Al igual que con otras sagas artísticas valencianas, como los Capuz, los Benlliure o los Sorolla, la exposición que el IVAM dedica a los Pinazo requiere bucear en las relaciones personales entre ellos, así como la influencia que la figura principal pudo ejercer sobre el resto.

En el caso de los Pinazo, la saga comienza con el gran maestro Ignacio Pinazo Camarlench (1849-1916), que tuvo dos hijos dedicados a disciplinas artísticas: José Pinazo, pintor, e Ignacio Pinazo, escultor.

Aunque la obra de Ignacio Pinazo es muy destacable, para esta muestra se ha optado por incluir la obra de Marisa Pinazo Mitjans (1912-1990), hija de José (1879-1933), para centrar la exposición en la expresión pictórica, y estudiar la evolución de la familia a lo largo de tres generaciones. De este modo, se abarca gran parte del siglo XX, mostrando la influencia de diversas corrientes artísticas.

La obra de Ignacio, José y Marisa Pinazo

A lo largo de la exposición comisariada por Javier Pérez Rojas podemos observar obras de los tres artistas, seleccionadas para apreciar tanto los elementos en común como los rasgos distintivos de cada artista.

Por lo que respecta al precursor de la saga, Ignacio Pinazo Camarlench, fue a través del retrato donde cosechó los mayores éxitos de su carrera, alcanzando reconocimiento y prestigio, convirtiéndose en uno de los referentes dentro de los retratistas de nuestro país.

Por su parte, José Pinazo, sin abandonar los retratos en los que su padre fue maestro, se orientó más hacia la pintura regionalista.

Ubicado dentro del género costumbrista, José Pinazo fue autor de algunas de las piezas más emblemáticas del regionalismo valenciano, como Floreal, una pintura con la que obtuvo una medalla en la Exposición Nacional de 1915. Su obra se vincula a una tendencia alejada del impresionismo, más cercana al realismo moderno.

¿Quién fue Marisa Pinazo?

La exposición del IVAM incluye también obras de la más desconocida del clan Pinazo, Marisa Pinazo, muchas de las cuales nunca han sido mostradas en público.

El conjunto de pinturas que aparecen en la exposición nos muestra la evolución de la creadora valenciana, con claras influencias del Art Deco, y sirve para reivindicar la figura de una artista cuya carrera se vio frustrada por la muerte de su padre en 1933 y la Guerra Civil.

La exposición El aura de una saga moderna: Ignacio, José y Marisa Pinazo está abierta al público hasta febrero del próximo año y supone una ocasión perfecta para conocer la obra de los tres pintores Pinazo.

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¿Quién es el artista Paco Camallonga?

Paco Camallonga es ilustrador, diseñador y escultor digital. Se formó en Arquitectura en la Universidad Politécnica de Valencia y cursó el Master de Animación del estudio FrameOver, mientras continuaba formándose como ilustrador y escultor digital.

En la actualidad, es uno de los diseñadores más reputados y reconocidos de fallas y hogueras, actividad que combina con la creación de cómics y con su trabajo para el mercado americano.

Entre sus influencias dentro del sector de la ilustración se cuentan figuras internacionales como Matteo Scalera, Sean Gordon Murphy, Tony Moore y su principal referente, Akira Toriyama, creador de Dragon Ball.

Por lo que respecta a su vertiente fallera, es un gran admirador del trabajo de Ramón Pla, Carlos Corredera y del ingenio de los Santaeulalia.

Paco Camallonga comienza a colaborar con el mundo de las fallas y hogueras en 2015, iniciando una trayectoria repleta de diseños icónicos, un estilo muy reconocible y grandes éxitos, como el primer premio de categoría especial adulta en las Hogueras de Alicante en 2025, dos primeros premios de hogueras en categoría especial infantil, en 2018 y 2019, un primer premio en sección 1A en València (2021), tres ninots indultats infantiles por votación popular en València (2019, 2024 y 2025) y un ninot indultat adulto por votación popular en Alicante (2024).

A ese impresionante palmarés hay que sumar varios podios en la sección especial, tanto en fallas grandes como en fallas infantiles. Además, este año ha sido el encargado de diseñar la Falla infantil de la Plaza del Ayuntamiento de València.

Una exposición que combina fallas y cómic

La exposición del Centre del Carme mostraba al público sus ninots indultats, maquetas de los monumentos en 3D y más de 200 dibujos, entre bocetos y cómics.

En el ámbito del cómic, Paco Camallonga ha desarrollado una sólida y coherente trayectoria en la que destacan títulos como Cachorro, una novela negra ambientada en la riada de 1957; Reencuentro en Burdeos o Bordell, además de realizar carteles, portadas, premios y múltiples encargos gráficos.

Camallonga colabora habitualmente con la industria americana del cómic con portadas para Scout Comics o uno de sus últimos trabajos para Titan Books, que ha publicado libros como Batman vs. Superman: El amanecer de la justicia.

En la prestigiosa editorial Titan Books está realizando una adaptación del famoso videojuego de ciencia ficción Borderlands, entre otros proyectos en EEUU.

El recorrido expositivo acaba con un viaje por la faceta artística más personal de Camallonga, gracias a una pieza audiovisual en la que se muestra el proceso creativo del artista desde el dibujo digital, pasando por la tinta hasta llegar a la ilustración a color.

La exposición se completa con el catálogo que hemos impreso en La Imprenta CG y que cuenta con textos de Ángel Romero y fotografías de las piezas expuestas, obra de Juan R. Peiró. Está diseñado y maquetado por Pau Soriano y MacDiego.

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Una exposición que recorre la última década de Tàpies

La Fundación Bancaja acoge, hasta el 30 de agosto, la exposición Tàpies. Última década. 2002-2012, en la que profundiza en el trabajo de uno de los artistas más influyentes del siglo XX.

La muestra monográfica se centra en la obra de Tàpies desde 2002, hasta su muerte en 2012, con 22 piezas de gran formato, muchas expuestas por primera vez.

El comisario de la exposición, Fernando Castro Flórez, ha reunido un conjunto de obras que condensan la esencia del artista, realizadas en el periodo más desconocido de sus seis décadas de carrera.

Tàpies es una de las figuras más preeminentes del informalismo, que en su última etapa abordaba con la misma pasión de siempre la experimentación con la materia y los símbolos. En sus obras, el artista continúa incluyendo objetos cotidianos, maderas, telas, cuerdas o fragmentos de muebles, integrando lo real con lo pictórico.

En la exposición están representados tres motivos fundamentales en la trayectoria de Tàpies: el cuerpo humano, los símbolos (cruces, letras, formas) y los objetos integrados en la obra.

Las obras de la muestra —excepto una, propiedad de la Fundación Bancaja— proceden íntegramente de la familia. “Con el paso del tiempo, uno comprende que custodiar la obra de un artista no significa solo conservar objetos, sino cuidar una manera de mirar el mundo. En el caso de Antoni Tàpies, esa mirada fue siempre exigente y profundamente humana.

Por ello, esta exposición tiene también un carácter excepcional: incluye varias obras inéditas, piezas que nunca se habían mostrado al público y que se presentan aquí por primera vez. Al contemplarlas en conjunto, se hace evidente que Tàpies seguía trabajando como siempre, con la misma intensidad, la misma curiosidad y la misma necesidad interior.

Su última década no es una despedida, sino una continuidad llevada hasta su límite: un lugar donde el lenguaje se afina, la emoción se vuelve más contenida, pero no menos poderosa”, asegura Toni Tàpies, hijo del artista.

Además de las obras de Antoni Tàpies, en la muestra se pueden observar las fotografías de la casa del artista en Campins (Barcelona). En esas imágenes se aprecia la importancia de ese entorno en su proceso de creación durante esta etapa.

Como complemento audiovisual, la Fundación Bancaja proyecta el documental de RTVE Materia en forma de Tàpies, filmado en 2024 con motivo del centenario de su nacimiento.

Catálogo de la exposición Tàpies. Última década. 2002-2012

La Imprenta CG ha sido la encargada de imprimir el catálogo realizado expresamente para la exposición. La publicación ha sido diseñada y maquetada por el Estudio Lina Vila.

