durabilidad: El libro cosido dura más tiempo que el libro encolado, pues, aunque la cola se reseque, el hilo continúa manteniendo las hojas unidas. Todos tenemos por casa libros cosidos de nuestros padres o abuelos que siguen siendo perfectamente funcionales.
2. Abertura óptima: Los libros cosidos se abren mejor que los libros encolados. Un libro cosido se puede colocar plano sobre la mesa o en un atril. Si es pequeño quizás haya que forzar un poco su abertura, pero nunca se romperá porque el hilo sigue manteniendo las hojas unidas.

La principal ventaja de los libros encolados frente a los libros cosidos, es que en su fabricación hay menos manipulado por lo que resultan más económicos. Se trata de una diferencia a tener en cuenta, pues en muchos libros que son de lectura (poemarios, novelas, cuentos y también libros de no ficción…), es decir, cuando no se trata de libros de consulta o catálogos ilustrados con imágenes a doble página, tal vez no sea necesario que el libro se mantenga abierto completamente, por lo que no es necesario hacerlos cosidos. Además, las colas que utilizamos actualmente en la fabricación de los libros tienen una durabilidad mucho mayor que en los libros antiguos.

Los consejos de la Imprenta CG

En La Imprenta CG hacemos libros cosidos y también encolados con PUR o EVA. 

A continuación te recomendamos los usos más habituales de cada tecnología. Todas tienen sus ventajas. Consúltanos y te recomendaremos la mejor opción para encuadernar tu libro.

• Encuadernación Encolada cola PUR: Adecuada para tiradas cortas y papeles estucados. Económica y resistente.
• Encuadernación Encolada con cola EVA: Adecuada para tiradas largas de novelas, revistas y libros de lectura en general. Para papeles no estucados. Muy económica.
• Encuadernación Cosida con hilo: Para libros de calidad, duraderos, o cualquier publicación que necesitamos que abran plano sobre la mesa (por ejemplo libros de consulta, recetarios, manuales, catálogos y libros ilustrados con imágenes a doble página).

¿Cuánto cuesta imprimir un libro cosido?

Imprimir un libro con encuadernación cosida es un poco más caro que hacerlo con encuadernación encolada. Si tienes dudas ponte en contacto con nuestro departamento de atención al cliente y te las resolverán en el acto.

Las cubiertas de los libros cosidos

Una vez confeccionada la tripa del libro, el siguiente paso es ponerle las tapas o cubiertas. Existen dos tipos de tapas que se pueden aplicar al libro cosido: la tapa blanda y la tapa dura.

Libros cosidos con tapa blanda

La forma más habitual y económica de encuadernar un libro cosido es con una cubierta de papel grueso o cartulina. Para ello aplicamos la cola al borde del libro y lo pegamos a la tapa. Este proceso se conoce como cubrir el libro. A continuación lo cortamos por los bordes superior, inferior y lateral, para que el acabado de los bordes sea perfecto, con todas las páginas enrasadas.

Libros cosidos con tapa dura

La tapa dura se utiliza para libros de alta calidad, o cuando necesitamos un libro muy resistente y duradero. Consiste en una tapa de cartón rígido de 3 mm de grosor que se forra con papel impreso, tela, piel, etc.

Para unir la tripa del libro a la tapa se le añade un díptico de papel (de color liso o impreso con imágenes, tramas, etc) al principio y al final llamado guarda, una tira de tela en el borde del lomo llamada cabezada, y un refuerzo de papel o gasa que mantiene la estructura del libro y le proporciona la consistencia necesaria.

Ejemplos de libros cosidos

A continuación te mostramos algunos ejemplos de libros cosidos. Son una breve muestra de las posibilidades de este tipo de encuadernación, pinchando en la imagen puedes ampliar información sobre el libro.

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Greta Alfaro nos lleva al fin de la civilización a través del arte

La exposición y el catálogo En las alas de un murciélago conforman una muestra retrospectiva, comisariada por la crítica Isabel Tejada, de la obra de Greta Alfaro, con el desastre y el fin de la civilización como hilo conductor.

En las alas de un murciélago aborda, partiendo de los conceptos de cataclismo y de una Europa fantasmagórica, los imaginarios simbólicos de la distopía contemporánea.

La exposición, más que seguir un orden cronológico, se basa en el estudio de algunas de las obras de Greta Alfaro para la elaboración de un discurso acorde con los tiempos en los que vivimos la pandemia y la reclusión.

Según la comisaria de la muestra, Isabel Tejeda, se trata de “un relato alternativo que reflejara el estupor y la incertidumbre que estábamos sufriendo. La recepción que estaba realizando de las obras de Alfaro se teñía con la experiencia diaria del silencio en las calles que se percibía desde el balcón, única ventana a lo contingente, conectándose la mayor parte de ellas con una idea de cataclismo que, aunque por supuesto existe en la obra de Greta Alfaro, se actualizaba día a día”.

La obra de Greta Alfaro

Con sus obras, la artista navarra Greta Alfaro intenta subvertir la realidad y mostrar lo que se oculta tras ella, introduciendo elementos que distorsionan las imágenes y que nos muestran un mundo escondido que prevalece en las relaciones humanas. En el comportamiento animal y los mundos que coexisten en este mundo. Puertas abiertas a elementos inquietantes que desvelan otras realidades.

Para Alfaro, la voracidad, el odio, el rencor, el carácter depredador de las personas son elementos que a menudo quedan fuera de campo para describir y comprender el puzle de la condición humana.

Encender la luz y alumbrar las zonas que a menudo son obviadas, negadas, ocultadas en virtud de una necesidad de redención.

El arte de Alfaro nos pone frente al espejo de nuestra propia animalidad salvaje. Nos enfrenta a esos aspectos que queremos ocultar a través de las formas sociales, que se han encargado de ir escondiéndolos bajo capas de representación y refinamiento.

Greta Alfaro nos lleva también a los lugares donde se gestan las decisiones, al gran teatro del mundo en el que el espectador es a su vez actor y público. Y nos enseña cómo todos ocultamos nuestros crímenes, esos que cometemos a diario en los despachos, en la cola del supermercado o en los rellanos de las escaleras.

