¿Quién es la ilustradora y dibujante Núria Tamarit?

Núria Tamarit cursó Bellas Artes en la Universidad Politécnica de València, y continuó su formación con el Máster en Diseño e Ilustración de la misma universidad.

Su carrera se ha desarrollado en el ámbito de la ilustración y el cómic. Como ilustradora, ha trabajado para clientes nacionales e internacionales, así como en diferentes medios de comunicación, editoriales y campañas institucionales.

Núria también se dedica a la docencia y a la impartición de diversos talleres.

Ilustraciones con colores vibrantes y texturas sugerentes

El estilo y las temáticas abordadas por Núria Tamarit han creado un universo gráfico de gran riqueza, en el que las texturas y los colores vibran y sugieren. Los elementos fantásticos, las formas vegetales y las criaturas oníricas, conviven con los fuertes personajes femeninos que protagonizan su trabajo.

En los inicios de su carrera, Núria Tamarit trabajó en equipo junto a Xulia Vicente, con la que participó en fanzines e ilustró la serie de libros Anna Dédalus, de Miguel A. Giner Bou. Junto a Xulia publicó su primer cómic, Duerme Pueblo.

También en 2016 ilustró Avery’s Blues, guionizado por Angux. Gracias a este trabajo recibió el premio a Mejor Autora Revelación en la I edición de los premios Carlos Giménez en los Héroes Comic Con Madrid, el premio a Mejor Portada y las nominaciones en las categorías de Mejor Dibujante Nacional y Mejor Obra Española.

Núria Tamarit ha publicado diversos cómics y libros ilustrados. En 2024 participó junto a otros autores en Ecotopías. Imaginar el futuro para cambiar el presente, una novela editada por Astiberri, vertebrada en torno a la importancia de generar futuros esperanzadores.

Como ilustradora, Núria Tamarit ha trabajado para clientes como la Acadèmia Valenciana de la Llengua, el Ayuntamiento de Sevilla, la Generalitat Valenciana, Google (Doodle), el MuVIM, Metrovalència, el Teatre Nacional de Catalunya (TNC), Usborne Publishing, la Universidad Complutense de Madrid o la Universitat de València, entre otros.

También ha realizado ilustraciones para medios como El Mundo, Fierro, Jot Down, Popular Science, Salvaje o The Valencianer.

A nivel de ilustración editorial, ha colaborado con firmas como Edelvives, Literatura SM, Oxford University o Santillana, entre otras.

Núria Tamarit ha recibido diversos premios y reconocimientos. En 2022 recibió el Prix De’Lire Cambrai y el Lauréate du prix des Lycéens of Poitiers, en 2021, por Toubab. En 2018, fue galardonada con el Premi València Novel·la Gràfica, en 2017 fue reconocida como Autora Revelación Héroes Comic Con Madrid y en 2016 recibió ek Prix Blues sur Seine por Avery’s Blues.

En La Imprenta CG estamos muy agradecidos a Núria Tamarit por haber participado en el Calendario Solidario 2026, un proyecto que ayuda a visibilizar el trabajo de ilustradores valencianos, al tiempo que colabora con la Fundación Ronald McDonald.

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Fotolibro Madrileños: Historia gráfica del Mercado de la Cebada

El fotolibro Madrileños: Historia gráfica del Mercado de la Cebada muestra una cara diferente de Madrid, frente a la clásica visión monumental o estereotipada. Adolfo Morales, su autor, propone una tesis tan sencilla como contundente: madrileño es aquel que vive y trabaja en Madrid.

Este trabajo documental, concebido desde las entrañas del icónico Mercado de la Cebada, huye de la genealogía para centrarse en la presencia. Además, Adolfo Morales no solo ha documentado el paisaje humano del mercado, sino que forma parte de él, ya que regenta una galería de autor dentro del mismo (Mister Turrión). Gracias a esa posición de proximidad, puede romper la barrera aséptica entre observador y observado.

Las imágenes incluidas en el fotolibro son retratos en un blanco y negro de alto contraste, sobrio y atemporal, con una iluminación lateral sobre fondo blanco imperfecto, que esculpe meticulosamente la cartografía de la piel, la honestidad del gesto y la huella del tiempo.

Todas las imágenes son obra de Adolfo Morales. El diseño y la maquetación ha corrido a cargo del sello independiente 108 shoots y en La Imprenta CG nos hemos encargado de la impresión con toda la calidad y el cuidado al detalle que nos caracteriza.

El fotolibro es una edición de lujo con tapa dura cosida en tela negra, con stamping blanco. Contiene 200 páginas de fotografías en blanco y negro. Impreso con papel Gardapat Klassica de 150 gr.

El objetivo del fotolibro Madrileños: Historia gráfica del Mercado de la Cebada es ofrecer una radiografía honesta, visceral y profundamente humana de quienes definen el ADN de Madrid en pleno siglo XXI.

El proyecto y la galería han sido seleccionados oficialmente dentro del circuito del prestigioso festival PHotoESPAÑA 2026 (PHE26), siendo los puestos 267 y 268 del Mercado de la Cebada la sede física de la exposición entre mayo y septiembre de este año.

¿Cómo conseguir el regalo exclusivo de una lámina original Fine Art?

La campaña de crowdfunding de Verkami del fotolibro Madrileños: Historia gráfica del Mercado de la Cebada ya está activa, y todos los mecenas que adquieran el libro durante la preventa recibirán de regalo exclusivo una Lámina Original Fine Art, tamaño DIN A4, impresa en técnica Giclée con 12 tintas pigmentadas Canon Lucia sobre papel de bambú japonés Awagami de 250 gr. en nuestro taller.

Si eres coleccionista de fotolibros, amante de la fotografía documental y de calle, no puedes dejar escapar este proyecto. Para adquirir un ejemplar, puedes visitar la campaña Verkami del libro o la web del autor.

Adolfo Morales, fotógrafo y observador incansable

Adolfo Morales Martín trabaja la fotografía documental y de autor, con un arraigo profundo en la vida cultural de Madrid.

Vecino y observador de los latidos de la ciudad, actualmente compagina su labor creativa con la gestión de su propia galería de autor, Mister Turrión, ubicada de forma estratégica en el corazón del Mercado de la Cebada (La Latina).

Su trabajo destaca por el uso expresivo y atemporal del blanco y negro de alto contraste y por una búsqueda incansable de la honestidad a través de la mirada humana.

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Judit Balbastre, imatges simbòliques, colors contundents i narratives visuals directes

La il·lustradora Judit Balbastre és graduada en Disseny i Tecnologíes Creatives i ha cursat el Máster en Disseny i Il·lustració, ambdós per la Universitat Politècnica de València. El seu treball com a il·lustradora es desenvolupa en l’àmbit de la imatge digital. A través de composicions simbòliques, colors contundents i narratives visuals directes, desenvolupa un univers gràfic propi des d’una perspectiva sensible i comunicativa. Entén la seua pràctica com una eina capaç de generar connexió i diàleg, situant la creativitat al servei dels contextos i les realitats que ens travessen.

Entrevista a Judit Balbastre

Com es va despertar en tu la necessitat o el desig de dibuixar? Quin és el teu primer record amb un llapis a la mà?

És una cosa que sempre m’ha acompanyat. Des de ben menuda, era més feliç quan tenia alguna cosa per a dibuixar i alguna superfície on fer-ho. No recorde exactament quan vaig començar a agafar un llapis, però el primer record que conserve relacionat amb el dibuix és el de jugar a crear formes al passadís de casa amb el fil dental dels meus pares.

Tens algun ritual especial o alguna mania quan t’enfrontes a un projecte creatiu?

Diria que soc una mica impacient quan dibuixe. Quan tinc una imatge al cap, necessite veure-la acabada com més prompte millor, i soc capaç de passar-me hores —fins i tot tot el dia— treballant sense parar. Com a mania, odie el procés d’esbossar: tire quatre gargots mal fets en un paper i, en qüestió de minuts, ja estic davant de l’ordinador intentant donar-li la forma definitiva que tinc al cap.

Com definiries el teu estil?

El meu estil combina una línia clara i definida amb paletes de color molt deliberades, cada projecte té la seua pròpia identitat cromàtica. M’interessa molt la narrativa, les meues il·lustracions sempre intenten contar alguna cosa o generar una posició, no només decorar. Treballe còmoda en registres molt diferents, des de la il·lustració editorial fins al cartell o el còmic, però crec que hi ha una veu consistent darrere de tot.