El catálogo se compone de la reproducción en imágenes de alta calidad de las obras expuestas, obra de Roser Vilallonga y Tena Martí Gasull Avellán.

Cuenta con textos de Toni Tàpies Barba y de Fernando Castro Flórez, e incluye también una entrevista realizada por el comisario a Antoni Tàpies en 1990.

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La mujer en la obra de Julio González, celebrando el 150º aniversario del artista

La exposición del IVAM ofrece una nueva mirada sobre la obra del artista Julio González, gracias a la selección de la comisaria Brigitte Leal, prestigiosa historiadora del arte y directora adjunta emérita del Museo Nacional de Arte Moderno, Centre Pompidou, de París.

Leal no solo profundiza en la figura del escultor catalán, también introduce una perspectiva innovadora al situar en el centro del relato a las mujeres que desempeñaron un papel decisivo en su vida y en la preservación de su legado.

De este modo, el museo se convierte en un espacio de recuperación no solo de las mujeres artistas, sino también de reconocimiento a la importancia de comisarias, historiadoras y profesionales que han contribuido a transformar nuestra comprensión del pasado.

¿Cómo se organiza la exposición?

La muestra del IVAM plantea dos recorridos, uno biográfico y otro temático. El primero revela una red femenina determinante desde el ámbito familiar. Proveniente de una familia de artistas, hijo de Pilar Pellicer, hija a su vez del pintor Lluís Pellicer, Julio González creció en un entorno artístico en el que sus hermanas mayores, Pilar y Lola, desempeñaron un papel activo.

Tras la muerte del padre, fueron ellas quienes trasladaron el negocio familiar a París y ambas figuraron como diseñadoras de joyas en las Exposiciones Nacionales de Industrias Artísticas de Barcelona entre 1892 y 1898.

A estas figuras se suma Marie-Thérèse Roux, compañera sentimental del artista, musa y también creadora, joyera que vendía sus piezas a casas de alta costura.

Asimismo, la figura de Roberta González, hija del escultor, adquiere relevancia tanto por su propia producción artística como por su relación con el pintor Hans Hartung.

Por otro lado, el itinerario iconográfico propuesto por Brigitte Leal permite reconsiderar la representación femenina en la obra de González. Partiendo de figuras heredadas de la tradición académica —Eva, la Virgen—, el análisis se desplaza hacia la supuesta dicotomía entre la garçonne y la campesina.

La mujer urbana, culta y moderna, asociada a la lectura y a nuevas relaciones con el cuerpo contrasta con la figura de la campesina, vinculada al trabajo, la maternidad y la perpetuación de la vida.

El carácter pionero de Julio González como artista se pone de manifiesto en su interés por la recuperación de materiales, la incorporación de la soldadura autógena del hierro al lenguaje escultórico y en su reivindicación del campesinado, entre otras facetas.

Para la muestra del IVAM se ha renunciado al omnipresente cubo blanco y se han elegido tonalidades cálidas y terrosas en las salas que albergan las obras, subrayando de este modo la conexión con la materialidad, el acogimiento y la tierra.

¿Dónde se puede encontrar el catálogo de la exposición del IVAM?

En La Imprenta CG hemos tenido el honor de imprimir el catálogo realizado para la exposición de Julio González. Un libro con 228 páginas, encuadernado en cartoné y con textos de Blanca de la Torre, directora del IVAM, y Brigitte Leal, comisaria de la muestra.

Con más de 167 ilustraciones a color, esta edición trilingüe —castellano, valenciano e inglés— es el complemento perfecto para esta innovadora exposición.

El catálogo se puede adquirir en la tienda física del museo, así como en su tienda online.

¿Por qué Julio González es importante para el IVAM?

Para el IVAM, la trascendencia de Julio González no solo se centra en su proyección internacional como pionero de la escultura en hierro y renovador radical de las técnicas escultóricas, sino también porque la donación de un significativo cuerpo de obras marcó el origen del museo, fruto de la generosidad de Carmen Martínez y Vivianne Grimminger, herederas de la hija del artista, Roberta González.

A ellas está dedicada esta muestra, a las herederas del legado familiar que realizaron donaciones fundamentales en 1985, cuando las Cortes Valencianas tramitaban la ley de creación del museo, y en 1992, tres años después de su inauguración en 1989.

Estas donaciones incluían también un conjunto significativo de obras de Roberta González y de Joan González, hija y hermano del escultor.

El IVAM alberga la colección más importante del mundo de obras de González y, a lo largo de los años, ha desarrollado una labor sostenida de investigación, conservación y difusión que ha contribuido decisivamente al conocimiento público del artista.

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Exposición “El Prado multiplicado: la fotografía como memoria compartida”

Hasta el 5 de abril se podrá visitar en el Museo del Prado la exposición “El Prado multiplicado: la fotografía como memoria compartida” en la que, a través de más de 40 obras se puede recorrer visualmente la pinacoteca tal y como era hace siglos.

Sorprende la disposición apelotonada de las obras, el mobiliario, la calefacción y lo vacías que se ven las salas, incluso las que hoy en día baten récords de visitas.

Comisariada por Beatriz Sánchez Torija, la exposición cede el protagonismo total a la fotografía, destacando la importancia de este arte, tanto en los museos como en la sociedad.

Los fondos fotográficos del museo abarcan más de 10.000 obras, fundamentalmente imágenes de piezas de la colección. De forma aproximada, la documentación organizada de las piezas comenzó alrededor de 1860.

Se trata de copias realizadas a la albúmina, al carbón o a la gelatina, así como reproducciones fotomecánicas en formatos como tarjetas estereoscópicas o postales, con las que se puede observar la evolución de los procesos fotográficos. Como las técnicas e instrumentos de la época tenían muchas limitaciones, en ocasiones era necesario trasladar las obras para poder ser captadas con luz natural.

Con esas primigenias fotografías, comenzaron a circular imágenes del Prado entre los visitantes y coleccionistas. Fue a principios del siglo XX cuando se generalizó el uso de las tarjetas postales con imágenes, y ese auge permitió que las obras del museo viajaran por todo el mundo, aunque fuera en versión reducida.

Entre los pioneros de la fotografía en el Prado destacan profesionales y empresas como Juan Laurent, José Lacoste, Braun, Moreno, Anderson o Hanfstaengl. Todos ellos fueron fundamentales para la difusión de la imagen del museo y las obras que contiene, generando interés y expectación entre el público.

Una exposición en pequeño formato

La exposición “El Prado multiplicado: la fotografía como memoria compartida” tiene como objetivo resaltar el papel de esas fotografías como herramienta de difusión de los fondos del museo, al tiempo que reivindica su propio valor como obras de arte.

La muestra forma parte de Almacén abierto, un programa de pequeñas exposiciones celebradas en la sala 60, centrado en el siglo XIX, con piezas que no suelen estar expuestas y que indagan en diferentes perspectivas artísticas y técnicas.

Una ocasión perfecta para adentrarnos en los entresijos del Museo del Prado.

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Hasta el 18 de enero de 2026 puede visitarse en la Fundación Mapfre la exposición dedicada a Raimundo de Madrazo y Garreta, el pintor español que triunfó en Francia y Estados Unidos a finales del siglo XIX, gracias a sus retratos de la alta burguesía.

El arte preciosista y burgués de Raimundo de Madrazo

La Fundación Mapfre dedica a Raimundo de Madrazo una gran exposición, comisariada por Amaya Alzaga, con más de un centenar de obras que recorren toda su trayectoria. De este modo, se quiere reivindicar el legado de un gran pintor, al que el desembarco de las vanguardias borró de la historiografía artística.

Raimundo de Madrazo es miembro de una de las sagas de artistas más influyentes y reconocidas del arte español del siglo XIX. Nieto del pintor neoclásico José de Madrazo e hijo de Federico de Madrazo, destacado retratista del Romanticismo, Raimundo era también cuñado y amigo de Mariano Fortuny.

Las hijas del Cid, 1865.

Sus tíos fueron los pintores Luis de Madrazo y Pedro de Madrazo, así como el arquitecto Juan de Madrazo. Además, en la familia de su abuela, los Kuntz, también se encuentran afamados pintores.