Un trampantojo barroco que atrapa al espectador en un juego que pretende desenmascarar la realidad y hacer tambalear las murallas de la convención social. Los disfraces que la educación y el poder dominante aplican para perpetuar su posición y privilegios.

Un libro objeto para una exposición de lujo

El catálogo que hemos impreso para la exposición En las alas de un murciélago, es mucho más que una colección de fotografías y textos. En un libro objeto en sí mismo, realizado bajo la dirección artística de Isabel Tejeda, la propia Greta Alfaro y coordinado por Javi Moreno e Ilda Caeiro.

Con el diseño de Dídac Ballester y Nacho Pérez, el catálogo cuenta con dos papeles diferentes en el interior, cosido con solapas y tapa blanda.

En la portada, el golpe seco y la tinta especial de la cubierta, dorada, otorga al libro el aspecto de un objeto sagrado y precioso, como una caja ritual o sagrario.

Sin duda, para nosotros ha sido una experiencia única participar como impresores en este proyecto tan especial.

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En pleno auge tecnológico, cuando la prosperidad económica nos dejaba acariciar una idea prometedora de futuro y creíamos vivir tranquilos en un sistema indestructible, hemos sufrido un durísimo golpe que ha puesto en solfa nuestra seguridad y las estructuras sobre las que se sustentan nuestro mundo y nuestras convicciones.

La  pandemia se ha encargado de recordarnos cuán frágiles y vulnerables seguimos siendo y con qué facilidad las cosas pueden desaparecer. Pero también esta situación crítica ha sacado lo mejor de nosotros mismos. En los hospitales y centros de salud, los médicos y el personal sanitario han dado lo mejor de sí mismos para salvar vidas.

En ese sentido, el fotolibro La UCI en tiempos de Pandemia de Fran Fernández que hoy os presentamos, constituye un ejemplo de la intensidad vivida en estos lugares. Fran Fernández es fotógrafo y enfermero de la UCI en el Hospital Juan Ramón Jiménez de Huelva y, durante 2020, ha sido testigo privilegiado del miedo y el caos vivido en las salas del centro hospitalario, pero también de grandes momentos de sentido de la responsabilidad, de empatía y constante actitud de lucha que han mantenido los equipos médicos para salvar vidas.  Este fotolibro editado por el propio Fran Fernández, cuenta muy bien de forma visual esa intensidad vivida. El mismo autor nos lo cuenta.

La UCI en tiempos de Pandemia. Por Fran Fernández

Mi proyecto Fotográfico se titula “La UCI en tiempos de pandemia”, y pretendo visibilizar el duro trabajo, esfuerzo y dedicación del personal sanitario de la UCI. Las fotografías se realizan en la UCI del Hospital “Juan Ramón Jiménez” de Huelva durante los meses críticos de la pandemia del Coronavirus.

Consiste en un proyecto fotográfico, de 71 fotografías que muestran desde una perspectiva estética, visual y artística las diferentes situaciones que se han vivido por parte del personal sanitario en el cuidado de pacientes con covid-19. Constituyendo un documento gráfico único, de una época que al fin y al cabo formará parte de nuestra historia, una realidad dramática, que aunque a veces disfrazada de ficción, y que preferiríamos olvidar, este fotolibro ayudará en un futuro a recordar una época tan convulsa a todos los niveles. Y que además por el difícil acceso a entornos sanitarios por parte de los medios, convierten estas imágenes en una muestra exclusiva del epicentro de la crisis en un momento en que los contagiados más críticos se debatían entre la vida y la muerte.

El libro ha sido autoeditado y maquetado por el propio autor de las fotografías, Fran Fernández, y todos los textos que aparecen en el fotolibro son obra de Rosa Mª Cossi.

Mi experiencia con La Imprenta CG

Cuando uno se plantea llevar a lo físico y tangible, es decir al terreno impreso, su proyecto al que le ha dedicado tantas horas, dedicación e ilusión, es importante en manos de quien dejas este proceso. Y para mí la experiencia que he tenido con La Imprenta CG ha sido excelente. En todo momento ha habido una comunicación continua y fluida, tanto por email como telefónica, lo que da sensación de cercanía.

Además aunque uno tiene bastantes cosas claras de cómo quiere que sea el resultado final, su equipo siempre te va asesorando en cuestiones de material (papeles, gramaje, formatos, etc ), y en cuestiones técnicas, para que finalmente quedes satisfecho con el producto final. Aconsejo la opción de prueba de impresión o maqueta (Muestra Previa), porque servirá para ir puliendo y afinando cualquier detalle o fleco suelto, y permitirá garantizar el acabado deseado.

Interior del libro.

Fran Fernández. Enfermero y fotógrafo

Enfermero con 25 años de experiencia y graduado superior en fotografía artística en 2015 en la escuela de arte León Ortega de Huelva, Fran Fernández ha cosechado destacados premios y galardones en certámenes fotográficos a nivel nacional e internacional, destacando ser ganador en dos ocasiones en la categoría Ciencia en los MIFA (Moscú International Foto Awards), y TIFA (Tokio International Foto Awards). También ha recibido numerosas menciones de honor y medallas como en los IPA (International Photo Awards), Prix de la Fotografía de París, y en los Fine Art Photo Awards de Londres, además ha obtenido varias menciones FIAP y ha sido finalista en conocidos concursos de Foto reportaje o documentalismo, como en la bienal de aphotoreporter, en 2107 y 2019. Recientemente ha sido nombrado Artista CEF por la Confederación Española de Fotografía, exponiendo obras en ciudades tales como; París, Moscú, Tokio, San Petersburgo, Minsk, Madrid  y otras muchas. Sus proyectos más reconocidos y premiados tratan sobre fotografía documental de temas o ámbito sanitario, siendo alguno de ellos publicado por el periódico El País.

El fotógrafo Fran Fernández

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El vídeo ha sido dirigido por Leandro de la Rosa. El guión es obra de Claudia Acevedo.