Quina tècnica o material prefereixes a l’hora de treballar?

Treballe principalment en digital, ja que és el mitjà amb què em sent més còmoda i àgil. Tot i això, sempre que tinc l’oportunitat d’incorporar algun element artesanal al procés, ho gaudisc especialment. Treballar amb les mans requereix una atenció i un temps diferents; és un ritme més pausat que t’obliga a estar present i que, al mateix temps, resulta gratificant.

Per què has triat aquesta imatge per al Calendari Solidari de La Imprenta CG?

Vaig voler participar en el calendari amb una imatge creada expressament per a l’ocasió. La convocatòria em va arribar en ple estiu i, casualment, en aquells dies estava escoltant molt Pájaros de Barro, de Manolo García. És una cançó que, especialment quan comença a arribar la calor, té la capacitat de transportar-me al cotxe vell de mon pare, camí de la platja, travessant els canyars propers a la costa mentre sonava a la ràdio. És un record senzill però molt tendre, i una de les imatges que, per a mi, representen millor l’estiu.

Qui són els teus referents o influències en literatura, música, etc.?

Pel que fa a la literatura, he de reconéixer que soc menys llegida del que m’agradaria. Això sí, soc una gran aficionada a la novel·la gràfica i, en aquest terreny, no tinc massa manies: qualsevol estil gràfic que em cride l’atenció ja té moltes paperetes per enganxar-me.

Musicalment, soc bastant eclèctica. Al matí puc estar escoltant als Dire Straits, a la vesprada The Prodigy i, a la nit, uns bons passodobles. Tot i això, si haguera de destacar alguns grups especialment estimats, serien els Talking Heads i The Smiths. Últimament també estic molt amb The Magnetic Fields. Tenen una sensibilitat molt particular que inevitablement em desperta imatges al cap.

Ens recomanes una pel·li i un llibre?

Un llibre, “La alegre vida del triste perro Cornelius, de Marc Torices.

En quant a pel·li, si soc honesta, El Señor de los Anillos, especialment Las Dos Torres en versió estesa. Sempre n’he sigut molt fan.

Quin consell t’haguera agradat rebre quan vas començar?

Considere que just estic començant, però si hi ha una cosa que he anat observant és la importància de moure’s i crear xarxa. Compartir el que fas, conéixer altra gent creativa i participar en projectes o espais comuns acaba obrint moltes portes. Al mateix temps, crec que també és important perdre la por a mostrar el teu treball, una cosa que jo mateixa continue intentant aplicar-me en el dia a dia.

Moltes gràcies a Judit Balbastre per col·laborar amb nosaltres en el nostre calendari solidari. Este projecte té una doble vessant, d’una banda servix per a promoure el treball d’il·lustradors valencians i, d’altra banda, els beneficis obtinguts de la seua venda està destinats a la Fundación Ronald McDonald.

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Imprimimos el nuevo fotolibro de Andrés Ferrer

En La Imprenta CG estamos encantados de haber impreso el nuevo fotolibro de Andrés Ferrer, La soledad de las ventanas. La Escuela de Arte de Zaragoza, en el que documenta el abandono del mítico edificio, al tiempo que explora temas como el recuerdo y la ausencia o la conexión entre el interior y el exterior.

Las fotografías de Andrés Ferrer están acompañadas por textos de Eva Puyó, Enrique Cebrián y Fernando Sanmartín.

La edición consta de 56 ejemplares firmados y numerados y 14 no venales. El fotolibro está diseñado por el propio Andrés Ferrer y editado por Miranda del Moral.

Un viaje al abandono de la Escuela de Artes y Oficios de Zaragoza

La soledad de las ventanas es un viaje a las luces y sombras de la Escuela de Artes y Oficios de Zaragoza, un edificio concebido por Félix Navarro e inaugurado en 1908, coincidiendo con la Exposición Hispano Francesa.

Las ventanas son el hilo conductor de este proyecto, y actúan como una metáfora de la mirada en sí misma y que sugiere un lugar donde, sin vida, hay olvido.

Las fotografías destacan por el tratamiento de la luz, con características propias del tenebrismo pictórico del Barroco: las sombras cobran importancia, potenciando la sensación de ausencia, vacío y abandono.

La soledad de las ventanas es también un homenaje a un espacio de máxima importancia en la escena artística de Zaragoza, y un testimonio de su actual deterioro.

Andrés Ferrer, un fotógrafo con una amplia trayectoria

Andrés Ferrer (1952) es un fotógrafo afincado en Zaragoza, con trece fotolibros publicados, y que ha expuesto su trabajo en numerosas ocasiones tanto en muestras colectivas como individuales.

Su obra se encuentra en el Museo Grabado Español Contemporáneo de Marbella, la CDAN Fundación Beulas de Huesca, las Cortes de Aragón de Zaragoza, la Colección Josep Mª Civit de Barcelona, en la Comunidad de Madrid, la Galería Lausín Blasco de Zaragoza, la Diputación Foral de Álava de Vitoria, la Colección Ibercaja de Zaragoza, la Diputación Provincial de Zaragoza y el IAACC Pablo Serrano de Zaragoza; así como en varias colecciones particulares.

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¿Quién es el artista Paco Camallonga?

Paco Camallonga es ilustrador, diseñador y escultor digital. Se formó en Arquitectura en la Universidad Politécnica de Valencia y cursó el Master de Animación del estudio FrameOver, mientras continuaba formándose como ilustrador y escultor digital.

En la actualidad, es uno de los diseñadores más reputados y reconocidos de fallas y hogueras, actividad que combina con la creación de cómics y con su trabajo para el mercado americano.

Entre sus influencias dentro del sector de la ilustración se cuentan figuras internacionales como Matteo Scalera, Sean Gordon Murphy, Tony Moore y su principal referente, Akira Toriyama, creador de Dragon Ball.

Por lo que respecta a su vertiente fallera, es un gran admirador del trabajo de Ramón Pla, Carlos Corredera y del ingenio de los Santaeulalia.

Paco Camallonga comienza a colaborar con el mundo de las fallas y hogueras en 2015, iniciando una trayectoria repleta de diseños icónicos, un estilo muy reconocible y grandes éxitos, como el primer premio de categoría especial adulta en las Hogueras de Alicante en 2025, dos primeros premios de hogueras en categoría especial infantil, en 2018 y 2019, un primer premio en sección 1A en València (2021), tres ninots indultats infantiles por votación popular en València (2019, 2024 y 2025) y un ninot indultat adulto por votación popular en Alicante (2024).

A ese impresionante palmarés hay que sumar varios podios en la sección especial, tanto en fallas grandes como en fallas infantiles. Además, este año ha sido el encargado de diseñar la Falla infantil de la Plaza del Ayuntamiento de València.

Una exposición que combina fallas y cómic

La exposición del Centre del Carme mostraba al público sus ninots indultats, maquetas de los monumentos en 3D y más de 200 dibujos, entre bocetos y cómics.

En el ámbito del cómic, Paco Camallonga ha desarrollado una sólida y coherente trayectoria en la que destacan títulos como Cachorro, una novela negra ambientada en la riada de 1957; Reencuentro en Burdeos o Bordell, además de realizar carteles, portadas, premios y múltiples encargos gráficos.

Camallonga colabora habitualmente con la industria americana del cómic con portadas para Scout Comics o uno de sus últimos trabajos para Titan Books, que ha publicado libros como Batman vs. Superman: El amanecer de la justicia.

En la prestigiosa editorial Titan Books está realizando una adaptación del famoso videojuego de ciencia ficción Borderlands, entre otros proyectos en EEUU.

El recorrido expositivo acaba con un viaje por la faceta artística más personal de Camallonga, gracias a una pieza audiovisual en la que se muestra el proceso creativo del artista desde el dibujo digital, pasando por la tinta hasta llegar a la ilustración a color.

La exposición se completa con el catálogo que hemos impreso en La Imprenta CG y que cuenta con textos de Ángel Romero y fotografías de las piezas expuestas, obra de Juan R. Peiró. Está diseñado y maquetado por Pau Soriano y MacDiego.