Con esta herencia familiar, el joven Raimundo pronto destacó en el dibujo y la pintura. Con solo trece años, ingresa en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, y se convierte en la gran esperanza de la familia, que ve en él el continuador del legado artístico de los Madrazo, repleto de grandes obras históricas, destinadas a las grandes exposiciones nacionales o internacionales.

Tras su paso por la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, en 1862, Raimundo se traslada a París, donde continúa su formación con el pintor Léon Cogniet y en la École des Beaux-Arts. Durante estos primeros años en París, el joven sigue tratando de complacer a su padre y seguir su estela; sin embargo, en 1866, abandona el academicismo y la temática histórica.

En esta nueva etapa, Raimundo de Madrazo comienza su andadura como pintor de género y retratista, logrando un gran éxito gracias a sus tableautins, obras de pequeño formato con escenas costumbristas o domésticas.

Su talento como retratista, su ojo para el color, y su destreza para reflejar brillantes interiores y texturas hacen de él uno de los pintores favoritos de la alta sociedad parisina y estadounidense, que le visita en su taller de la capital francesa.

Clotilde de Candamo y su hijo, 1874.

Entre las nuevas tendencias y el academicismo, el juste milieu

Raimundo de Madrazo vivió el torbellino artístico de París del último tercio del siglo XIX, en el que convivía el academicismo más recalcitrante, junto a nuevas corrientes como el impresionismo. En este contexto, la obra de Raimundo de Madrazo se sitúa en un camino intermedio, el juste milieu, que gozó de gran éxito comercial y de crítica.

El cenit de su carrera tuvo lugar en la Exposición Universal de 1878, donde obtuvo una Primera medalla y la concesión de la Cruz de Caballero de la Legión de Honor. Madrazo presentó catorce piezas, entre las que destacan los retratos del actor Benoît-Constant Coquelin y el Retrato de niña con vestido rosa.

Constant Coquelin, 1875-1878.

Sin embargo, a finales del siglo XIX y principios del XX, el mundo del arte está en plena ebullición y en 1900, su obra se ve anticuada. Tras su participación en la Exposición Universal de París de ese año, Raimundo es consciente de que su estilo ya no resulta atractivo, por lo que viaja a América, donde su obra detallista aún goza de reconocimiento y mercado entre la alta sociedad de la Gilded Age, como los Vanderbilt.

Salidad del baile de máscaras, 1878.

Raimundo de Madrazo, un artista a reivindicar

Raimundo de Madrazo es un gran desconocido para el gran público, ya que su figura se vio eclipsada por la llegada de las nuevas corrientes artísticas de finales del XIX. El estilo preciosista de Raimundo de Madrazo fue relegado por parte de la crítica y de los historiadores del arte, que lo situaron en un lugar menor, y solo recientemente ha comenzado a gozar del reconocimiento que merece.

La exposición que le dedica la Fundación Mapfre pretende llenar ese vacío y reivindicar su obra, gracias a la participación de instituciones y colecciones particulares nacionales e internacionales, entre las que figuran el Museo Nacional del Prado; The Metropolitan Museum of Art, de Nueva York; el Clark Art Institute, de Massachusetts; The Hispanic Society of America, de Nueva York, o el Musée d’Orsay, de París.

Una ocasión de oro para descubrir a un artista de gran éxito en su época, pero injustamente ignorado por el canon artístico moderno.

En este enlace se puede disfrutar de una visita virtual.

Muchachas en la ventana, 1875.

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Paula Bonet: diciembre en el calendario solidario 2025 de La Imprenta CG

Paula Bonet es una artista polifacética: ilustradora, pintora y escritora. Afincada en Barcelona, la creadora castellonense se licenció en Bellas Artes en la Universidad Politécnica de València.
Durante su formación en dicha universidad, obtuvo la beca Promoe para completar sus estudios en la Universidad Católica de Santiago de Chile.

Una vez finalizada esta etapa formativa, continuó estudiando en la Universidad de Nueva York, gracias a una beca de Creación Artística.

Su formación se centra en la pintura al óleo y el grabado de diversa índole, y es con esas técnicas con las que inicia su andadura artística. Sin embargo, en 2009 comienza a dedicar más tiempo a la ilustración, que le permite llegar a más público, al ser más rápida y económica.

En 2010, comienza a vender sus ilustraciones, con un estilo muy característico, que en esta primera etapa creativa está dominado por los retratos femeninos de trazo nítido, coloreados con acuarelas y mejillas de color rojo.

En sus obras, Bonet combina las caras con paisajes o animales, e incluye textos en sus obras pictóricas.

En 2013, la artista vive su eclosión profesional con el cartel para el festival de cortos La Cabina, que la gente arrancaba de las paredes para llevárselo y enmarcarlo.

Ese mismo año publica su primer libro, Qué hacer cuando en la pantalla aparece The End, en el que combina la ilustración y el texto.

En pleno éxito, Bonet viaja a Chile, donde explora otras técnicas y comienza a abandonar algunos de los iconos de su estilo como ilustradora y vuelve a sus orígenes: el óleo y el grabado.

En 2016, ese cambio se hace notorio con la publicación de La sed, donde la artista explora el uso del grafito líquido, el óleo, el aguafuerte y colores más oscuros.

Bonet sigue trabajando como pintora e ilustradora, como su trabajo en 2018 para el cartel de la Feria del Libro de Madrid o el libro Roedores, en el que detalla su experiencia tras sufrir dos abortos.

En 2021, da el gran salto como escritora y publica su primera novela, La anguila, publicada por Anagrama. Además, el libro se vio complementado por una exposición y un catálogo de la misma que imprimimos en nuestros talleres.

Ese mismo año, abre el taller La Madriguera en Barcelona, un espacio creativo y de formación, exclusivamente femenino, dedicado al arte.

Paula Bonet, además, ha trabajado como columnista en diversos medios de comunicación, como El País o Eldiario.es.

En La Imprenta CG estamos muy agradecidos a Paula Bonet por cedernos una de sus obras para cerrar nuestro calendario solidario 2025, cuyos beneficios están destinados a la Fundación Ronald McDonald. ¡No podíamos imaginar un mejor final!

Como siempre, muchísimas gracias a todos los participantes de este año… ¡Nos vemos en 2026, con una nueva edición de nuestro calendario solidario!

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Maruja Mallo. Máscara y compás: una gran exposición retrospectiva

Maruja Mallo es una de las figu­ras más relevantes del arte español y miembro destacado de la Generación del 27. Con un talento que escapa a cualquier intento de clasificación, en la obra de la artista conviven gran variedad de estilos, influen­cias y técnicas; que van más allá de la dicotomía entre vanguardia o clasicismo.

Vinculada a la Escuela de Vallecas y al Grupo de Arte Constructivo, Maruja Mallo sufrió el trauma de la Guerra Civil y el exilio, pero su obra y su vida siempre estuvieron marcadas por la búsqueda de libertad y el compromiso político.

La exposición retrospectiva Maruja Mallo. Máscara y compás está planteada cronológicamente, y en su recorrido se puede observar la evolución de la artista: desde sus inicios vinculados al realismo mágico y las composiciones de carácter surrealista, hasta los conjuntos geométricos y cósmicos de su última etapa.

El propio título elegido para la exposición, Máscara y compás, destaca dos de las temáticas que más caracterizan la obra de Mallo: la máscara como invoca­ción, cuestionamiento de la identidad y transformación, y el compás como garantía de la armonía y del rigor geométrico que marca toda su producción.

Primeros años y Guerra Civil

La primera etapa creativa de Maruja Mallo se caracteriza por su trabajo sobre el concepto de lo popular, que para ella era «la representación lírica de la fuerza creadora del hombre».

Durante los años 20, las fiestas populares y verbenas se convierten en uno de sus grandes temas. Para ella representan la ocasión de retratar una situación plural y vibrante, en la que diversas culturas, tradiciones y clases sociales se mezclan. Son ejemplos de su ideal democrático en el que se diluyen las diferencias, y criados y burgueses se encuentran en el mismo plano.