Un libro es un show con muchos profesionales detrás

Las imprentas constituyen el último eslabón en la cadena de producción de los libros, una cadena de valor que incluye miles de personas en todos los países (autores, editores, impresores, distribuidores, libreros, etc)…  Los impresores reciben los archivos y en colaboración con ellos se detallan los acabados que hay que tener en cuenta. Casar bien portadas y portadillas, ajustar los lomos o decidir los materiales de portada son algunos de los elementos que se discuten y se acuerdan para obtener el mejor resultado final, ajustado a los objetivos de difusión y venta.

Nuestros compañeros, Miguel y Evaristo, revisando la producción de un libro.

La directora de La Imprenta CG, supervisando el acabado de los libros antes de su envío.

Poder llamar la atención en las librerías para que el lector-cliente se fije en un libro y no en otro y decida llevárselo a casa. Por ello los libros llevan a menudo diseños llamativos, o efectos en las cubiertas (stamping, golpe en seco, fajines, barnices uvi, encuadernaciones especiales…). Aunque evidentemente, lo que realmente importa es el contenido y la forma de narrar de los autores.

Pre impresión e impresión de libros. Dos etapas de un proceso

El proceso de producción pasa por dos etapas: la pre impresión, donde se escanean, se retocan las imágenes, se hacen pruebas de color y se elige el papel. Esta fase culmina con la impresión de una prueba o maqueta en la que se revisan los detalles antes de lanzar la impresión, segunda fase del proceso, que consiste en la producción final del libro. Dependiendo de la tirada, se imprimirá en digital (tiradas cortas, hasta 300-400 libros) o en offset (tiradas largas, a partir de 400 ejemplares).

¿Epub o libro impreso? Un modelo de convivencia

A pesar de que los formatos digitales de lectura han ganado mucha presencia en nuestras vidas, el libro impreso sigue gozando de buena salud y en la actualidad conviven ambos formatos. El formato físico sigue siendo imprescincible en la forma de adquisición del conocimiento. Nuestra constitución neurológica está hecha para que ojos, manos, dedos, mente formen parte de un complejo sistema sensorial.

El libro impreso sigue siendo un soporte insustituible en el proceso de adquisición y transmisión de conocimiento.

Autores y editores, una combinación basada en la confianza mutua

Si escuchamos atentamente el vídeo, veremos que el trabajo del editor consiste en concretar la obra con el autor y que pueda llegar a los lectores. Una relación “de fe” en la que se marcan unos objetivos que a veces se cumplen y a veces no. Ahí reside uno de los nudos que marca el éxito de los proyectos editoriales.

El gran escritor cubano Leonardo Padura participa en este vídeo y apuesta por la Editorial Aurelia. Esta confianza mutua es básica para impulsar los proyectos editoriales, y desde La Imprenta CG lo celebramos y lo vivimos con orgullo, pues tener un embajador de tanta altura como él solo puede redundar en éxito para nuestro compañeros editores (y para nosotros :)).

El escritor cubano Leonardo Padura en un momento del vídeo.

Además, Padura sentencia su aparición afirmando: “el libro es un bien cultural que ejecuta su destino en el mercado. Por ello hay que atender al mercado para que los libros lleguen a sus lectores”. Una sentencia que nosotros compartimos completamente.

El vídeo «Un libro es un show»  ha contado con la colaboración de la Embajada de España en Cuba (AECID) y La consultora editorial La Errata.

Claudia Acevedo, guionista del vídeo ‘El libro es un show’ y editora de Aurelia Ediciones.

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El catalogo es fruto de una exposición que permanecerá  en la Sala de exposiciones de Algemesí y que podrá verse hasta finales de mayo.

El equilibrio en el diseño 

El propio Óscar Vázquez nos cuenta en este texto cómo ha sido el proceso de diseñar este catálogo.

«Cuando el comisario de arte Alex Villar me encargó realizar el catálogo del artista JARR, la idea me entusiasmó. Como fotógrafo y diseñador, enfrentarse al papel en blanco es todo un reto. Había fotografiado toda la obra que iba en el catálogo. También había leído el texto maravilloso de Martí Domínguez con el título de la exposición “el fil “. Éste fue el detonante para encauzarme con el hilo como elemento guía y realizar las fotografías para conferir un concepto al trabajo dejando la obra en un plano superior visualmente.»

«Cuando realizo un trabajo te debes al artista. El buen diseño y las buenas fotos deben estar, es mi trabajo, pero siempre tiene que haber un respeto hacia la obra y me siento como un aliado para llevarla por el buen camino. El blanco y negro iba a ser solemne, con el  retrato de JARR mirando a cámara, el color lo dejé en sus obras y en su nombre. Creo que la idea ha funcionado, la trayectoria de JARR es magnífica  a la vez que él sigue cosiendo poco a poco su obra tan personal, mostrando talento y placer para los que vemos su arte en un catalogo impreso con gran calidad y mimado hasta el último detalle.»

«el fil» és el leit motiv principal que estructura el contenido del catálogo.

Las páginas del libro van transcurriendo y la madeja artística de JARR se va desvelando al lector…

La exposición. Colaboraciones

Respecto de la exposición, el comisario de la exposición Alex Villar nos muestra el universo de JARR en una sala hecha a medida para la obra del artista. También Villar nos deja un texto en el catálogo, a la vez que el escritor y crítico Martí Domínguez nos deleita con otro texto en el que profundizan en los mundos de JARR. En la sala se puede ver un estupendo video del creador Lacruzconcept con un gran impacto visual. Todo esto coordinado bajo la supervisión de Josep Lozano y Lluís Nadal de la agencia NIL Comunicación. Todo ha sido posible con el esfuerzo del Ayuntamiento de Algemesí donde la Alcaldesa Marta Trenzano y el Regidor de Cultura Pere Blanco apuestan por una cultura visionaria y contemporánea para el deleite de una ciudad como Algemesí cada vez más implicada en las acciones artísticas impulsadas por Alex Villar.