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Una exposición que recorre la última década de Tàpies

La Fundación Bancaja acoge, hasta el 30 de agosto, la exposición Tàpies. Última década. 2002-2012, en la que profundiza en el trabajo de uno de los artistas más influyentes del siglo XX.

La muestra monográfica se centra en la obra de Tàpies desde 2002, hasta su muerte en 2012, con 22 piezas de gran formato, muchas expuestas por primera vez.

El comisario de la exposición, Fernando Castro Flórez, ha reunido un conjunto de obras que condensan la esencia del artista, realizadas en el periodo más desconocido de sus seis décadas de carrera.

Tàpies es una de las figuras más preeminentes del informalismo, que en su última etapa abordaba con la misma pasión de siempre la experimentación con la materia y los símbolos. En sus obras, el artista continúa incluyendo objetos cotidianos, maderas, telas, cuerdas o fragmentos de muebles, integrando lo real con lo pictórico.

En la exposición están representados tres motivos fundamentales en la trayectoria de Tàpies: el cuerpo humano, los símbolos (cruces, letras, formas) y los objetos integrados en la obra.

Las obras de la muestra —excepto una, propiedad de la Fundación Bancaja— proceden íntegramente de la familia. “Con el paso del tiempo, uno comprende que custodiar la obra de un artista no significa solo conservar objetos, sino cuidar una manera de mirar el mundo. En el caso de Antoni Tàpies, esa mirada fue siempre exigente y profundamente humana.

Por ello, esta exposición tiene también un carácter excepcional: incluye varias obras inéditas, piezas que nunca se habían mostrado al público y que se presentan aquí por primera vez. Al contemplarlas en conjunto, se hace evidente que Tàpies seguía trabajando como siempre, con la misma intensidad, la misma curiosidad y la misma necesidad interior.

Su última década no es una despedida, sino una continuidad llevada hasta su límite: un lugar donde el lenguaje se afina, la emoción se vuelve más contenida, pero no menos poderosa”, asegura Toni Tàpies, hijo del artista.

Además de las obras de Antoni Tàpies, en la muestra se pueden observar las fotografías de la casa del artista en Campins (Barcelona). En esas imágenes se aprecia la importancia de ese entorno en su proceso de creación durante esta etapa.

Como complemento audiovisual, la Fundación Bancaja proyecta el documental de RTVE Materia en forma de Tàpies, filmado en 2024 con motivo del centenario de su nacimiento.

Catálogo de la exposición Tàpies. Última década. 2002-2012

La Imprenta CG ha sido la encargada de imprimir el catálogo realizado expresamente para la exposición. La publicación ha sido diseñada y maquetada por el Estudio Lina Vila.

El catálogo se compone de la reproducción en imágenes de alta calidad de las obras expuestas, obra de Roser Vilallonga y Tena Martí Gasull Avellán.

Cuenta con textos de Toni Tàpies Barba y de Fernando Castro Flórez, e incluye también una entrevista realizada por el comisario a Antoni Tàpies en 1990.

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UNO CÁ™, un ilustrador amante de la tipografía y los bloques sólidos de color

El ilustrador Nicolás Villalobos se formó en la Universidad Diego Portales de Chile y cursó el Máster en Diseño e Ilustración por la Universitat Politècnica de València. Aunque nacido en Talagante, Chile, actualmente vive y trabaja en València, bajo el seudónimo UNO CÁ™.

Entrevista a Nicolás Villalobos, UNO CÁ™

¿Cómo se despertó en ti la necesidad o el deseo de dibujar? ¿Cuál es tu primer recuerdo con un lápiz en la mano?

Creo que el primer recuerdo que tengo con un lápiz en la mano es jugando con mi padre al «juego de las líneas». Consistía en que alguien trazaba una línea aleatoria —ya fuera abstracta, simbólica o sin un sentido aparente— y el otro debía completarla dibujando lo que quisiera. Ese es mi primer gran recuerdo del dibujo; gracias, papá.

Más adelante, el deseo de dibujar despertó cuando conocí a mi amigo Héctor. Él coleccionaba «croqueras» (unos blocs de dibujo de la marca chilena Torres) y dedicaba todo su tiempo a crear cómics. Yo intenté copiarlo y, aunque nunca logré terminar una historieta, empezar a trabajar en ese formato me inspiró a ser constante y a dibujar siempre. Desde entonces, sigo dibujando.

¿Cómo definirías tu estilo?

Definiría mi estilo como sintético y sólido, prestando mucha atención a las contraformas. Me encantan las manchas y el uso de los colores negros o los bloques sólidos. Además, creo que la tipografía es, por encima de todo, mi mayor fuente de inspiración a la hora de dibujar.

¿Qué técnica o material prefieres a la hora de trabajar?

Mis materiales favoritos son el papel blanco y los lápices negros. Prefiero trabajar con lápices de tinta, idealmente combinando uno de trazo muy grueso con otro más fino, pero que mantenga una presencia clara.

¿Por qué has elegido esta imagen para el Calendario Solidario de La Imprenta CG?

Mi intención era crear algo totalmente nuevo para el calendario (aunque no conocía, ni elegí, el mes que me tocaría), y el periodo de la convocatoria coincidió con un viaje a Chile, por lo que creé la ilustración en el avión durante el vuelo. De alguna forma, mientras dibujaba pensaba en frutas: para mí la naranja es muy valenciana, la manzana es muy alemana y la uva es muy chilena. De esa mezcla surgió la imagen; me pareció una idea muy bonita que un mes del calendario tuviera frutas.

¿Quiénes son tus referentes o influencias en literatura, música, etc.?

En cuanto a la literatura, diría que mi referencia más directa o indirecta es Alejandro Zambra. Me atrae tanto su estilo de escritura que me gustaría poder dibujar de la misma forma en que él escribe. En la música, destacaría a 31 Minutos: me encantaría ser tan divertido como ellos. Y si tuviera que elegir una serie, definitivamente sería The Office (por Michael Scott).

¿Nos recomiendas una peli y un libro?

La película que me gustaría recomendarles es The Roses, con Cumberbatch y Colman. Me encantan las comedias y, aunque no se considere estrictamente cine arte, me resultó muy divertida y, sobre todo, me sorprendió. En cuanto a libros, recomiendo encarecidamente leer a Pedro Lemebel: Tengo miedo torero, Loco afán, Adiós mariquita linda o cualquiera en realidad.

¿Crees que el trabajo de ilustrador/a está suficientemente reconocido? ¿Qué harías para mejorar la situación?

Solo puedo hablar por mi experiencia en València y en Santiago de Chile. Tengo la impresión de que en València el trabajo de ilustración y el diseño está mejor recompensado económicamente, aunque mi trayectoria aquí ha sido más bien breve. En Chile, donde mi trayectoria ha sido mayormente independiente, he notado que el diseño se percibe a veces como un trabajo de «segunda categoría». Sin embargo, la realidad es que es un oficio que, como cualquier otro, debe abordarse con el máximo rigor profesional según la problemática a la que se enfrenta. Tan solo es muy difícil luchar contra la idea de que la profesión del diseño gráfico ha dejado de lado su impacto social para convertirse en una herramienta pasiva del capitalismo y el culto a la personalidad. El reconocimiento necesario pasa por igualar nuestras condiciones a las de otros sectores profesionales. Para mejorar la situación, creo que es fundamental educar a los clientes, compartir conocimientos, ser muy transparentes con nuestros procesos y dejar de mirar tanto la estética y empezar a mirar la realidad política y ética.

¿Qué consejo te hubiera gustado recibir cuando empezaste?

Es el consejo que siempre doy y que me encantaría compartir con la humanidad, aunque busque una forma más suave de decirlo: en el diseño nadie muere. Ningún cliente pierde la vida por no llegar a un plazo. Es un trabajo, y si las cosas se piden «para ayer», es por una falta de organización del cliente. Hay que aprender a relativizar esa urgencia.

Desde La Imprenta CG queremos agradecer a Nicolás Villalobos su generosidad al colaborar con nosotros en nuestro Calendario Solidario.

Los beneficios de la venta del calendario, están destinados a la Fundación Ronald McDonald, que ofrece alojamiento a las familias de fuera de València con hijos hospitalizados en La Fe.

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Tatuando Tus Entrañas, un libro de poesía e ilustración

Diego Portillo Calle ha lanzado Tatuando Tus Entrañas, un libro en el que mezcla viñetas de cómic e ilustraciones con poemas, que busca lanzar preguntas, incomodar un poco y, al mismo tiempo, conectar desde lo sencillo, con un matiz naíf que lo hace muy especial.