A principios de los años 30, Mallo explora el reverso tenebroso del surrealismo, un estilo al que la artista atribuía una «capacidad destructiva».

Durante esa época, el prestigio de Maruja Mallo como artista se consolida: expone en París, donde entra en contacto con Joan Miró, Pablo Picasso y André Breton, trabaja como ilustradora en Revista de Occidente y participa en el proyecto pedagógico de la Segunda República.

Mallo se encuentra en Galicia en 1936, cuando comienza la Guerra Civil. Gracias a la poeta chilena Gabriela Mistral consigue escapar a Portugal y de allí cruza el océano para instalarse en Argentina.

Exilio y retorno

En el exilio, Maruja Mallo inicia una etapa marcada por su profundo compromiso político. Sus piezas de la época se caracterizan por un intenso respeto por la mujer trabajadora. Retratos de carácter casi estuario, dotados de gran armonía, que celebran la fuerza del trabajo manual.

Su interés en el cuerpo femenino y su dimensión simbólica y mítica marca un nuevo punto de inflexión en la producción de la artista durante los años 40 y 50.

Durante estos años, Mallo explora la geometría y las proporciones, así como espacio-tiempo en el cuadro, mediante la rota­ción de las figuras, la presencia de las sombras o la traslación de los planos.

Mallo juega con la simbio­sis entre forma humana y vegetal o animal, y persigue la unión entre naturaleza y arte. En esta fase, Maruja Mallo también inicia su serie Máscaras, en la que investiga sobre la identidad y la independencia personal.

A finales de los 60, antes de su retorno a España, Mallo pres­cinde de figuras humanas o naturales en su obra, centrándose en lo geométrico y espacial. La unión entre lo humano, lo natural, lo animal y lo divino se combina en las figuras geométricas creadas por Mallo, hasta borrar cualquier diferencia cultural, social o política.

Tras su vuelta a España y durante sus últimos años, Mallo vive la contradicción de ser una figura pública en los años de la Transición y su reclusión y silencio en la década de 1980.

En el treinta aniversario de su fallecimiento, el Museo Reina Sofía rinde homenaje a la artista con la exposición Maruja Mallo. Máscara y compás, que pone de manifiesto la vigen­cia del pensamiento estético y político de la artista.

Maruja Mallo, además, representa a la mujer moderna, activa, libre y profesional. Una artista visionaria que logró reflejar las preocupaciones de su época y anticiparse a muchas de las actuales.

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Exposición Warhol, Pollock y otros espacios americanos, en el Thyssen

La nueva exposición del museo Thyssen, Warhol, Pollock y otros espacios americanos, reúne obras de dos de las figuras más importantes del arte estadounidense del siglo XX. Además, pone en contexto su trabajo con la muestra de piezas de otros artistas de la época, como Mark Rothko, Robert Rauschenberg, Cy Twombly o Lee Krasner; entre otros.

La exposición, que estará abierta al público hasta el 25 de enero, explora la conexión en la obra de Warhol y Pollock, con un recorrido que incluye más de cien obras, muchas nunca vistas en nuestro país.

La fascinación de Andy Warhol por Jackson Pollock está bien documentada. Es muy conocida su obsesión por contar con un Pollock para su propia colección de arte o la inclusión del accidente que acabó con la vida de Pollock en su serie sobre choques de coches.

Pollock y Warhol son dos creadores extraordinariamente complejos, en apariencia muy distintos. Sin embargo, la posibilidad de contemplar sus obras reunidas en un mismo montaje descubre al visitante que ni Jackson Pollock fue siempre un maestro abstracto, ni Andy Warhol un artista ocupado únicamente por temas propios de la cultura popular.

Con métodos, técnicas y estilos diferentes, ambos propusieron revisitar el concepto de espacio, su uso como lugar de ocultamiento; trastocaron la noción del fondo y de la figura, y se centraron en un proyecto casi autobiográfico que les servía como camuflaje. Los dos trabajaron la repetición, la series y la abstracción como medio para mostrar nuevas formas de mirar la sociedad de su época.

La comisaria de la exposición, Estrella de Diego, cree que «la historia del arte al uso siempre ha dividido el mundo entre lo figurativo y lo abstracto. Jackson Pollock es el artista héroe de la modernidad y Andy Warhol casi siempre ha sido considerado un creador banal, ya no solo figurativo, sino que directamente arrancaba las cosas en los estantes del supermercado. Yo creo que las cosas, si uno las mira con un poco de atención, no son exactamente así».

En la muestra Warhol, Pollock y otros espacios americanos se pueden contemplar obras figurativas de Pollock y otras de Warhol completamente abstractas. De este modo, se ofrece una lectura alternativa de la trayectoria de los dos artistas, señalando las conexiones más que las diferencias.

Doce Pollocks en España por primera vez

Esta es la gran exposición de la temporada en el museo Thyssen. Para su director, Guillermo Solana es «uno de los proyectos más importantes que hemos acometido en mucho tiempo».

La muestra reúne por primera vez en España una docena de piezas de Jackson Pollock. De hecho, el Thyssen es la única pinacoteca española que posee una obra suya en su colección permanente.

Para Solana, «las exposiciones pueden desarrollar el canon o atreverse a desafiarlo. Esta lo desafía, y deconstruye este esquema binario. La obra de Pollock está construida desde la tachadura de lo figurativo, pero tiene un estrato de reprimir el inconsciente figurativo. Y, recíprocamente, Warhol no es meramente un reproductor de lo icónico de los medios, sino alguien que aflora una dimensión abstracta».

El museo Thyssen ofrece una ocasión única para observar la obra de dos artistas superlativos, opuestos en apariencia, pero unidos por nexos que van más allá de lo obvio.

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Sorolla. Obras maestras del Museo Sorolla, en la Fundación Bancaja

La Fundación Bancaja expone, hasta febrero del año que viene, algunas de las obras más importantes del Museo Sorolla de Madrid. Esta muestra, producida en conjunto por el Ministerio de Cultura, el Museo Sorolla y la Fundación Museo Sorolla, reúne en Valencia una selección de las obras maestras del artista, de forma totalmente excepcional.

¿Cómo ha sido posible esta exposición? Hay ocasiones en las que las circunstancias acompañan y, en este caso, el cierre temporal del Museo Sorolla de Madrid para su ampliación y rehabilitación ha permitido organizar esta muestra, que reúne en la ciudad natal del artista una selección de grandes pinturas, que rara vez pueden prestarse juntas para una exposición.

Sorolla. Obras maestras del Museo Sorolla está integrada por casi 60 piezas, que han viajado desde Madrid a Valencia para un proyecto expositivo que recorre la trayectoria del pintor a través de algunas de sus creaciones más destacadas, como Paseo a la orilla del mar, El baño del caballo o La siesta, entre otras.

La colección del Museo Sorolla, la más importante del mundo

La colección de pintura del Museo Sorolla se compone de aproximadamente 1400 obras, y está considerada la más importante del mundo, por cantidad, calidad y la variedad de géneros representados.

La mayoría de las obras de esta muestra se exponen en la Fundación Bancaja por primera vez. Además, también se puede contemplar el lienzo perteneciente a la colección de la Fundación ¡Triste herencia!, con el que Sorolla ganó el Grand Prix en la Exposición Universal de 1900 en París y que supuso su consagración internacional.

El recorrido de Sorolla. Obras maestras del Museo Sorolla sigue un orden cronológico. Comienza con los primeros años de formación del pintor en Valencia e Italia, en los que el joven Sorolla empieza a demostrar su descomunal talento.

Después llegamos a su madurez artística en Madrid, con la obtención de reconocimientos nacionales e internacionales. Allí explota su maestría en el género del retrato con piezas de ámbito familiar; la temática del mar, tan relevante en su producción artística; su intimista pintura de jardines; su crónica plástica de la España de su tiempo; y, para finalizar, su estancia en la Cala de San Vicente en Mallorca, en el que fue su último viaje para pintar el mar que tanto amó antes de su muerte.

Sin duda, la exposición de la Fundación Bancaja es una ocasión única para disfrutar en Valencia de algunas de las obras más importantes de Joaquín Sorolla.