En este vídeo podéis ver la exposición de la mano del propio JARR.

Óscar Vázquez Chambó. Diseño, fotografía y audiovisuales

Tras varios años en el mundo televisivo, en 2003 forma su propio estudio y se centra en el trabajo de la fotografía contemporánea, el diseño y el video. Imparte cursos y clases magistrales como docente y es comisario de exposiciones para la Universidad de Valencia y ESAT. Realiza fotografía de estudio, catálogos de arte, editoriales etc. Ha expuesto en galerías de arte y museos como Ibalart, Ciclorama, El Fotomata, Museo Muvim. Galeria Railowsky, Las Naves. Expone sus obras en festivales de arte como FAP, Efímer, Incubarte ,Ciutat Vella, Arte Open Views, Intramurs y en las ferias de arte de Valencia  y  Estampa de Madrid.

Para conocer mejor a Óscar Vázquez Chambó, aquí te dejamos algún link:

Su web:  www.oscarvaz.com

Blog personal

Instagram

Youtube

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Mulier: reivindicando el trabajo de mujeres artistas y  diseñadoras

Mulier nace ante la necesidad de mostrar los trabajos de mujeres jóvenes pertenecientes a la rama del arte y el diseño. La línea editorial de esta revista, influenciada por el movimiento feminista, pretende aproximar al lector el trabajo de las nuevas creadoras y poner en común ideas sobre la visualización de las mujeres en el mundo del arte.

El nombre de la revista Mulier proviene del origen etimológico de la palabra mujer. Su filosofía engloba la lucha constante del género femenino para ser visualizadas y valoradas al mismo nivel que el género masculino.

Cada número muestra el trabajo artístico de cinco mujeres jóvenes, con más de 100 páginas con un diseño y una estructura simple y clara. El gramaje y la calidad de sus páginas dan consistencia a las historias que hay en su interior. La calidad de las fotografías en blanco y negro y a color se completan con una entrevista en profundidad y dan como resultado un proyecto cuidado y delicado, un producto para tratar con cariño.

La maquetación y las fotografías de Mulier están sumamente cuidadas.

Valorar e impulsar el trabajo de personas que se están abriendo paso en el mundo del arte, ese es el fin de esta publicación. Las imágenes plasman su forma de ser y las entrevistas explican su recorrido, tanto a nivel profesional como a nivel personal.

El beneficio que aporta este proyecto al cliente al que va dirigido es el tener un medio, un lugar, un espacio donde descubrir, apoyar y disfrutar de sus historias.

Colaboraciones de lujo en la revista Mulier

El primer número de Mulier nace como proyecto final del curso Superior de Fotografía en la EASD Alcoy. El texto y las imágenes han sido realizadas por Cynthia Manchón. Así como la maquetación, que contó con la colaboración de  mi compañera Monica Polonio. Además, cuenta con un artículo de opinión sobre feminismo de la periodista Jésica Sempere.

Tras publicar el trabajo en redes sociales, la demanda comenzó a crecer, por lo que la autora decidió imprimir una tirada de 100 ejemplares en La Imprenta CG. «La calidad de los papeles de muestra me convencieron de que ellos iban a ser una buena elección y así fue. Tanto los papeles, como la impresión y la entrega fueron increíbles y por ello decidí continuar con ellos, ya que todos los clientes se enamoraron del producto final», afirma Cynthia Manchón.

Para financiar el segundo número Cynthia Manchón realizó un crowdfunding con Verkami. Consiguió el objetivo para llevar a cabo el proyecto y cubrir los gastos de impresión, packaging, envío y colaboraciones. En este cuarto número, empresas creadas por mujeres quisieron ayudar: Silvia Soler, Lydia González, Gemma Terol y Belinda Bonan.

Cynthia Manchón contó con la colaboración de Irene Morant, creadora del proyecto Sororidad Creativa, un proyecto que reivindica también el papel de las mujeres creativas y con el artículo de opinión de la periodista Sheila García sobre el empoderamiento de la mujer.

Sin duda, una iniciativa necesaria y ejecutada con gran talento y esfuerzo.

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PAM! PAM!, artistas jóvenes en lugares de reconocimiento

La exposición PAM!PAM! surge con el objetivo de poder mostrar la creación más contemporánea de jóvenes artistas formados en los másteres públicos de la Facultat de Belles Arts de la Universitat Politècnica de València, que generan sus proyectos específicamente para un espacio expositivo de reconocido prestigio de la ciudad de Valencia. Fruto de diversos acuerdos institucionales, sus distintas ediciones han tenido lugar en el Centre del Carme-Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana (2014, 2015 y 2016), el IVAM (2017) y la Sala Atarazanas del Ajuntament de València (2018 y 2019).

PAM!PAM! se incuba en el programa PAM!, iniciado en 2013. Un comité de expertos en el que están representados los colectivos artísticos más estrechamente vinculados al mundo del arte valenciano, selecciona en cada convocatoria a los 10 artistas que formarán parte de la exposición PAM!PAM!, poniendo a su disposición ayudas para la producción de la obra.

Los catálogos PAM!PAM!17, PAM!PAM!18 y PAM!PAM!19 muestran la obra de los artistas que expusieron en el IVAM en 2017 y los que expusieron en Sala Atarazanas en 2018 y 2019 respectivamente. Incluyen textos de los comisarios Laura Silvestre García y José Luis Clemente (Universitat Politècnica de València), José Galindo (Decano de la Facultat de Belles Arts UPV), Marta Arroyo y Sandra Moros (IVAM) y Johanna Caplliure (crítica de arte).

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El propio Rubén Montes nos cuenta cómo surgió este libro y de la importancia de conocer nuestros orígenes y de conservar la memoria de nuestros antecesores.

Rubén Montes, un emprendedor de aficiones literarias y cinegéticas

Librosdecaza.com es un proyecto que surgió sin buscarlo expresamente. Es cierto que yo he sido siempre muy emprendedor, y nunca dejo escapar una oportunidad de negocio. Después de muchos errores y pérdidas, actualmente tengo mi propia empresa de producción audiovisual y, aparte, mi proyecto de Libros de Caza. He conseguido que mi trabajo se centre en mi hobby, que es la caza. Siempre escuché que si trabajas en lo que te gusta, no trabajas. Así me siento.