Las páginas están llenas de crítica social, pero no desde un lugar oscuro o pesado, sino desde una mirada sencilla y directa, casi minimalista en su forma, que hace que el mensaje llegue incluso más fuerte.

Tatuando Tus Entrañas es un libro a color con 196 páginas, en el que imagen y palabra van de la mano, aunque no de la forma habitual: aquí los poemas no explican los dibujos, ni los dibujos ilustran los poemas sin más. Se acompañan, se contradicen y se complementan, dejando espacio para que cada persona saque sus propias conclusiones.

Diego Portillo Calle, el autor detrás de Tatuando Tus Entrañas

El artista madrileño Diego Portillo Calle es el autor de Tatuando Tus Entrañas. Portillo ha construido un estilo propio, mezclando distintas formas de expresión como la música, la ilustración y la escritura. En el libro se nota esa fusión, convirtiéndolo en una obra directa, honesta y muy libre.

Tatuando Tus Entrañas no es un libro para leer del tirón y olvidar. Es más bien para abrirlo, pararse en una página, pensar, y volver otro día.

Se puede conseguir un ejemplar escribiendo al autor por  instagram en @tatuandopapel, o en el email tatuandopapel@outlook.com.

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Por eso, Patricia Blanco y Javier Álvarez han escrito El dinero no es el problema: es la herramienta que nadie te enseñó a usar: un libro enfocado a la educación financiera básica, accesible y aplicable a la vida diaria.

La educación financiera, un vacío en el sistema educativo

Con el libro El dinero no es el problema: es la herramienta que nadie te enseñó a usar, Patricia Blanco y Javier Álvarez quieren dar respuesta a una necesidad real: Personas que trabajan duro, pero viven con la sensación de no llegar a fin de mes. Gente que gana más, pero nunca consigue avanzar. Familias que quieren organizarse mejor, pero no saben por dónde empezar.

Y es que, durante años, aprendemos matemáticas, historia o idiomas, pero salimos al mundo sin saber cómo funciona el dinero en la práctica. Este es un libro pensado para la vida real, no está dirigido a expertos, sino a aquellas personas que quieran entender, de forma clara y sencilla, cómo empezar a gestionar su dinero.

Con un enfoque claro y accesible, de aplicación práctica, el contenido se divide en dos partes: Una primera parte centrada en la mentalidad financiera: creencias, miedos y errores comunes.

Y una segunda parte orientada a la acción: organización del dinero, ahorro y primeros pasos en inversión.

Patricia Blanco y Javier Álvarez: un tándem perfecto

Patricia Blanco y Javier Álvarez han unido fuerzas para la creación de este libro, que explica de forma didáctica, práctica y amena cómo mejorar la gestión del dinero.

Patricia Blanco es maestra, educadora y logopeda, con más de 25 años de experiencia dedicados al ámbito de la educación y la formación. A lo largo de su trayectoria, se ha especializado en hacer accesibles contenidos complejos, adaptándolos a un lenguaje claro, práctico y comprensible para todo tipo de público.

En El dinero no es el problema: es la herramienta que nadie te enseñó a usar aporta el enfoque pedagógico necesario para comprender la relación con el dinero desde una perspectiva clara, aplicable y transformadora.

Javier Álvarez Fernández es inversor autodidacta, con experiencia en la gestión y crecimiento de su propio patrimonio a través de la aplicación práctica de estrategias financieras.

Su trayectoria se ha basado en el aprendizaje continuo y en la toma de decisiones reales en el ámbito del ahorro y la inversión, lo que le ha permitido desarrollar un enfoque claro, directo y basado en la experiencia.

En este libro es el responsable de la parte más técnica y estratégica, ofreciendo una guía clara y accesible para comenzar a gestionar el dinero y dar los primeros pasos en la inversión.

El dinero no es el problema: es la herramienta que nadie te enseñó a usar es un proyecto que da respuesta a un problema, la falta de educación financiera. Una carencia que, en muchas ocasiones, provoca decisiones equivocadas que salen caras.

Si quieres adquirir un ejemplar, puedes contactar con los autores en sus redes sociales:

• Instagram: @Patriciablanco.oficial
• Tiktok: @Patriciablanco.oficial
• Linkedln: Patricia Blanco Estébanez
• Facebook: Patricia Blanco Estébanez

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La mujer en la obra de Julio González, celebrando el 150º aniversario del artista

La exposición del IVAM ofrece una nueva mirada sobre la obra del artista Julio González, gracias a la selección de la comisaria Brigitte Leal, prestigiosa historiadora del arte y directora adjunta emérita del Museo Nacional de Arte Moderno, Centre Pompidou, de París.

Leal no solo profundiza en la figura del escultor catalán, también introduce una perspectiva innovadora al situar en el centro del relato a las mujeres que desempeñaron un papel decisivo en su vida y en la preservación de su legado.

De este modo, el museo se convierte en un espacio de recuperación no solo de las mujeres artistas, sino también de reconocimiento a la importancia de comisarias, historiadoras y profesionales que han contribuido a transformar nuestra comprensión del pasado.

¿Cómo se organiza la exposición?

La muestra del IVAM plantea dos recorridos, uno biográfico y otro temático. El primero revela una red femenina determinante desde el ámbito familiar. Proveniente de una familia de artistas, hijo de Pilar Pellicer, hija a su vez del pintor Lluís Pellicer, Julio González creció en un entorno artístico en el que sus hermanas mayores, Pilar y Lola, desempeñaron un papel activo.

Tras la muerte del padre, fueron ellas quienes trasladaron el negocio familiar a París y ambas figuraron como diseñadoras de joyas en las Exposiciones Nacionales de Industrias Artísticas de Barcelona entre 1892 y 1898.

A estas figuras se suma Marie-Thérèse Roux, compañera sentimental del artista, musa y también creadora, joyera que vendía sus piezas a casas de alta costura.

Asimismo, la figura de Roberta González, hija del escultor, adquiere relevancia tanto por su propia producción artística como por su relación con el pintor Hans Hartung.

Por otro lado, el itinerario iconográfico propuesto por Brigitte Leal permite reconsiderar la representación femenina en la obra de González. Partiendo de figuras heredadas de la tradición académica —Eva, la Virgen—, el análisis se desplaza hacia la supuesta dicotomía entre la garçonne y la campesina.

La mujer urbana, culta y moderna, asociada a la lectura y a nuevas relaciones con el cuerpo contrasta con la figura de la campesina, vinculada al trabajo, la maternidad y la perpetuación de la vida.

El carácter pionero de Julio González como artista se pone de manifiesto en su interés por la recuperación de materiales, la incorporación de la soldadura autógena del hierro al lenguaje escultórico y en su reivindicación del campesinado, entre otras facetas.

Para la muestra del IVAM se ha renunciado al omnipresente cubo blanco y se han elegido tonalidades cálidas y terrosas en las salas que albergan las obras, subrayando de este modo la conexión con la materialidad, el acogimiento y la tierra.

¿Dónde se puede encontrar el catálogo de la exposición del IVAM?

En La Imprenta CG hemos tenido el honor de imprimir el catálogo realizado para la exposición de Julio González. Un libro con 228 páginas, encuadernado en cartoné y con textos de Blanca de la Torre, directora del IVAM, y Brigitte Leal, comisaria de la muestra.

Con más de 167 ilustraciones a color, esta edición trilingüe —castellano, valenciano e inglés— es el complemento perfecto para esta innovadora exposición.

El catálogo se puede adquirir en la tienda física del museo, así como en su tienda online.

¿Por qué Julio González es importante para el IVAM?

Para el IVAM, la trascendencia de Julio González no solo se centra en su proyección internacional como pionero de la escultura en hierro y renovador radical de las técnicas escultóricas, sino también porque la donación de un significativo cuerpo de obras marcó el origen del museo, fruto de la generosidad de Carmen Martínez y Vivianne Grimminger, herederas de la hija del artista, Roberta González.

A ellas está dedicada esta muestra, a las herederas del legado familiar que realizaron donaciones fundamentales en 1985, cuando las Cortes Valencianas tramitaban la ley de creación del museo, y en 1992, tres años después de su inauguración en 1989.