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El Renacimiento europeo en València

A principios del siglo XVI, la revolución que supuso el Renacimiento en las artes plásticas sacudió los cimientos de Europa.

Por un lado, el ars nova surgió en la zona de Borgoña, un ducado con gran poderío económico. Este estilo pictórico abogaba por un realismo extremo, gracias al talento y los avances técnicos impulsados por artistas como Jan van Eyck o Rogier van der Weyden.

Por otro lado, más al sur, en la península itálica, el ideal clásico grecorromano era el nuevo modelo a seguir, marcando el paso al Renacimiento Italiano.

Las dos corrientes artísticas convivieron durante un tiempo, y en los principales núcleos urbanos mediterráneos de la época los clientes y mecenas realizaban encargos a artistas de ambos estilos.

De este modo, durante los primeros años del siglo XVI, Florencia, Nápoles o València se llenaron de obras de pintores procedentes del norte y del sur de Europa.

Más tarde, avanzado el siglo, la corriente renacentista italiana se impuso, gracias al trabajo de genios como Leonardo da Vinci, Miguel Ángel o Rafael, y al impulso económico de las potencias de Florencia y Venecia.

Sin embargo, durante muchos años ambos estilos, el flamenco y el italiano, fueron los que dieron forma a la imagen europea en su paso de la Edad Media a la Edad Moderna.

En esos años, València seguía siendo —al igual que en el siglo XV— un importante centro mercantil y económico, una ciudad cosmopolita en la que se encontraban obras de influencia flamenca, como las creadas por Bartolomé Bermejo, y pinturas de influencia italiana, como las de Paolo de San Leocadio.

Se importaban obras de Antoniazzo Romano y del papa pintor, Alejandro VI, Pinturicchio; al tiempo que se recibían pinturas norteñas de Jheronimus van Aken, El Bosco. València era un crisol de culturas y estilos artísticos, un hecho que se refleja en la nueva sala del Museo de Bellas Artes.

Norte y Sur se dan la mano en las salas del Bellas Artes

La nueva instalación del museo está situada en la planta baja, y se compone de 16 pinturas renacentistas. Una selección muy representativa de un periodo del arte europeo, marcado por dos tendencias coexistentes: el estilo proveniente del norte, en Flandes, y el marcado por los ideales clásicos, originario del sur. Una situación que más tarde se repitió durante el Barroco.

Las obras están datadas en los primeros años del siglo XVI, y son obra de artistas como El Bosco, Pinturicchio, Antoniazzo Romano o Vrancke van der Stockt.

También se pueden contemplar tres de las últimas incorporaciones al museo: el Ecce Homo de Giovanni Antonio Bazzi ‘Il Sodoma‘, uno de los principales nombres de la escuela de Siena, una tabla con Cristo Varón de Dolores del círculo del flamenco Albrecht Bouts y la Virgen con el Niño Jesús del Maestro de los modelos de Pieter Coecke.

Además, en la sala renacentista, se muestra el retrato del poeta griego Michele Marullo Tarcaniota, obra de Botticelli.

En la presentación de la nueva sala, el director del Museo de Bellas Artes de València, Pablo González Tornel, afirmó que, con la apertura de esta nueva sala, «se eleva el nivel científico y la proyección internacional del centro al incorporar obras que ejemplifican los ideales renacentistas del mundo flamenco e italiano». Un nuevo aliciente para visitar el siempre recomendable Museo de Bellas Artes de València.

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Kara Walker, una exposición sobre las sombras y luces de EE. UU.

La muestra del IVAM Kara Walker. Burning Village, recorre la obra de la artista norteamericana durante cuatro décadas.

Kara Walker, californiana de 1969, explora a través de la pintura, el grabado, las instalaciones y el audiovisual conceptos como el género, la raza, la sexualidad, la violencia y la identidad.

Walker aborda sin tapujos la herida latente de la esclavitud en EE. UU., con una perspectiva crítica del pasado histórico, profundizando en los estereotipos raciales y de género en la sociedad. Unas temáticas y reflexiones más necesarias que nunca.

Los trabajos de Walker tienen una gran belleza visual, enriquecida por la sátira y la subversión de los arquetipos, mediante las que la autora da una vuelta a la lectura de la historia de la nación estadounidense.

Las obras más reconocibles de Kara Walker son las que utilizan la técnica de las siluetas recortadas en papel, inspiradas en la tradición victoriana de los retratos de sombras, el teatro de sombras chinescas y las linternas mágicas.

El caos desenfrenado y el humor negro pueblan los trabajos de Walker: «Siempre estoy reflexionando sobre el estado de los acontecimientos actuales y la superposición de lo histórico y lo mítico», afirma la artista. Las cuestiones de raza, sexo, poder y opresión, están muy presentes en sus obras.

Kara Walker utiliza diferentes métodos y formatos para investigar sobre las historias y los mitos fundacionales de EE. UU. Ya sea mediante el dibujo, el grabado, la escultura, el vídeo o la instalación, la artista ahonda en la necesidad de establecer nuevas narrativas que desafíen la manera como entendemos la historia.

IVAM y MACA, una colaboración nacida para exponer

La exposición Kara Walker. Burning Village está comisariada por Rosa Castells y se ha realizado en colaboración con el MACA (Museo de Arte Contemporáneo de Alicante).

Kara Walker. Burning Village recoge 44 piezas que recorren toda la trayectoria de la artista, conformando uno de los conjuntos de su obra más completos en Europa.

31 obras, entre dibujos, grabados, esculturas, libros de artista y vídeos provienen de la colección de Michael Jenkins y Javier Romero del MACA. Las 13 piezas restantes han viajado desde Nueva York.

La muestra se podrá visitar en el IVAM del 25 de septiembre al 22 de febrero de 2026.

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Soledad Sevilla, una artista adelantada a su tiempo

La muestra dedicada a Soledad Sevilla estará abierta al público del IVAM hasta el 12 de octubre, y está comisariada por Isabel Tejeda, catedrática de Bellas Artes de la Universidad de Murcia e historiadora del arte alicantina.

Para Tejeda, Soledad Sevilla «es una mujer enamorada de su trabajo, que no ha dejado de pintar ni un solo día de su vida, de hecho, sigue pintando cuadros inmensos. Sufrió la misma discriminación y dificultades que las mujeres de su generación y nunca se rindió».

Soledad Sevilla nació en València en 1944 y se formó en San Carlos y en la Escuela de Bellas Artes de Sant Jordi de Barcelona, durante los años 60. A finales de esa década, participa en el Seminario de generación automática de formas plásticas del Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid. A raíz de esa experiencia, Sevilla comenzará a utilizar la geometría como base normativa para su obra pictórica.

La artista está vinculada en estos inicios al grupo de creadores seguidores de la abstracción geométrica, aunque pronto se desmarca del uso del ordenador como herramienta.

Sin embargo, para Isabel Sevilla no fueron fáciles sus primeros pasos en el mundo del arte: «Yo siempre cuento, que cuando todos mis amigos y colegas eran famosos, yo no podía ni exponer. Estaba con un niño en una rodilla, otro en la otra y en la mano el pincel. Se me veía como un ama de casa, no como artista. No había manera de romper esa imagen», afirma Sevilla.

«Además —añade— de que el ámbito de la geometría no interesaba, no se entendía y era masculino. No habré oído yo veces eso de que parece que lo ha hecho un hombre. Afortunadamente, eso ha cambiado mucho».

A principios de los años 80, Soledad Sevilla obtiene una beca de investigación de dos años en la Universidad de Harvard. Allí, al no tener un espacio para trabajar grandes formatos, experimenta con rollos de papel Kraft, con progresiones que llegan a los doce metros, y con instalaciones para espacios concretos.

Tras su paso por Boston, la artista valenciana retorna e inicia una etapa más subjetiva, espacial y emocional. En esta fase crea diversas instalaciones ambientales, con una profunda renovación plástica de su estilo.

Los años 90 suponen un total y merecido reconocimiento para la obra de Sevilla, con el Premio Nacional de Artes Plásticas que se le concede en 1993. Además, se suceden las exposiciones y muestras dedicadas a su trabajo.