Librosdecaza.com se trata de una librería online, centrada en un nicho de mercado: los cazadores. Me di cuenta de que a este público le gustaba y consumía bastante literatura sobre su afición: la caza. Empecé por una película, “Aguardo, la última luna” que hice cuando estaba iniciando mi productora audiovisual. La colgué en la red social de Youtube y tuvo una gran acogida. Después decidí escribir el libro “Narraciones de caza del abuelo” que seguía la historia de la película. Y finalmente lancé esta librería online para cazadores.

“Aguardo, la última luna” es una película que se rodó en 2019 con pocos medios y poco presupuesto. Una historia sobre las esperas del jabalí, donde abuelo y nieto van tras un gran macareno durante el verano. El personaje del “Abuelo”, encarnado por el actor José Soler, emocionó a muchos cazadores. La historia que cuenta esta película de 54 minutos, no destaca por la venatoria en sí, sino por la relación estrecha que une a abuelo y nieto gracias a la caza.

“Narraciones de caza del abuelo” es un libro para leer junto al crepitar de la lumbre, que es el lugar donde saben mejor las historias de caza. Sus páginas, aunque huelen a tinta recién impresa, guardan el sabor de lo antiguo, de la caza castiza en la sierra, de paralela y cartucho de bala y humo de tabaco de liar.

Este libro cuenta la vida de un hombre que pudo ser cualquiera de nuestros abuelos. Habla de sus propios maestros, de los que nacieron tal día como hoy hace más de un siglo. Habla de los primeros conejos cogidos a lazo, por entonces, y de las liebres que quitaban de pasar hambre a los pastores. Habla de aquellos ganchos con cinco escopetas, tres podencos, una mula y una sartén de gachas en el centro, sin sorteos ni permisos. Narra lances a venados, machos monteses y cochinos entremezclados con el deambular de la vida rural antigua. El huerto, las setas, el ganado y las cuatro estaciones son las preocupaciones de estos personajes que aparecen a lo largo de la historia.

Los tiempos cambiaron, y hubo que rendirse a la evidencia. El protagonista experimenta el paso de la vida, la tragedia y la alegría, los cambios en las formas de cazar y finalmente el peso de la vejez. Satisfecho y feliz, acepta lo que trae cada tiempo y ve venir a unos y marcharse a otros. Su nieto lo acompaña en el tramo final hasta que “La última luna” zanja la historia con un enorme macareno por testigo.

El abuelo es un personaje inventado. Tiene cosas de todos mis maestros en la caza, como mi abuelo verdadero. Esta historia está basada en hechos reales, en parte. En él me reflejo a mí mismo también, sin haberlo hecho a propósito. En este libro hablo de un cazador, pero también expreso lo que siento por la caza y por la vida misma.

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Llegir i tocar el paper, una necessitat de les persones

Per a nosaltres es una revista molt interessant perquè, a banda del gran interés dels seus continguts, ens fa reflexionar sobre la necessitat de seguir adquirint coneixements a través del suport paper. En un temps on els suports digitals han guanyat la mà a les revistes, diaris i publicacions impreses, no deixen d’eixir propostes en paper que, d’alguna manera, continuen reivindicant un temps i una serenitat de lectura molt diferents, d’assossec i plaer conscients. Ens allunyen de la immediatesa tan volàtil dels ipads i la resta de dispositius electrònics de lectura, i ens proporciona la reconnexiò física (neurofisiològica) tan necessària entre la nostra vista, el pensament, les nostres mans (els dits al passar les pàgines…), i la materialitat del suport paper, amb la seua textura, flexibilitat, tamany de la revista…

Foguera se composa de 68 pàgines i els seus continguts giren al voltant de diversos eixos temàtics: la precarietat dels treballs creatius, la cultura, internet i la comunicació en les xarxes, i les noves tecnologies. Ha sigut impresa als nostres tallers de La Imprenta CG en un format de 14 x 21 cm (A5) en paper offset de 100 g, un paper de textura porosa que accentua el caràcter orgànic que vos comentavem. El disseny gràfic i maquetació són obra de l’estudi Mineral Gràfics.

Un fanzín finançat amb Verkami

Per a fer possible la seua producció, Foguera ha seguit un procés de micromecenatge a través de la plataforma Verkami.

La revista ha comptat amb més de 30 col·laborador(e)s de perfils i àmbits d’especialitat molt diversos: periodistes, professors, il·lustradors, dissenyadores, escriptores, guionistes, etc.

Si vols conéixe més detalls sobre la revista i les persones que han col·laborat, fes clic ací.

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Un fotolibro para recordar el confinamiento

El 15 de marzo de 2020, pocos días después del principio del confinamiento, la fotógrafa Teresa Uzeda lanzó una idea en las redes sociales. Consideraba importante, al entrar en un periodo que todavía no podíamos entender, conservar una huella y también poder unirse colectivamente en un proyecto que tuviese sentido, cada uno estando en su casa, conociéndose o no.

Fue entonces cuando surgió la idea de realizar un libro, modestamente en su principio. Sería un cuaderno sobrio, accesible para que todos lo pudieran comprar y, sobre todo, para que pudiera generar algún beneficio que se destinaría  a ayudar a los que trabajan día a día salvando a los más débiles. De hecho, la recaudación íntegra de la venta del fotolibro se donará al personal sanitario que trabaja día a día salvando vidas.

El nacimiento y crecimiento de un fotolibro

El proyecto de Teresa Uzeda fue rápidamente secundado a través de las redes sociales por Gabriela Cendoya Bergareche y, al pasar los días, llegaron otros 46 fotógrafos más, de toda condición y varios orígenes: España, Francia, Italia, Bélgica…

Teresa y Gabriela se juntaron con Christophe Le Toquin y Francisco Llop Valero para asegurarse ayuda técnica y logística y formaron un comité editorial entre los cuatro: había que pensar en la maquetación, preimpresión y encontrar la imprenta que asegurase la realización del libro, incluso en unos días tan extraños. En ese punto es donde La Imprenta CG se involucra en este proyecto.