Estas donaciones incluían también un conjunto significativo de obras de Roberta González y de Joan González, hija y hermano del escultor.

El IVAM alberga la colección más importante del mundo de obras de González y, a lo largo de los años, ha desarrollado una labor sostenida de investigación, conservación y difusión que ha contribuido decisivamente al conocimiento público del artista.

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¿De qué trata el fotolibro Les petites coses?

Les petites coses es el nuevo fotolibro de Quim Espona, un auténtico reto para el autor, ya que se trata de un recorrido por toda su trayectoria, una cuidada selección entre miles de fotografías que, a lo largo de su dilatada carrera, ha realizado Quim Espona.

Les petites coses es una pequeña muestra de algunas de las colecciones del fotógrafo, unidas por el hilo conductor de las sensaciones que le llevaron a capturar esos instantes.

En este fotolibro no aparecen fotografías de Espona realizadas para periódicos, revistas, libros o encargos profesionales. Las imágenes que forman parte de esta obra corresponden exclusivamente a una selección de fotografías que expresan sentimientos, emociones, percepciones y vivencias personales que, a lo largo de los años, han llevado a Quim Espona a hacer de la fotografía algo más que una afición.

El libro, diseñado por Isabel Espona, es una invitación a recorrer el mundo a través de la mirada personal de Quim, construida a través de la sensibilidad y la experiencia de toda una vida observando, sintiendo y capturando momentos.

Quim Espona, un fotógrafo hecho a sí mismo

Quim Espona lleva desde los siete años capturando el mundo a través de la cámara. Su pasión por la fotografía comenzó con una cámara que le regalaron en 1963 y, con el tiempo, se ha convertido una extensa trayectoria fotográfica que puede descubrirse a través de su web, donde se muestran las diferentes facetas de un autor que conoce los rincones más diversos de la fotografía.

De formación autodidacta, Quim Espona ha desarrollado su carrera profesional como reportero gráfico para publicaciones como La Vanguardia, L’Ausona o El 9 Nou.  Además, ha colaborado con numerosas publicaciones relacionadas con el arte y el medio natural.

Desde mediados de los años noventa, Quim Espona también se ha dedicado a la docencia, impartiendo clases de fotografía para jóvenes y adultos.

En el año 2000 publicó su primera recopilación fotográfica, Sensacions, un fotolibro en el que compartía una selección de vivencias personales e imágenes que invitan a disfrutar de la fotografía.

El trabajo de Quim Espona ha sido expuesto en muestra individuales en Vic, Manlleu y Barcelona, así como en diversas exposiciones colectivas en Cataluña y Madrid. También ha sido parte del jurado en concursos de fotografía.

Si quieres un ejemplar del fotolibro Les petites coses, puedes encontrarlo en librerías de Vic o contactando directamente con el autor a través de su Instagram o de su página web.

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Júlia Cano, el triomf del dibuix a mà alçada

La il·lustradora Júlia Cano és graduada en Filosofia i va cursar el màster em màster en Disseny i Il·lustració per la Universitat Politècnica de València.

Júlia és una il·lustradora en gran part autodidacta, passeja entre el text i el dibuix, explorant amb un traç lliure i de mà alçada on allò quotidià es barreja amb allò imaginat. El seu treball naix de l’observació, la curiositat i el desig de mirar el món una mica més a poc a poc.

El seu treball inclou projectes de cartelleria, editorial i producte. Entre ells es troben el cartell de Ho’oponopono yomimeconmigo a Russafa Escènica, la portada de Circumstàncies possibles (L’Eixam Edicions), il·lustració per a Oxxo Wedding, el calendari solidari 2026 per a l’Associació Contra el Càncer de Mama de Caravaca i l’etiquetatge de productes de Bodega Eras. Actualment experimenta amb el dibuix aplicat a la ceràmica, realitzant altars i taulells il·lustrats.

Entrevista a Júlia Cano

Com es va despertar en tu la necessitat o el desig de dibuixar? Quin és el teu primer record amb un llapis a la mà?

La veritat és que ni tan sols ho recorde. La meua mà mai ha estat lluny d’un llapis. Sempre he tingut al meu voltant fulls i colors que m’han acompanyat mentre somiava i jugava, així que dibuixar ha sigut per a mi una cosa molt natural des de sempre.

Tens algun ritu especial, alguna mania, quan t’enfrontes a un projecte creatiu?

Intente recordar les coses que m’inspiren. Primer pense, després observe i, finalment, ordene. Més que buscar referències noves des del principi, preferisc explorar allò que ja conec i donar-li una volta per transformar-ho en alguna cosa diferent, com si fora un eco nou. Ho faig així per no condicionar massa la meua imaginació.

Com definiries el teu estil?

Diria que el meu estil és prou lliure i de mà alçada, amb un traç viu i gestual. M’interessa que el dibuix conserve moviment i una certa espontaneïtat. Solc combinar línia solta amb taques de color molt lleugeres, encara que no em tanque a res.

Quina tècnica o material prefereixes a l’hora de treballar?

El que més m’agrada és treballar amb llapis, paper i tinta. M’interessa el contacte directe amb els materials i el procés manual. Tot i això, si la idea és interessant, no tinc una tècnica tancada: qualsevol material o eina pot servir-me per a desenvolupar-la.

Per què has triat aquesta imatge per al Calendari Solidari de La Imprenta CG?

He triat aquesta imatge perquè convida a aturar-se i pensar en el seu significat. Planteja una pregunta: què hi havia abans, la trampa o les flors? Saben els óssos que la trampa és perillosa i per això intenten substituir-la per alguna cosa bella? O no ho saben i estan en perill? També suggereix un altre dubte: qui es comporta realment de manera “humana”, qui posa la trampa o qui cuida i rega un jardí? És una imatge que busca provocar reflexió més que donar una resposta tancada.

Qui són els teus referents o influències en literatura, música, etc.? Ens recomanes una pel·li i un llibre?

Crec que aquesta és la pregunta més complicada de totes per a mi, perquè gaudisc tant que em costa triar. Un text que em va canviar la percepció de les coses va ser l’assaig Del paro al ocio de Luis Racionero, junt amb el seu llibre Filosofías del underground.

També vaig gaudir molt amb la imaginació viva d’Irene Solà, però un referent important per a mi és la periodista Leila Guerriero: els seus textos tenen una lucidesa i una precisió admirables; em va fascinar Teoría de la gravedad. Un llibre que pense que tothom hauria de llegir (perquè, a més, és curt) és Esto es agua, de David Foster Wallace.

Si parlem de música, encara es complica més l’assumpte, però crec que entre les meues bandes favorites hi ha The Stone Roses, The Smiths, The Durutti Column o Talk Talk. La música és un paisatge. No puc dir quin paisatge és millor: tots són diferents.

En pel·lícules ja em fa por entrar. Ho deixem ací.

Creus que el treball d’il·lustrador està prou reconegut? Què faries per millorar la situació?

No, el treball d’il·lustradora està poc reconegut. És un sector molt mal pagat, amb molta precarietat i condicions desiguals, on la majoria de professionals treballen com a autònoms i assumeixen una gran inestabilitat.

A més, el treball creatiu sovint està infravalorat. Per millorar la situació faria falta una major regulació del sector, tarifes més justes i una major consciència sobre el valor del treball creatiu.

Quin consell t’hauria agradat rebre quan vas començar?

Considere que encara estic començant. Diria: tingueu paciència, envolteu-vos de bons amics, parleu bé dels vostres companys i ajudeu-vos molt entre vosaltres, perquè creieu-me: cal ajuda per avançar en aquest món enrevessat.

A La Imprenta CG estem molt agraïts a Júlia Cano per haver participat al nostre calendari solidari.

Els beneficis de la venda estan destinats a la Fundación Ronald McDonald, que ofereix allotjament gratuït a les famílies els fills de les quals estan hospitalitzats a València.

A més, el nostre calendari solidari té com a objectiu visibilitzar el treball d’il·lustradors valencians, tant dels més consagrats com dels joves que comencen.

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La grieta reina, una historia sobre la falta de afecto

Editada por Urbiko Ediciones, La grieta reina es la nueva obra de Arantza Álava. Es una novela sobre la falta de afectos, que sumerge al lector en una historia poderosa.