En 2014, recibe el premio Arte y Mecenazgo, que reconoce la excelencia de su obra y los logros de su trayectoria. En el año 2020, se le otorga el Premio Velázquez de Artes Plásticas y es nombrada Doctora Honoris Causa de la Universidad de Granada.

Soledad Sevilla. Ritmos, tramas, variables. Una exposición retrospectiva y mucho más

La exposición del IVAM Soledad Sevilla. Ritmos, tramas, variables, muestra más de cien obras de la artista valenciana, recorriendo toda su trayectoria.

La muestra comienza con sus obras de finales de los 60, hasta la actualidad, incluyendo sus últimos trabajos, e incluso algunas obras e instalaciones realizadas ex profeso para esta exposición, en la que se puede observar el rico lenguaje artístico de Sevilla, basado en la pureza de la línea y el color y en la construcción de formas a partir de módulos geométricos. Una oportunidad excepcional para conocer el trabajo de esta gran artista valenciana.

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Cuentos de la selva, los relatos de Horacio Quiroga, ilustrados

El poeta, dramaturgo y escritor de cuentos Horacio Quiroga es una figura fundamental de la literatura latinoamericana. Su estilo, influenciado por la selva misionera y por una vida marcada por la tragedia, nos deja relatos en los que la naturaleza y el destino humano se entrelazan de manera cruda y poética.

En sus cuentos, el paisaje no es un simple telón de fondo, sino un personaje vivo: a veces aliado, a veces enemigo. Ismael Cervantes, a través de sus ilustraciones, intenta capturar esa dualidad y resaltar la relación entre lo humano y lo salvaje.

Los cuentos de Horacio Quiroga siempre han formado parte del imaginario del ilustrador argentino Ismael Cervantes, que creció con sus relatos llenos de naturaleza salvaje, tensiones humanas y enseñanzas profundas.

Afincado desde hace tiempo en España, Cervantes ha sentido la necesidad de traer la obra de Quiroga a un nuevo público, explorándola a través de un lenguaje visual que invita a la interpretación y al redescubrimiento.

Con Cuentos de la selva, Ismael Cervantes no pretende ilustrar los cuentos de Quiroga de manera literal ni definitiva. Más bien, las imágenes funcionan como puertas abiertas a nuevas lecturas, evocando sensaciones y conceptos en lugar de definirlos. Cada ilustración oscila entre la fidelidad al texto y la libertad de la imaginación, permitiendo que cada lector encuentre su propia versión de la historia.

La serie de ilustraciones que presenta el libro es una reinterpretación visual de algunos de los relatos más emblemáticos de Quiroga. Cada imagen parte de un elemento narrativo clave y lo transforma en una metáfora, generando nuevos significados. De este modo, se tiende un puente entre el pasado y el presente, entre América Latina y España.

El objetivo de Ismael Cervantes es invitar a redescubrir a Quiroga desde otra perspectiva, estimulando la imaginación y el diálogo. Para quienes ya conocen su obra, las ilustraciones pueden ofrecer una nueva manera de acercarse a sus cuentos. Para quienes lo descubren por primera vez, quizás sean la chispa que los motive a adentrarse en su universo.

Ismael Cervantes, un artista que explora la intimidad y la otredad

Ismael Cervantes es un artista interdisciplinar, graduado en Bellas Artes por la Universidad de Castilla-La Mancha y cuya obra ha sido expuesta en España, Japón, Países Bajos y Argentina.

Cervantes utiliza la pintura, el dibujo, el vídeo y la edición gráfica como medios principales de su producción artística. El contenido de su obra se caracteriza por una investigación orientada al cuestionamiento de diferentes políticas identitarias, con especial hincapié en lo referente a la sexualidad y la noción de extranjero.

De esta forma, Cervantes parte de su intimidad, autobiografía y experiencia personal para generar una reflexión en torno al concepto de otredad y sus posibles consecuencias a nivel social.

Con el proyecto de ilustrar Cuentos de la selva, Ismael Cervantes homenajea a la literatura latinoamericana y a la capacidad del arte de resignificar los clásicos.

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Simone Fattal y la suspensión de la incredulidad

El IVAM muestra hasta el próximo junio la exposición ‘Suspensión de la incredulidad’, que recorre a través de 85 obras la trayectoria de Simone Fattal, desde 1999 hasta 2023: escultura, dibujo, trabajo editorial… Todo suma para crear un espacio multicultural y multidimensional.

Simone Fattal es una artista franco-libanesa, nacida en 1942 en Damasco y criada en El Líbano. Estudió filosofía en París y comenzó su carrera artística en la década de los 70 en Beirut, hasta la guerra civil. Debido a la contienda, abandonó Líbano y se mudó a California, donde continuó su trabajo. Esa condición de migrante se plasma en su obra, dotándola de una temporalidad y espacialidad flexible, «que mira el pasado, presente y futuro al mismo tiempo», según Sonia Martínez, directora del IVAM.

La exposición está comisariada por Rafael Barber Cortell y Nuria Enguita. Para Sonia Martínez, el trabajo de Fattal está vinculado primordialmente con la escultura de barro, «un material considerado menor, cercano a la artesanía, como podría ser también el textil, que se reivindica ahora y visibiliza junto a otros materiales considerados como nobles».

La suspensión de la incredulidad que da título a la exposición es un concepto popularizado por Samuel Taylor Coleridge y, para Rafael Barber Cortell, está ligado a la capacidad del lector para aceptar sin cuestionamientos elementos poco realistas dentro de una obra de ficción. Para Simone Fattal, más allá de la temática, la incredulidad significa una mirada más en profundidad a través del asombro.

En su primera exposición individual en España, Simone Fattal, se apropia del concepto de Coleridge para invitar a los visitantes a abandonar sus certezas. El trabajo de la artista se alimenta de la mitología de diversas civilizaciones, desde Egipto, pasando por el misticismo suní o el clasicismo grecorromano.

La literatura es otra de las fuentes de inspiración para Fattal, que afirma: «Soy muy literaria, mi obra guarda relación con la literatura: motivos, argumentos, ideas… Es una obra muy íntima, propia, muy individual, viene de mi corriente, de mi pensamiento. Si estoy pensando en un Ulises, creo un Ulises, es un diálogo interior».

Una exposición con obra editorial, cerámica y dibujo

Los guiños a la antigüedad son una constante en la producción artística de Fattal, que crea sus esculturas como una forma de preservar la memoria de la civilización.

Para la artista, «el arte sirve para que la gente no se olvide de las cosas, para recordar. Los museos han reemplazado a las iglesias, se va a ellos para ver lo que está ocurriendo en la sociedad».

La muestra se inicia con la faceta editorial de la artista, desarrollada a través de su proyecto Post-Apollo Press, y continúa con más de 80 esculturas cerámicas.

Esta parte del recorrido expositivo, diseñado por Sina Sohrab, no sigue un orden cronológico, sino que construye una narración que guía al visitante.

La exposición finaliza con los dibujos de Fattal, con diez obras de gran formato. Para Barber, los dibujos de la artista son como «un texto sin letras ni puntuación, compuesto solo de gestos, goteos y relaciones entre la tinta, el agua, el papel y la mano de la artista. Las manchas y salpicaduras se convierten en fragmentos de un lenguaje visual que, una vez más, invita al espectador a descubrir significados ocultos y a formar su propio relato».

La muestra, una de las más importantes de la temporada expositiva, se puede visitar en el IVAM hasta el 1 de junio de este año.

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Un calendario solidario con toneladas de arte

Para el equipo de La Imprenta CG, el calendario solidario es uno de los proyectos más especiales del año, ya que combina el espíritu solidario con la promoción del arte y la ilustración.

Como en anteriores ediciones, los beneficios íntegros de su venta están destinados a la Fundación Ronald McDonald de València, que ayuda a las familias de los niños hospitalizados, cubriendo su alojamiento en un espacio familiar y acogedor, así como otras necesidades.

En el décimo aniversario de nuestro calendario solidario, contamos con un nuevo e importante colaborador: La Rambleta, un centro cultural que comparte los valores de compromiso, cariño y solidaridad que nos impulsan en esta iniciativa.