Se impusieron unas reglas a seguir para conformar lo que sería el fotolibro y facilitar una narración coherente y unitaria: mandar entre 2 y 5 fotografías en blanco y negro, siendo la elección final de dos fotografías por autor, en doble página a sangre.

“Novis Corpus”, el titulo, fue propuesto por Patrick Maille, uno de los participantes. El latín de cuerpo nuevo sería el significante para esta obra, la creación de un nuevo organismo más fuerte para luchar contra el virus mortal que nos encerraba en casa y nos amenazaba a todos, una respuesta colectiva, la única manera de abarcar esta peligro.

En diez días, llegó el «corpus» de los 48 autores y empezó la edición, seleccionando, buscando una forma, un ritmo para contar una historia colectiva.

En total, se reunieron 96 fotografías que representan las visiones y maneras de expresar la inquietud ante la incertidumbre y el desasosiego de cada autor.

Según los impulsores del proyecto, el fotolibro “es oscuro en su encerramiento y ansiedad, cargado de miedos e incertidumbres, de gritos y silencios. También busca la claridad, la vuelta a la luz, el futuro ansiado y apaciguado. A flor de piel, quiere describir el tiempo futuro, cargado de nuestros recuerdos. Este libro es como una cicatriz de la que nos podemos todos enorgullecer. Juntos nos hará más fuertes”.

Los fotógrafos cuyas obras aparecen en «Novis Corpus» son: Marie Geneviève Alquier, Pascal Anders, Brigitte Bauer, Christopher de Béthune, Miguel Ángel Blanco, Alex Bocchetto, Cristina Brea Lodeiro, Rocío Bueno, Cristiano Buffa, Gabriela Cendoya Bergareche, Pierre Defaix, Serge Elissalde, Pía Elizondo, Emmanuelle Gabory, Anna Galí, Alfonso Gómez, Ramiro Gomez, Amaia González, Blas González, Héctor Jácome, Katarina Johnson, Lu Lantana, Christophe Le Toquin, Francisco Llop Valero, Alex Llovet, Juan López, Patrick Maille, Paco Martí, María Martínez Artola, Jeanne Minier, Oriol Miñarro, Roberto Morales, Antonio Moreno, José Luis Moreno, Aitziber Orkolaga, Pako Pimienta, Annakarin Quinto, Paco Ramos, David Salcedo, Luis Salinas, Antonio Segura, Marc Tallec, Paco Tamayo, Rafael Tanaka Monzó, Joan Teixidor, Teresa Uzeda, Pierre de Vallombreuse y Joël Van Audenhaege.

Ficha técnica del fotolibro «Novis Corpus»

116 paginas, formato A5.

Cubierta blanda mate.

Ilustración cubierta y contracubierta: Michel Lauricella.

Texto: Sadreddine Areski.

Traducción: Lucía Boscà Gómez

Edición: Teresa Uzeda Gabriela Cendoya Bergareche

Apoyo logístico y técnico: Christophe Le Toquin y Francisco Llop Valero

Tirada 500 ejemplares. Abril 2020.

Papel: Gardapat Klassica 130gr.

Impreso en los talleres de La Imprenta CG.

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València. Ephemera y publicidad: la imagen de una ciudad a través de sus impresos

El término ephemera se refiere a los materiales escritos e impresos de corta duración que no son producidos para que se mantengan o se conserven. La palabra deriva del griego y significa, cosas que no duran más de un día.

El libro València. Ephemera y publicidad tiene por objetivo inmortalizar y preservar ese arte y diseño efímero.

Publicado por la Concejalía de Patrimonio y Recursos Culturales del Ayuntamiento de València, el libro València. Ephemera y publicidad recopila más de 2.000 imágenes, en sus más de 400 páginas, procedentes de los archivos de los coleccionistas valencianos José Huguet y Andrés Giménez y que cubren un periodo de alrededor de un siglo de todo tipo de material ephemera.

La publicación recoge tarjetas de visita, facturas, paipays publicitarios, recordatorios de comunión, esquelas, etiquetas de botellas y de cajas de naranjas, entradas a espectáculos, calendarios, diplomas e infinidad de documentos vinculados a la ciudad de Valencia.

En definitiva, esas pequeñas cosas que contribuyen a crear la imagen de una ciudad, de una época.

Ephemera: un coleccionismo al alza

Acompañando a las numerosas imágenes de alta calidad, el libro contiene textos de Arturo Cervellera y Ángel Martínez, expertos en la cultura y las tradiciones de Valencia, en los que analizan diversos temas como el mismo coleccionismo de ephemera, la industria, las imprentas o la publicidad…

En definitiva, nos ayudan a vislumbrar cómo era la vida cotidiana en la ciudad de Valencia hace décadas a través de estos impresos humildes y cotidianos, nacidos para no durar, pero convertidos ahora en pequeños tesoros.

Son ya numerosas las colecciones y las publicaciones dedicadas a recoger ephemera, un tipo de etiquetas, objetos, recordatorios… que reflejan el estilo y la forma de vivir de su época. Maneras, modas, costumbres y hábitos de la ciudad de Valencia quedan perfectamente reflejados en este libro que hemos tenido el placer de imprimir.

¡Esperamos que os guste!

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Jorge Ballester: el arte valenciano desde los años 60 al siglo XXI

La exposición Jorge Ballester: Entre el Equipo Realidad y el silencio estará abierta al público en el IVAM de Alcoi hasta el 26 de abril de este año y reúne una selección de 93 obras del Equipo Realidad y Jorge Ballester,  entre 1965 y 2013; algunas de ellas inéditas.

La exposición se estructura en nueve bloques: Equipo Realidad, Hazañas bélicas, Años de plomo, A vueltas con el cubismo, Ellos-yo, Jodasel, Pugilatos al margen, Hypnerotomaquia concupiscente y En compañía de la soledad; que recorren las etapas del artista.