Arantza Álava es autora del poemario Esencia urbana (2020) y de los libros de relatos Peces de terraza (2021) y Viento sin norte (2023), género en el que fue ganadora del Concurso Ciudad de Orduña 2020.

La grieta reina confirma su madurez narrativa y consolida una voz literaria personal, atenta a las fisuras de lo íntimo y a la complejidad de los vínculos afectivos.

Después de sus magníficos volúmenes de relatos, que llegaron a toda España a través de las distribuidoras más importantes del país y tuvieron muy buena acogida, La grieta reina supone un salto de calidad para una autora que no deja indiferente, que es capaz de entrar en el alma del lector, haciéndole sentir protagonista de sus historias.

¿De qué trata la novela La grieta reina?

La grieta reina es la historia de un descubrimiento en la infancia, una grieta que revelará a Yoli secretos inconfesables. Una búsqueda —de razones, de aceptación, de amor— en la que el mar aparece como una imagen recurrente, entre lo dicho y lo que permanece en silencio, como un final que se insinúa más que se anuncia.

Demostrando un profundo conocimiento de la psicología humana, Arantza Álava ha construido una novela conmovedora y poderosa. A través de una prosa ágil, descarnada y sin artificios, la autora nos ofrece un viaje vital del que no regresaremos ilesos.

La cubierta del libro es obra de Beatriz Deza Trujillo, fotógrafa fuenlabreña que vuelve a colaborar con Arantza después de Viento sin norte, su anterior trabajo.

Al igual que todas las obras de la autora, La grieta reina ha sido impresa en los talleres de La imprenta CG.

La grieta reina y el resto de bibliografía de Arantza Álava están disponibles en todas las librerías de España, físicas y virtuales. Si quieres un ejemplar dedicado o simplemente dejarle tus impresiones sobre el libro, puedes ponerte en contacto con la autora a través de Instagram.

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¿De qué trata el libro Cómo me la maravillaría yo?

Cómo me la maravillaría yo, escrito por Aitor Domingo, cuenta mucho más que una historia, despliega todo un mundo ante el lector. Es literatura que se habita, en la que el autor no se limita a narrar, sino que ofrece todo un territorio emocional, imaginario y generacional en el que se adentra sin mirar atrás.

Cómo me la maravillaría yo comienza con un padre explicando el mundo a su hija de dos años y ese es el punto de partida de un viaje íntimo, hacia atrás y hacia delante en el tiempo, repleto de preguntas que no sabía que tenía.

¿Qué es criar, educar, recordar y reinventar? Cómo me la maravillaría yo es una exploración luminosa y delirante, una novela de tono tierno, irónico y vulnerable, en la que el protagonista, desbordado, se enfrenta a la tarea imposible de traducir el mundo para una criatura que lo mira todo por primera vez.

Y en ese intento de explicar el mundo, la realidad empieza a comportarse de maneras inesperadas: la memoria se abre como un portal, los sueños se vuelven transitables, la genealogía se convierte en mitología, y lo cotidiano —un centro comercial, un cuento improvisado, una conversación antes de dormir— se transforma en aventura, rito y revelación.

La novela avanza con un ritmo rápido y rítmico, mezclando con maestría lo que duele con lo que hace reír, lo que pesa con lo que libera. Es una novela en la que el humor es una pieza fundamental: absurdo, tierno, afilado. Hay ternura, pero nunca empalagosa. Hay crítica social, pero sin caer en el panfleto. Hay fantasía, pero nunca escapista. Y, sobre todo, hay una mirada profundamente humana que convierte cada página en un acto de resistencia contra el cinismo.

Este libro es también una celebración de la imaginación como herramienta de supervivencia. Frente a un mundo que a veces parece diseñado para aplastar, el narrador elige maravillarse. Elige transformar la herencia —con sus luces y sus sombras— en un relato que su hija pueda habitar sin miedo. Y en ese gesto, la novela se convierte en algo más que ficción: se convierte en un acto de amor radical.

Cómo me la maravillaría yo no es un libro sobre la paternidad, sino sobre lo que nos hace humanos: la memoria, el humor, la fragilidad, la épica secreta de las familias, la belleza inesperada de lo cotidiano, la necesidad de contar historias para no perdernos.

En las páginas del libro, el autor dialoga con la tradición del realismo mágico, con la literatura del yo, con la fábula, con el mito, con el sueño, con la comedia y con la filosofía.

Cómo me la maravillaría yo es una invitación a mirar el mundo con otros ojos, a recordar que incluso en el cansancio hay maravilla, a aceptar que la vida es un caos hermoso que solo se ordena cuando lo contamos. Un libro que no explica el mundo, sino que lo reinventa. Un libro que no busca respuestas, sino que abre puertas.

Cómo me la maravillaría yo es un libro en el que la ternura es una forma de valentía, la imaginación una forma de verdad y la maravilla una forma de estar vivo. Sin duda, algo muy necesario en los tiempos que corren.
Si quieres hacerte con un ejemplar, puedes contactar con el autor a través de este email.

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El Espejo Roto, una novela sobre los años 80 en el Vallès Oriental

El Espejo Roto, obra de Ian S. Martin, es un libro de marcado carácter social, una historia dramática ambientada en el Vallès Oriental (Barcelona) de principios de los años 80, y que aborda los problemas y retos de la emigración interior española de esa época.

El autor aborda el lento deterioro del sueño de prosperidad en el barrio obrero de Canovelles, un suburbio construido con las promesas rotas que el régimen franquista hizo a los jornaleros llegados del Sur.

La historia se centra en Tony, un niño testigo de la precariedad y la violencia doméstica que se ciernen sobre su familia, y cómo esa impotencia infantil moldea al hombre roto que está destinado a ser.

El Espejo Roto es una novela perfecta para adultos y adolescentes, que explora temas de memoria obrera, conciencia de clase, pérdida de identidad; así como la violencia estructural y el desarraigo que acechan a los personajes. Todo ello con un tono de realismo crudo y atmosférico que utiliza la geografía del suburbio —el humo de las fábricas, las vías del tren, el moho en las paredes— como un personaje más.

¿Quién es Ian S. Martin, autor de El Espejo Roto?

El Espejo Roto es obra de Ian S. Martin, un autor de imaginación desbordante, apasionado por inventar historias y situaciones, que plasma en novelas, cuentos y otros formatos literarios.

Su escritura combina la crítica social con un estilo detallista, pulcro, directo, de vocabulario rico; con un toque cinemático y muy sensorial, buscando siempre una conexión profunda con el lector.

El autor es una persona comprometida con su entorno y el voluntariado, especialmente con personas mayores, y cultiva un espíritu sensible a las injusticias.  Debido a su conciencia social, el maltrato, los abusos de poder o el acoso son temas recurrentes en su obra, que tiene como objetivo generar emoción, reflexión, esperanza, denuncia e identificación en el lector.

El Espejo Roto es un libro perfecto para adultos y adolescentes que quieran conocer cómo era la vida de barrio en el Vallès Oriental de los años 80. Si quieres comprar un ejemplar, puedes hacerlo a través de la web del autor. ¡Esperamos que os guste tanto como a nosotros!

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Tete Chumi ilustra marzo en nuestro calendario solidario

Tete Chumi se formó como ilustrador en la Escuela de Artes y Oficios de Valencia y desde hace años se encarga de la creatividad publicitaria del grupo de rock Doctor Divago, donde también toca la armónica.

Entrevista a Tete Chumi

¿Cómo se despertó en ti la necesidad o el deseo de dibujar? ¿Cuál es tu primer recuerdo con un lápiz en la mano?

De nano me gustaba mucho garabatear y sobre todo hacer guerretas en las libretas, mientras daban clase. Dibujaba unos muñecos muy esquemáticos, rollo el “Bueno de Cuttlas” (del gran Calpurnio), batallones de infantería, nidos de ametralladora y tanques que luego hacia estallar en el folio… Más de una vez me castigaron al descubrirme, por reproducir el ruido de las explosiones y el repiqueteo de las metralletas… ¡Lo pasaba booomba!

¿Tienes algún rito especial, alguna manía, cuando te enfrentas a un proyecto creativo?

Soy muy desordenado, pero a la hora de dibujar me gusta tener la mesa de trabajo limpia, sacapuntas, goma de borrar a la vista y dos o tres lápices siempre bien afilados.

¿Cómo definirías tu estilo?