La Rambleta se ha sumado a este proyecto para unir fuerzas y apoyar tanto el trabajo de los ilustradores e ilustradoras, como la labor que desempeña la Fundación Ronald McDonald de València.

Gracias a esta colaboración, la presentación del calendario solidario se realizó en pasado 27/11/24 a las 19:30 horas en La Rambleta, integrándose en las actividades de València se ilustra y su nueva edición 2024-2025.

Doce meses, doce ilustradores

El calendario está compuesto por doce ilustraciones de doce ilustradores e ilustradoras, seleccionados por Cristina Chumillas y Armand Llàcer.

Gracias a la generosidad de estos creadores, el calendario es una obra de arte en sí mismo, una muestra del universo creativo de estos artistas, convirtiendo cada uno de los meses en una ventana abierta a la imaginación.

Entre los artistas que participan este año, se encuentran: Guiomar Martín, Mario Dubla, Diego Blanco, Raquel Montero, Luan, Amparo Lorente, Víctor Visa, Verónica Deltoro, Paula Bonet, Marta Negre, el Estudio Juárez Casanova y Carla Berrocal.

Desde aquí queremos agradecer a todos su colaboración y su generosidad, al contribuir con su talento para que nuestro calendario solidario sea todo un éxito.

Apoyando la labor de la Fundación Ronald McDonald

Además de promover el trabajo de diferentes artistas e ilustradores, la función fundamental de nuestro calendario solidario es apoyar la labor que realiza la Fundación Ronald McDonald de València.

La Fundación Ronald McDonald está ubicada junto al hospital la Fe y aloja gratuitamente a familias con niños gravemente enfermos, que deben desplazarse lejos de su residencia habitual para seguir su tratamiento médico en València.

Los beneficios de cada calendario vendido van destinados íntegramente a esta causa, por lo que cada vez que una persona compra este calendario, está ayudando a crear hogares fuera del hogar, entornos seguros y agradables para quienes más lo necesitan.

La compra del calendario es una manera de formar parte de una cadena solidaria que se extiende desde los artistas hasta las familias de la Fundación Ronald McDonald de València.

¡Gracias a todos por vuestra colaboración!

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Sorolla y el mar, una exposición de Manuel Vicent

En el mar de Sorolla con Manuel Vicent no es una exposición al uso, ya que está comisariada por Manuel Vicent. El escritor valenciano ha realizado una selección casi literaria de las obras, con un diálogo entre pintura y literatura, con el mar Mediterráneo como nexo de unión.

Esta muestra supone el cierre del Año Sorolla en el centro cultural de la Fundación Bancaja, que ha conmemorado el centenario del fallecimiento del artista.

La exposición recala en Valencia, tras su paso por Madrid, con una selección de más de un centenar de obras, datadas entre 1886 y 1920. Entre los lienzos expuestos, destacan obras maestras como Saliendo del baño, La hora del baño, Pescadores valencianos o Después del baño. Estas piezas rara vez han sido prestadas para exposiciones fuera del Museo Sorolla de Madrid.

Manuel Vicent, como comisario de la exposición, utiliza el recorrido expositivo como un relato de sus propios recuerdos sobre el mar Mediterráneo. Dividida en cuatro secciones, la muestra recorre la extensa representación del mar en la obra de Sorolla.

La primera parte de la exposición es El subconsciente está lleno de algas, que incluye las obras de niños jugando en la playa; Un drama naturalista bajo la luz del Mediterráneo, recoge escenas de pescadores y trabajadores del mar; Veraneantes burgueses en el Cabanyal, recopila las imágenes de la burguesía valenciana; y En el mar de Xàbia, Sorolla se deja llevar por su amor a la naturaleza, con pinturas en las que la fuerza de los paisajes salvajes sin figuras humanas es la protagonista.

A través de los textos de Manuel Vicent, el espectador viaja a las costas mediterráneas del periodo de entresiglos, con una visión poliédrica de la vida durante esa época.

Mediante la conjunción de la obra de ambos artistas, la exposición ofrece una nueva lectura de las pinturas de Sorolla, a través de los textos de Vicent.

Manuel Vicent desgrana sus propios recuerdos sobre el Mediterráneo, y reflexiona sobre la estética del pintor y su posicionamiento social y político.

Además de los lienzos de Sorolla y los textos de Vicent, la muestra exhibe fotografías de época y una pieza audiovisual en la que Manuel Vicent relata sus vivencias, relacionándolas con las obras expuestas.

Otra de las joyas de esta exposición es el precioso catálogo, que incluye la reproducción en alta calidad de las obras y un relato original de Manuel Vicent. ¡Un regalo perfecto, que ya hemos añadido a nuestra lista!

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Un libro tributo al largometraje The Pillow Book

El sueño de Nagiko es un tributo a la película The Pillow Book (1996), del director británico Peter Greenaway y está dirigido a los amantes del cine, el arte oriental y la poesía.

Se trata de un homenaje evocador, pues no pretende solamente ser un análisis cinematográfico, sino que toma sus imágenes innovadoras para llevarlas por sendas creativas inexploradas.

Los poemas de Christian T. Arjona, las ilustraciones de Sandra De Jaume y las caligrafías de Gerardo D. Cristante retoman la historia de la protagonista del filme, dándole nuevas formas, nuevas coloraciones, nuevos horizontes.

Una colección de libros dedicados a la obra de Peter Greenaway

El sueño de Nagiko es el primer cuaderno de una serie de libros ilustrados, Las maletas de Peter Greenaway, dedicados al genial cineasta británico.

En cada uno de los libros que componen la serie, los textos y traducciones de Christian T. Arjona cuentan con la colaboración de artistas que recrean la estética y las ideas innovadoras del director, transformando sus obras en una nueva visión de sus creaciones cinematográficas, plásticas y filosóficas.

Siguiendo el texto original de Peter Greenaway, los trece poemas de Nagiko aparecen traducidos por primera vez al castellano, junto con algunas de las entradas del Libro de almohada de la película, inspirado por el clásico del siglo X de la escritora Sei Shõnagon, Makura no Sōshi.

Un precioso libro de poemas, ilustraciones y caligrafía

Christian T. Arjona se ha encargado de la edición del libro, los textos que acompañan a las ilustraciones y las traducciones de textos en inglés del director Peter Greenaway.

El escritor y artista plástico, nacido en Barcelona en 1977, ha publicado los libros: Cuando no aún el poema (2001), El libro de los alfabetos (2014 y 2024), Lienzos (2016), El Atrapasueños. Poemas de la mañana (2017), Barbas (2018), La página del alba (2020), Tau. Libro de la memoria y la quimera (2020), Quietudes. Poesía Zen (2023) y El sueño de Nagiko. Recreando The Pillow Book de Peter Greenaway (2024).

Además, como traductor, ha trasladado al castellano poemas de Fernando Pessoa (Delirio. Poemas y canciones de Alexander Search, 2019) y prosas de Walt Whitman (Apuntes del natural, 2022), entre otros.

Sus poemas y ensayos han aparecido en antologías, como Poesía Pasión (ed. de Eduardo Moga, 2004), El jaiku en España (2003) o Los poetas del silencio (2006) y en diversas revistas literarias como Surco. Cuadernos de Poesía, Gesto. Revista de literatura, arte y pensamiento, La Nube habitada y Círculo de Poesía.

Es miembro fundador de Acashodo, la Asociación Catalana de Caligrafía Japonesa.

Para la edición de El sueño de Nagiko, Christian T. Arjona ha contado con la colaboración de Sandra de Jaume, cuyas ilustraciones a tinta china en color acompañan los textos y la cubierta.

Sandra de Jaume es una artista visual mallorquina, que ha expuesto su obra en la feria de arte contemporáneo Pool Art Fair New York y en otras ciudades como Seúl, Madrid, Málaga, Melilla, Montecarlo, Braga, Ourense, Ílhavo; entre otras.

Aquí podéis ver algunas fotos del trabajo de Sandra de Jaume y la modelo María Mei para las ilustraciones del libro.

La caligrafía es otra de las grandes protagonistas de El sueño de Nagiko. Gerardo D. Cristante es el encargado de la creación de las bellas caligrafías que complementan los textos e ilustran las portadillas interiores. El polifacético artista bonaerense ha trabajado en la dirección de espectáculos, la dramaturgia, la poesía, la fotografía y la danza teatro.