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Por tanto, la muestra es una revisión conceptual y cronológica de su trayectoria que profundiza también en el contexto histórico y social que rodeó la producción de sus obras, mostrando el sentido crítico y el compromiso que impregnó el trabajo de Jorge Ballester.

La exposición comienza con la producción de los años 60 en los que Ballester funda, junto a Joan Cardells, el Equipo Realidad; un colectivo que representó la vanguardia del arte valenciano y que forma parte de la historia del arte desde mediados del siglo XX hasta ahora.

Temas como el consumismo, la falta de libertad política o el papel de la mujer en la sociedad protagonizan las obras; siempre con una gran carga satírica y de denuncia; alejado de los convencionalismos del mercado del arte.

La muestra continúa con la etapa en solitario de Jorge Ballester, que se caracteriza por una etapa de silencio público, con obras más personales e íntimas, marcadas por el disfrute de la pintura, pero cargadas de la misma intensidad y el mismo compromiso.

Un catálogo para la exposición

Para esta exposición se ha editado un completo catálogo, que hemos tenido el placer de imprimir en La Imprenta CG, en el que se incluyen textos críticos de los comisarios Joan Dolç y Jaime Brihuega y la reproducción de las obras instaladas en la exposición.

El catálogo ha sido diseñado por Gonzalo Mora, al igual que el grafismo de la exposición Jorge Ballester: Entre el Equipo Realidad y el silencio.

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Al hilo de… la fotografía, explorando la obra de cinco creadores

El formato de la exposición Al hilo de… la fotografía explora la obra de los fotógrafos Mira Bernabeu, Ángel Marcos, Ana Palacios, Castro Prieto y Gervasio Sánchez; lo que invita a recorrer los distintos lenguajes de la fotografía, al tiempo que promueve el diálogo entre los diversos trabajos ya que, aún tratando temáticas diferentes, todas las fotografías confluyen en un mismo punto: el ámbito de lo social y la búsqueda por enseñarnos lo que no vemos.

En palabras de Alicia Ventura, comisaria de la exposición, Al hilo de…la fotografía es un reflejo de los diferentes lenguajes de la fotografía contemporánea española. En este catálogo se muestra una selección de las fotografías expuestas que nos permiten navegar por estos lenguajes.

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El ámbito de lo social como punto en común

La exposición Al hilo de…la fotografía empieza con Panorama de bienes y servicios, quinta entrega de la serie creada por Mira Bernabeu. En esta ocasión, el fotógrafo nos muestra instantes capturados durante más de año y medio en sus visitas al Hospital de Dénia.

De aquí seguimos hasta toparnos con La subversión íntima, de Ángel Marcos. Un trabajo fresco y diferente, en el que analiza mediante sus fotografías el capitalismo y la fuerza de las relaciones personales.

Con Albino, de Ana Palacios, nos enfrentamos a una visión fotoperiodística de las complicaciones médicas, circunstancias económicas y discriminación social asociadas las personas albinas en el continente africano.

Al mismo tiempo, Castro Prieto (Premio Nacional de Fotografía en 2015) junto al escritor Andrés Trapiello, reúne con La seda rota un relato literario-fotográfico de la casa abandonada de la familia Madrazo tal y como se les presentó.

Cerramos el relato con el fotoperiodista Gervasio Sánchez, Premio Nacional de Fotografía en 2009, que en esta ocasión nos presenta Vidas Minadas proyecto de vida todavía en activo. Un recorrido desolador mostrando la realidad del impacto y las consecuencias de los artefactos explosivos.

Ficha técnica del catálogo de la exposición

Medidas: 15 x 20 cm.

124 páginas.

Encuadernación rústica fresada.

Diseño y maquetación a manos de Gimeno Gràfic.

Impreso en los talleres de La Imprenta CG.

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“Escuelas innovadoras y familias creativas. Una guía por las mejores prácticas del mundo para transformar juntos la educación” es un libro, que hemos impreso en La Imprenta CG, en el que el experto en innovación educativa Alfredo Hernando analiza 50 ejemplos exitosos de escuelas internacionales y propone 80 actividades prácticas para niños y adolescentes de 6 a 16 años que dibujan un marco de trabajo para que cualquier docente o familia haga efectivo el aprendizaje de la creatividad en la escuela y en el hogar. Si te interesa, puedes descargar la versión en PDF pulsando este enlace.

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“Escuelas innovadoras y familias creativas”: la importancia de la imaginación

Para Alfredo Hernando la creatividad es “el mayor activo de nuestra sociedad y el mejor tesoro para el desarrollo del proyecto vital pleno de cada estudiante. Sabemos además que es una competencia que se enseña y se aprende, que se puede entrenar en el día a día de estudiantes, docentes y familias”.

Según el autor, la creatividad es el fruto de la mezcla de ocho ingredientes imprescindibles: imaginar, trascender, colaborar, transformar, persistir, indagar, organizar y reflexionar.

La irrupción de la tecnología, las tasas de fracaso escolar, la preparación para el futuro laboral o la sociedad del cambio permanente son grandes retos para el sistema educativo y para las familias. El fomento de pedagogías críticas, inclusivas, participativas y creativas es más necesario que nunca para la adaptación a un mundo en continua y rápida transformación.

Escuelas innovadoras y familias creativas es una guía que nace del estudio de Acción Magistral con el objetivo de proponer un marco de trabajo para promover el aprendizaje de la creatividad tanto en la escuela como en el hogar.

De Estados Unidos a Taiwán. Pasando por México, Canadá, Bogotá, India y África. La guía escrita por Alfredo Hernando es un viaje por todo el mundo para descubrir las propuestas educativas más innovadoras y exitosas, que apuestan por un desarrollo integral y competente a través del fomento de la creatividad de niños y adolescentes. Una lectura imprescindible y muy recomendada a centros educativos, colegios, universidades, docentes y familias que creen en la eficacia que supone utilizar metodologías creativas a largo plazo para asegurar un mejor futuro.