Línea guarra… ¡Va! Sucia, mejor… ¡Je, je, je!

¿Qué técnica o material prefieres a la hora de trabajar?

Prefiero técnicas tradicionales y mancharme de tinta, acrílico o témpera. En ocasiones, también coloreo con programas digitales e investigo… Aunque siempre suelo hacer contornos y figuras con lápices que después escaneo.

¿Por qué has elegido esta imagen para el Calendario Solidario de La Imprenta CG?

Es un regalo que le hice a un colega que volvía, como tantos otros en la reclusión de la pasada pandemia, a tocar la guitarra. Si os fijáis bien pone hasta la dedicatoria… ¡Siiií! Es muy cursi.

En aquella época miraba con envidia cómo los animales disfrutaban de la libertad, y de vez en cuando aparecía algún pajarete en el balcón a recordarnos burlón que en ese momento el cielo era suyo.

¿Quiénes son tus referentes o influencias en literatura, música, etc.?

Soy un apasionado del blues y practicante del rock desde hace más de 35 años, por la gracia de Doctor Divago.

Boixcar, Crumb, Tardi, Moebius, Pratt y Ana Penyas, como referentes gráficos.

¿Nos recomiendas una peli y un libro?

El Emperador del Norte, de 1973. La protagonizan dos de mis actores preferidos: Lee Marvin y Ernest Borgnine. Refleja la dura vida de los vagabundos intentándose colar en trenes de mercancías durante la gran depresión en EE.UU.

Un comic: Paracuellos, crónica esencial, del gran Carlos Giménez. Para quien quiera conocer la realidad de los niños en la cruda posguerra franquista.

En La Imprenta CG estamos encantados de haber contado con Tete Chumi para ilustrar nuestro calendario solidario, cuyos beneficios de la venta están destinados a la Fundación Ronald McDonald.

La Fundación realiza una labor muy especial, ya que facilita alojamiento gratuito a las familias cuyos hijos están ingresados en el Hospital La Fe de València.

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Un libro sobre la investigación histórica de la Orden de San Francisco en Olivenza

El libro Convento de São Francisco de Olivença / Olivenza – Entre o velho e o novo explora la importancia de la Orden de San Francisco en el entorno de Olivenza, indagando sobre las dinámicas de poder, la fe y el arte que ayudaron a el desarrollo de la identidad de la zona, situada entre Extremadura y el Alentejo portugués.

Los autores han optado por un riguroso enfoque histórico, y a lo largo del libro se relata el nacimiento del convento original, de principios del XVI, y su traslado al centro de la urbe a finales del mismo siglo.

Ayudados por numerosa documentación inédita, los autores proponen una visión total sobre esta comunidad, ofreciendo numerosos detalles, relatando tradiciones antiguas, con imágenes de capillas y aspectos novedosos y curiosos sobre el patrimonio de la Orden.

El libro ha sido editado en portugués, ya que gran parte de la extensa documentación en la que se basa la investigación está en ese idioma.

José Antonio González Carrillo y Mário Rui Simões Rodrigues, autores del libro

El libro Convento de São Francisco de Olivença / Olivenza – Entre o velho e o novo ha sido editado por los autores, José Antonio González Carrillo y Mário Rui Simões Rodrigues, ambos con una amplia trayectoria en la publicación de investigaciones históricas en España y Portugal.

José Antonio González Carrillo, nacido en Olivenza, tiene formación en publicidad y diseño, así como en áreas como la fotografía, la ilustración y la edición.

Especializado en conservación histórica, la mayor parte de su obra se centra en libros en los que el diseño gráfico y la creatividad comparten protagonismo con la narración histórica.

La temática de sus publicaciones indaga sobre el contexto cultural e histórico de su entorno más próximo. Es autor de las siguientes obras: Saudade; Olivenza oculta; La herencia portuguesa en las cofradías de Olivenza; Almas da Magdalena; Cuando ya no estemos; Ruas e aldeias de Olivença.

También es coautor de Oliventinos y El Foral Manuelino de Olivenza.

Mário Rui Simões Rodrigues, nacido en Angola en 1967, es licenciado en Historia por la Facultad de Letras de la Universidad de Coímbra y en Derecho por la Facultad de Derecho del mismo centro educativo.

Es autor de: Olivença na Conferência da Paz de 1919; Viagens pela História de Alvaiázere; Da Estrada Romana ao Telégrafo Visual: Dois mil anos de viagens e comunicações por terras de Alvaiázere; O Diário «Perdido» da Viagem de José Cornide por Espanha e Portugal em 1772; Sinóptica proposição para a autoria d’O Couseiro.

Si estás interesado en los entresijos de la historia, en los documentos inéditos y en la zona de Olivenza, puedes adquirir este libro en librerías seleccionadas de Extremadura y de Portugal, así como solicitándolo en esta página web.

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Sergio Pérez ilustra febrero en el calendario solidario

Tras completar sus estudios en Integración Social, Sergio Pérez Yarnoz decidió retomar el gusto por el dibujo y comenzó el grado de Ilustración en la Escola d’Art i Superior de Disseny de València (EASD).

Dentro del área de la ilustración, el interés de Sergio se orienta al sector editorial, especialmente el cómic y cualquier forma de narrativa que utilice el dibujo como herramienta, así como los trabajos relacionados con la literatura, la prensa y la actualidad.

Entrevista a Sergio Pérez Yarnoz

¿Cómo se despertó en ti la necesidad o el deseo de dibujar? ¿Cuál es tu primer recuerdo con un lápiz en la mano?

Es un hábito que, como muchos, tengo desde niño. Recuerdo que copiaba cómics de Mortadelo.

¿Tienes algún rito especial, alguna manía, cuando te enfrentas a un proyecto creativo?

No tengo ninguno en particular. Lo único que mantengo es comenzar siempre desde el dibujo analógico.

¿Cómo definirías tu estilo?

Me adapto a las necesidades del proyecto. Tengo preferencia por el dibujo tradicional, aunque también me gustan los trabajos más conceptuales.

¿Qué técnica o material prefieres a la hora de trabajar?

Me gusta mucho el lápiz y la tinta.

¿Por qué has elegido esta imagen para el Calendario Solidario de La Imprenta CG?

Decidí realizar esta ilustración como muestra de apoyo al pueblo palestino.

¿Quiénes son tus referentes o influencias en literatura, música, etc.?

Mientras dibujo, suelo escuchar rock. Por otro lado, siempre me ha gustado el cine, aunque me cuesta elegir una sola película. Algunos autores que me interesan y que combinan estas dos cosas son Keko y Juarma.

¿Nos recomiendas una peli y un libro?

Los domingos y Limónov.

¿Crees que el trabajo de ilustrador/a está suficientemente reconocido? ¿Qué harías para mejorar la situación?

No tengo soluciones, pero tengo la sensación de que en ocasiones cuesta verlo como una profesión. Esto a veces se traduce en la falta de contratos seguros, salarios dignos , informalidad, etc.

¿Qué consejo te hubiera gustado recibir cuando empezaste?

Que hubiese empezado antes a trabajar en ello.

En La Imprenta CG estamos muy agradecidos a Sergio Pérez Yarnoz por participar en nuestro calendario solidario 2026.

Los beneficios de la venta del calendario están destinados a la Fundación Ronald McDonald, al tiempo que da visibilidad al trabajo de jóvenes y destacados ilustradores.

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Ya no soy guiri, fotografía para retratar la inmigración

Madrid siempre ha tenido un aura de ciudad acogedora, abierta a personas de todas las edades y procedencias, cada con su propia historia y bagaje cultural.

El aterrizaje en una gran ciudad y un nuevo país no siempre es fácil. El choque cultural es inevitable y se alternan los momentos de alegría y enriquecimiento con los desafíos y obstáculos.

Las migraciones son también interacción cultural, una experiencia que confronta diferentes formas de vida, valores y tradiciones, y que moldea a cada persona de una manera única.

Ya no soy guiri, obra de Katharina Kupri, es un proyecto que presenta a veinte personas provenientes de distintos países, abarcando la totalidad del mundo (África, América del Sur, América del Norte, Asia, Oceanía y Europa), y nos las acerca tal como son actualmente, destacando la nueva identidad que ha surgido como resultado de la fusión de dos culturas a lo largo de los años.