Gerardo D. Cristante estudió durante cinco años con Mihoko Ono (Casa Asia, Barcelona), de quien aprendió todo lo relacionado con el shodo.

En el año 2023, fundó Acashodo, Asociación Catalana de Caligrafía Japonesa, junto a otros artistas.

Si queréis haceros con un ejemplar de este precioso libro, podéis hacerlo en la página web de la editorial Libros de Aldarán.

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ANCA, una asociación artística a la vanguardia creativa

El libro ANCA. Una experiencia en la vanguardia de la creación colectiva, editado por la Fundación Cañada Blanch, recoge la trayectoria de la Associació Nous Comportaments Artístics (ANCA) durante su breve —pero intensa— actividad cultural, llevada a cabo durante los 1989 y 1994.

El grupo ANCA empieza a gestarse en 1989, cuando el artista multidisciplinar Bartolomé Ferrando comienza a impartir clases en la Facultad de Bellas Artes de València y organiza un primer grupo de performance y poesía en acción, Tusílago y un poco de blanco.

Tras la desaparición de este grupo, algunos de sus miembros y varias nuevas incorporaciones, forman Comedor de ideas, un grupo que crece hasta transformarse en ANCA, que incluso abrió un local alternativo de exposiciones, en 1990, en Torrefiel.

Durante sus cinco años de actividad artística, el grupo ANCA realizó performances, instalaciones, música aleatoria, exposiciones objetuales, land-art, poesía fonética, publicaciones de poesía visual, edición de vídeos, talleres, conferencias y numerosas colaboraciones.

Finalmente, la asociación desaparece en 1994, aunque sus miembros continuaron desarrollando sus proyectos artísticos por separado y, en ocasiones, colectivamente.

Catálogo ANCA. Una experiencia en la vanguardia de la creación colectiva

El objetivo principal de este catálogo es dejar constancia de ese tránsito artístico desarrollado por el grupo multidisciplinar, que nace con la finalidad de promover un tipo de arte al margen de criterios especulativos y de enriquecimiento individual.

La publicación está dirigida a quienes formaron parte de la asociación y para el archivo de algunas de las más relevantes entidades museísticas y artísticas.

El grupo ANCA fue un colectivo de hombres y mujeres que, con una visión transversal y multidisciplinar del arte, irrumpieron en Valencia en 1989. Durante un lustro iluminaron el camino artístico, desde la performance a la poesía. Con su éxito, consiguieron normalizar su visión como una realidad innovadora y asumible. Fueron unos pioneros, ya que lo que hicieron hace más de treinta años, es ahora un patrón de conducta artística institucionalizada. Aquí podéis ver algunas de sus reflexiones y actividades.

Para la realización de este libro, ha sido necesaria una gran labor de documentación. En la recopilación de imágenes y experiencias han colaborado Carmen Cebrián, Manel Costa, Raül Gálvez, Vicente Gascón, Carmen González, Francesc González, Inma Gregori, Cristina Llobart, Nuria Lloret, Rosa Peralta, Lucía Peiró, Rafael Santibáñez, Silvia Sempere, José Tarragó y Fernando Costa.

El diseño, la maquetación, la portada y las ilustraciones son obra de Costacruz y Fernado Costa.

Los textos que completan el libro están escritos por Manel Costa, Bartolomé Ferrando, Román de la Calle, Josep Sou, Llorenç Barber, Marisa Giménez, Rafael Santibáñez, Lucía Peiró, Silvia Sempere, Juan Viña y Francesc González.

Como toda obra colectiva, cuenta con un equipo coordinador, formado por Manel Costa (escritor y poeta visual), Lucía Peiró (artista plástico y performer), Vicente Gascón (artista plástico y gestor cultural), Nuria Lloret (Catedrática de la UPV), Fernando Costa (artista plástico y diseñador gráfico) y Francesc González (gestor cultural, artista y escritor).

En La Imprenta CG estamos muy agradecidos por haber podido trabajar en este proyecto, que deja constancia del trabajo de ANCA, un grupo artístico adelantado a su época.

Presentación del libro catálogo dedicado al colectivo ANCA.

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«When the process becomes a painting»: una expo sobre el arte del proceso

La exposición «When the process becomes a painting», que estuvo abierta al público hasta finales de febrero de este año, muestra los últimos trabajos del artista Juan Olivares; centrados en la importancia del proceso y el trabajo previo a la hora de crear arte.

Juan Olivares dice sentirse liberado ante este nuevo enfoque artístico: «Leí hace tiempo que quien se obsesiona por la cima se pierde la montaña, ya no me preocupa la cumbre, no me preocupa culminar una pintura, no tengo interés en crear una pintura acabada, compuesta, determinada por patrones autoimpuestos y limitada, en definitiva. Me interesa mucho más el proceso, encuentro en él más verdad; hay fases, intervalos, que emocionan y transmiten mucho más, son auténticos destellos que surgen espontáneamente, casi por azar.

Alguno de esos instantes se puede mostrar, otros desaparecen, pero queda el bálsamo de haberlos experimentado. Paul Valéry escribió «Un poème n’est jamais fini, juste abandonné”»; del mismo modo quiero creer que una pintura nunca se termina, solo se abandona».

Para Juan Olivares, la práctica de la pintura trata de desvelar aspectos ocultos de la realidad, generando emociones, sensaciones y significados que escapan a la lógica.

En esta exposición y en el catálogo que la culmina, Olivares utiliza la pintura para estar muy cerca de lo que acontece y transmitir una experiencia más allá de las palabras, permitiendo que cada persona pueda conectarse y genere significados personales. Le interesa crear una obra abierta en la que el observador pueda proyectarse, completarla y provocar ideas más allá de las esperadas.

Sobre este tema, Olivares reflexiona sobre la atención plena, que considera fundamental en el proceso pictórico: «Siempre menciono que debemos estar despiertos, tener «un ojo con apetito», estar en alerta por si algo fructuoso y bueno sucede. Pero la atención plena también es fundamental en todas las facetas de nuestra vida, sea atendiendo a tus hijos, con tu pareja, tomando café con un amigo o comprando el pan…, es maravilloso sentir que importas y hacer sentir que estás presente. Hay dos tipos de personas, las que están en tiempo real, contigo, y luego las que están siempre en otro lugar, con el móvil o con su agenda, a pesar de estar a tu lado. La pintura siempre está contigo».

Juan Olivares: un artista en constante evolución

Juan Olivares es un artista valenciano, formado en la Facultad de Bellas Artes de la UPV. Ha completado su formación con varias residencias y becas internacionales en Bélgica, Francia, Italia, EE.UU., dos veces en China y más recientemente dos veces en Austria.

Ha participado en diferentes muestras colectivas nacionales e internacionales en Shanghái, Nueva York, Bruselas, Ginebra, Wels, París y Roma. Así como en ferias internacionales: ARCO Madrid, ESTAMPA Madrid, ARTISSIMA Turín, MIART Milán, ARTCOLOGNE Colonia, SHANGHAI ART FAIR, ARTE Lisboa, MACO Méjico, PINTA Londres y PULSE Miami.

También ha sido protagonista de una veintena de exposiciones individuales, siendo la última «When the process becomes a painting», protagonista del catálogo que hemos impreso.

Un catálogo de arte con una encuadernación especial

El catálogo de la exposición «When the process becomes a painting», incluye textos de los expertos en arte y escritores Álvaro de los Ángeles, Ramon Guillem, Enrique Juncosa y Marlene Elvira Steinz.

La maquetación y el diseño han corrido a cargo de Dídac Ballester y las fotografías, muchas de ellas de la propia exposición, son obra de Francisco Alcántara.

El catálogo cuenta con una encuadernación especial, cosida con hilo visto; que complementa a la perfección el concepto de «no finalizado» de la exposición; ya que deja las costuras a la vista, dando un aspecto muy diferente al libro.

Según apunta Ramon Guillem en uno de los textos del catálogo, en realidad, lo inacabado no deja de ser también una creación artística en sí misma.

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