Ficha técnica de “Escuelas innovadoras y familias creativas. Una guía por las mejores prácticas del mundo para transformar juntos la educación”

314 páginas.

Encuadernación rústica fresada.

Colaboran en este proyecto: Acción Magistral, Fad, BBVA y Comisión Nacional Española de Cooperación.

Proyecto editado por FAD.

Maquetación: Agencia Touché.

Impreso en los talleres de La Imprenta CG.

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Con presencia en más de 20 países y diseñado y desarrollado 100% en España, B10 apuesta por productos nacionales, elegantes y de calidad.

Catálogo B10, el baño como un spa privado

El baño se ha convertido, más allá de su carácter práctico, en un pequeño oasis de calma en medio de la locura y el estrés cotidianos. Baños10 pone al alcance de los hogares un nuevo concepto del espacio del baño: auténticos spas privados donde disfrutar de un espacio de relax y de paz. Productos de líneas sencillas y minimalistas que se mimetizan en armonía con el entorno y cuyo acabado está cuidado hasta el último detalle, sin perder ni un ápice de funcionalidad.

En Baños10 son expertos en platos de ducha, bañeras, columnas con elementos de hidromasaje, mamparas y mobiliario de baño. Con un gran conocimiento y más de 20 años de experiencia en el manejo y control del agua, la hora del baño se convierte en una placentera experiencia.

Baños10, una empresa de gran experiencia con presencia internacional

Con presencia en más de 20 países, el nuevo catálogo B10 presenta las últimas tendencias en bañeras y accesorios. La publicación muestra la línea versátil y moderna de las seis categorías de bañera, con hasta 32 modelos diferentes para que cada cliente encuentre el que mejor se adapte a sus necesidades y a su hogar.

Además, el catálogo incluye no solo fotografías y la ficha técnica de cada producto, indicando claramente las características, medidas, colores, complementos y precios; sino un apartado descriptivo tanto de los sistemas de hidromasaje que ofrecen así como de todos los accesorios disponibles. ¡Para montar un auténtico balneario en casa!

Ficha técnica del catálogo de baños B10

Medidas: 21,2 x 29,8 cm.

202 páginas.

Encuadernación rústica con solapas.

Diseño, maquetación, fotografía y dirección de arte a manos de Cru Atelier.

Impreso en los talleres de La Imprenta CG.

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Obra de la exposición de José Saborit.

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Los paisajes bíblicos de José Saborit en Shiras

La muestra La escalera de Jacob presenta el complejo y singular trabajo de José Saborit, compuesto por 16 óleos de distintos formatos creados a lo largo de estos últimos tres años.

Saborit es reconocido por su personal y profundo lenguaje, que combina poesía y pintura. En esta ocasión la inspiración para los óleos viene del mítico pasaje bíblico de Linuz, que da lugar al título de la exposición: La escalera de Jacob.

Obra de la exposición de José Saborit.

Obra de la exposición de José Saborit.

Obra de la exposición de José Saborit.

Saborit, sin embargo, excluye del tema a su protagonista; muy representado en la Historia del Arte por grandes genios de la pintura como Rafael, Rembrandt, Ribera o William Blake; entre muchos otros. Saborit prefiere poner como objeto artístico la atmósfera del propio mito, es decir, la plasticidad del paisaje en sí misma.

José Saborti es catedrático de la Facultad de Bellas Artes en la Universidad Politécnica de València y Académico de la Academia de Bellas Artes de San Carlos y cuenta con una larga trayectoria artística. Entre sus últimas exposiciones cabe destacar Con el aire (Centro del Carmen, Generalitat Valenciana, 2008), Más al Sur (IVAM, 2012), La misma savia (Shiras Galería, Valencia, 2017), Art Madrid (2018) y Mientras la luz (O_Lumen, Madrid, 2018-19).

Alicia Torres: una artista emergente en Shiras Galería

La Sala Refugio de Shiras Galería acoge la muestra de la joven artista Alicia Torres, presentando su trabajo Óxido Líquido, comisariado por Ana Roca. Un proyecto que gira en torno a la investigación y experimentación con la técnica del pan de oro.

Obra de la exposición de Alicia Torres.

Alicia Torres, a pesar de su juventud, posee una larga trayectoria que pivota entre lo pictórico y lo alquímico como estrategia de creación. Se sitúa en los límites de la pintura, creando piezas pictóricas cargadas de color que no precisan de pigmentos; el proceso de oxidación provoca los cambios cromáticos y la artista los dirige; obteniendo piezas únicas y delicadas.

La obra de Alicia es descrita por la comisaria Ana Roca como: “Figuras retóricas capaces de aludir a la pintura sin hacer uso de la misma. La artista acude a lo pictórico como ejercicio reminiscente, como memoria de todo lo que ha sido, o como una capa más del palimpsesto que escribe la interminable tradición de la pintura”.

Obra de la exposición de Alicia Torres.

Obra de la exposición de Alicia Torres.

Obra de la exposición de Alicia Torres.

Con Óxido Líquido, Torres crea una instalación que invita al espectador a sentirse dentro de la propia pieza, como si el pan de oro se hubiera derramado y la acción del oxígeno hubiera querido dejar huella.

Alicia Torres es licenciada en Bellas artes y especializada en el Máster en Producción Artística por la UPV de Valencia. Torres ha comenzado una interesante carrera artística gracias a un espectro de exposiciones tanto a nivel nacional como internacional, entre las que destacan: Posquins (Centro del Carme, Valencia, 2017), El Viaje (Las Naves, Centro de Innovación, Valencia, 2012), Expanded Field (VacuumGallery, Beijing, China, 2018), China International Youth Metal SculptureSymposium (Taiyuan, China, 2017), Goldens (In Vitro Galerie, Republica Checa, 2015), y el Festival #00 en la Bienal de La Habana (Cuba, 2018).
Ambas exposiciones se podrán visitar en Shiras Galería hasta el 19 de enero, de lunes a sábado de 11:00 a 14:00 y de 17:00 a 20:00. Nosotros no nos las vamos a perder.

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