Reviviendo sus inicios en la ciudad, el libro incluye retratos tomados en 2023, en sus lugares de residencia originales en Madrid. Junto con las sesiones fotográficas, se realizaron entrevistas grabadas en vídeo con 20 preguntas relacionadas con sus experiencias, que constituyen el trasfondo de las imágenes en blanco y negro. Estas fotografías monocromáticas fueron tomadas en distintos lugares de la ciudad y reflejan las emociones, tanto positivas como negativas, experimentadas por los protagonistas durante sus encuentros culturales iniciales, bajo la mirada subjetiva de la autora.

Katharina Kupri, una fotógrafa que ya no es guiri

La propia autora del fotolibro, Katharina Kupri, es de origen alemán y está afincada en España, por lo que conoce de primera mano lo que es sentirse extranjero y construir una nueva identidad, más allá de nacionalidades de origen y de acogida.

Para Katharina, haber vivido en diferentes países y regiones de Alemania, despertó desde muy temprano su interés por las personas, las culturas y los entornos que las rodean. Esta trayectoria vital define el enfoque de su trabajo fotográfico.

Para Katharina, viajar es parte de su ser y de su mirada. Es lo que le permite acercarse a otras realidades, convivir con contextos distintos y que esas experiencias inspiren de manera natural su trabajo.

El trabajo de Katharina combina fotografía artística y documental contemporánea. En palabras de la autora, la fotografía artística «me permite explorar lo abstracto, reinterpretar la realidad y crear atmósferas; la documental se desarrolla a través de proyectos a medio y largo plazo, realizados tanto en Madrid como durante mis viajes, centrados en las personas, los espacios que habitan y cómo estos contextos configuran su vida cotidiana».

Para la fotógrafa, es fundamental abordar los temas culturales y sociales, con especial atención a la identidad, la pertenencia y la experiencia personal, desde una mirada humanista.

A lo largo de su carrera, Katharina Kupri ha presentado su trabajo en diversas exposiciones individuales y colectivas, tanto en España como otros países, como Francia o Argentina.

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Dolors Muntané, una vida dedicada a la comunicación

Dolors Muntané es una escritora y periodista científica catalana, especializada en Salud, Medicina y Sanidad. Una autora todoterreno que también ha trabajado como guionista y reportera para RTVE y como directora de comunicación en diversas entidades sanitarias.

Dolors Muntané lleva publicando con La Imprenta CG desde 2019, en nuestros talleres se han impreso sus libros Mediterrània, La Fina ho tenia molt clar y la autobiografía Reus, París, BCN. Viatge al fons de mí mateixa.

Además, Muntané es autora de muchos libros de divulgación médica, crítica artística y feminismo.

Muntané también es socia fundadora de la Asociación de Críticos de Arte de Cataluña (ACAC) y fue secretaria de la Asociación de Mujeres Artistas de Cataluña (DONARTCAT). Dentro de este ámbito, se ha dedicado a la docencia en la Escola Elisava de Disseny y en la Facultat de Belles Arts de la Universitat de Barcelona. También ha escrito varios libros de arte y biografías de artistas.

Para Dolors Muntané la literatura siempre ha sido su gran pasión. George Sand y Safo de Lesbos son las autoras que más la han marcado y sobre ellas ha escrito varios libros: Safo de Lesbos. La estética como religión, Mediterrània y Lélia contra Consuelo. Retrato de George Sand.

Al matí de la meva vida, un libro inspirado en George Sand

Al matí de la meva vida es el nuevo libro de Dolors Muntané, escrito en prosa poética, combina obras de arte de la autora con textos, haciendo un paralelismo con la obra de George Sand, Lélia.

En este libro, la autora ha querido captar la atmósfera matutina, ese momento en el que todo es pasión, amor e ilusión; en contraposición al mediodía, en el que la rabia, la lucha y la presión toman el poder, y el atardecer, con el que llega la amistad y el perdón.

Este nuevo libro se suma a la larga trayectoria de Dolors Muntané, una autora polifacética que ya está preparando su nueva obra.

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Daniella Martí ilustra enero en nuestro calendario solidario

Daniella Martí estudió Artes Visuales en la Pontificia Universidad Javeriana de Cali y desarrolla su carrera profesional como ilustradora y viñetista. Además, es autora de varias publicaciones, como Así es la vida o al menos así la veo yo (Bruguera, Penguin Random House, 2019), Quiero pensar que no es demasiado tarde (Bruguera, Penguin Random House, 2021), El Presente (Bridge Books, 2022) o Conversaciones conmigo misma (TBR editorial, 2023).

Su trabajo se desenvuelve en el ámbito de la ilustración de prensa y publicitaria, con un marcado enfoque crítico.

Ha colaborado con distintas instituciones y empresas como Danone, Casa de América, Penguin Random House, Amnistía internacional, Acción contra el hambre y El País, entre otros.

Desde 2022 publica semanalmente en el suplemento Ideas en El País.

Entrevista a Daniella Martí

¿Cómo se despertó en ti la necesidad o el deseo de dibujar? ¿Cuál es tu primer recuerdo con un lápiz en la mano?

Dibujé en la infancia como todos los niños, y no paré de dibujar porque era algo que me gustaba mucho hacer. Entonces no recuerdo el momento en el que sentí la necesidad de dibujar o de haber cogido conscientemente un lápiz. Siento que es algo que siempre ha sido parte de mí.

¿Tienes algún rito especial, alguna manía, cuando te enfrentas a un proyecto creativo?

La verdad es que siento que no hago nada especial cuando tengo que trabajar, pero lo que suelo hacer es escribir ideas en el bloc de notas del móvil o en una libreta, y voy creando bocetos que luego dejo en “reposo” de un día para otro o varios días, y luego vuelvo a mirarlos o a leer esas ideas.

Me da perspectiva, me ayuda a enfocar mejor el proyecto, en lugar de sentarme una mañana dibujando sin parar. Entonces, trabajo en un mismo proyecto durante varios días, sin importar el tamaño del proyecto.

¿Cómo definirías tu estilo?

Constantemente estoy cuestionando mi forma de dibujar, porque siento que siempre está evolucionando. Lo que me ha caracterizado en mi carrera es el uso de un dibujo visualmente minimalista en la línea, en los detalles, la ausencia de fondos y color.

Me interesa mucho la ilustración editorial de prensa, y me resulta estimulante condensar ideas o conceptos en ilustraciones simples.

¿Qué técnica o material prefieres a la hora de trabajar?

Últimamente, estilógrafo y papel.

¿Por qué has elegido esta imagen para el Calendario Solidario de La Imprenta CG?

La elegí porque pensé que podría quedar bien en el calendario en un mes de frío, como ha pasado finalmente. Además, representa un momento de mi vida en el que necesité darle la vuelta a lo que ya venía haciendo en mi trabajo y explorar cosas nuevas. Me gusta que haya quedado en el mes de enero, porque de alguna manera, los inicios de año nos hacen cambiar la mentalidad, con la idea de que se trata de un nuevo comienzo.

¿Quiénes son tus referentes o influencias en literatura, música, etc.?

Mis influencias van cambiando con el tiempo. Pero siempre estoy pendiente de la cultura popular. Últimamente estoy leyendo más ensayos y libros de divulgación sobre sociología; también estoy constantemente leyendo sobre diseño y arquitectura.

Y de música, lo que más escucho últimamente es a Olivia Dean y a Raye. Creo que, al final, todo influye en lo que hacemos.

¿Nos recomiendas una peli y un libro?

Una película: La gran belleza, de Paolo Sorrentino.

Un libro: Un mundo feliz, de Aldous Huxley.

¿Crees que el trabajo de ilustradora está suficientemente reconocido? ¿Qué harías para mejorar la situación?

No creo que esté lo suficientemente reconocido, es un trabajo precario, como muchos otros trabajos creativos. En estos momentos, los avances de la IA suponen un problema para muchas creadoras. La regularización del uso de la IA es urgente.

Desde La Imprenta CG queremos agradecer a Daniella Martí su colaboración con nosotros en el calendario solidario 2026.

Como todos los años, los beneficios obtenidos de su venta están destinados íntegramente a la Fundación Ronald McDonald.

Esta institución cumple con una importante labor social, al proporcionar alojamiento gratuito a las familias cuyos hijos están hospitalizados en València, facilitando su vida y ofreciendo un entorno amable en tan dura situación.

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